Escrita inteiramente por John Lennon, “Nobody Told Me”
foi gravada originalmente durante as sessões de agosto de 1980 para o álbum Double
Fantasy no estúdio The Hit Factory, em Nova York. A canção havia sido
composta com a intenção inicial de ser oferecida a Ringo Starr para inclusão em
seu álbum Stop and Smell the Roses, mas as gravações finais de Lennon
com Ringo nunca aconteceram devido ao seu assassinato em dezembro de 1980. A
faixa inacabada foi completada e produzida postumamente por Yoko Ono, sendo
lançada em janeiro de 1984 como o single de estreia do álbum póstumo Milk
and Honey, editado mundialmente pela gravadora Polydor. Musicalmente, a
faixa é um Pop-Rock vibrante e espirituoso com fortes influências do rock dos
anos 1950. A estrutura se apoia em um ritmo marcado e gingado, guitarras
rítmicas diretas e os vocais característicos de Lennon, pontuados por sua
interpretação irônica e bem-humorada. A letra retrata a desorientação e o
absurdo do mundo moderno e da vida doméstica, imortalizando o famoso refrão
cínico sobre as complexidades cotidianas (“Nobody told me there'd be days like
these / Strange days indeed / Most peculiar, mama!”). O pessoal da gravação
conta com John Lennon (vocais principais, guitarra base), Earl Slick e Hugh
McCracken (guitarras solo), Tony Levin (baixo), George Small (teclados) e Andy
Newmark (bateria). Nas paradas de sucesso, “Nobody Told Me” foi um grande
sucesso comercial póstumo, tornando-se o último single de John Lennon a
alcançar o Top 10 nos Estados Unidos e no Reino Unido. Atingiu a 5ª posição na
Billboard Hot 100 norte-americana e o 6º lugar na UK Singles Chart britânica. O
álbum Milk and Honey alcançou a 11ª colocação na Billboard 200 e o 3º
lugar na parada britânica de álbuns. O videoclipe promocional foi montado com
imagens raras e caseiras de arquivo de John Lennon e Yoko Ono, filmadas em sua
maioria durante os anos 1970 em Nova York. Em relação a outras versões e
interpretações conhecidas, destaca-se a inclusão da faixa na antologia oficial John
Lennon Anthology (1998) com mixagens e trechos alternativos de estúdio,
além de regravações e homenagens ao longo dos anos por bandas como The Flaming
Lips para álbuns de tributo em benefício de causas humanitárias.
A letra:
Three, four
Everybody's talking and no one says a
word
Everybody's making love and no one really cares
There's Nazis in the bathroom, just below the stairs
Always something happenin' and nothing
goin' on
There's always something cooking and nothing in the pot
They're starving back in China so finish what you got
Nobody told me there'd be days like
these
Nobody told me there'd be days like these
Nobody told me there'd be days like these
Strange days indeed, strange days indeed
Everybody's runnin' and no one makes a
move
Everyone's a winner and nothing left to lose
There's a little yellow idol to the north of Katmandu
Everybody's flying and no one leaves
the ground
Everybody's crying and no one makes a sound
There's a place for us in the movies you just gotta lay around
Nobody told me there'd be days like
these
Nobody told me there'd be days like these
Nobody told me there'd be days like these
Strange days indeed, most peculiar, mama
Everybody's smoking and no one's
getting high
Everybody's flying and never touch the sky
There's a UFO over New York and I ain't too surprised
Nobody told me there'd be days like
these
Nobody told me there'd be days like these
Nobody told me there'd be days like these
Strange days indeed, most peculiar, mama, roll
Escrita inteiramente por Bruce Springsteen, foi a última faixa gravada para o álbum, registrada em fevereiro
de 1984 no The Hit Factory, na cidade de Nova York. A canção nasceu após o
empresário Jon Landau exigir que Springsteen compusesse um single radiofônico
certeiro para o disco. Lançada em 9 de maio de 1984 pela Columbia Records, foi
o primeiro single oficial a promover o estrondoso álbum Born in the U.S.A.,
lançado mundialmente no mês seguinte. A produção foi assinada conjuntamente por
Jon Landau, Chuck Plotkin, Bruce Springsteen e Steve Van Zandt. Musicalmente, a
faixa representou uma evolução na sonoridade de Springsteen ao incorporar
elementos marcantes do Synth-Pop e Dance-Rock ao seu tradicional Heartland
Rock. O arranjo é ancorado por um riff de sintetizador cativante tocado por Roy
Bittan, complementado pela precisão rítmica da bateria de Max Weinberg e o
baixo pulsante de Garry Tallent. A letra expressa a angústia criativa, a
frustração com o próprio isolamento e a necessidade urgente de transformação
pessoal e conexão (“You can't start a fire / You can't start a fire without a
spark / This gun's for hire / Even if we're just dancing in the dark”). O
pessoal da gravação conta com Bruce Springsteen (vocais principais, guitarra),
Roy Bittan (sintetizadores, piano), Danny Federici (órgão), Garry Tallent
(baixo), Max Weinberg (bateria), Steven Van Zandt (guitarra base, vocais de
apoio) e Clarence Clemons (saxofone, percussão, vocais de apoio). Nas paradas
de sucesso, “Dancing in the Dark” tornou-se o maior hit comercial da carreira
de Springsteen nos Estados Unidos, alcançando a 2ª posição na Billboard Hot 100
(onde permaneceu por quatro semanas consecutivas) e vendendo mais de um milhão
de cópias em vinil. No Reino Unido, alcançou a 4ª posição na UK Singles Chart.
A performance rendeu a Springsteen o Grammy de Melhor Performance Vocal
Masculina de Rock em 1985. O famoso videoclipe oficial foi dirigido por Brian
De Palma e filmado durante a abertura da turnê no Saint Paul Civic Center, em
Minnesota, ficando eternizado pela cena em que Springsteen convida uma jovem fã
(a atriz Courteney Cox, em início de carreira) para dançar com ele no palco. Em
relação a outras versões, destaca-se o remix estendido de 12 polegadas criado
pelo produtor Arthur Baker, além de célebres releituras ao longo dos anos
feitas por artistas de variados gêneros, como Amy Macdonald, Ted Leo, e a
versão eletrônica indie da banda Hot Chip.
A letra:
I get up in the evenin'
And I ain't got nothin' to say
I come home in the mornin'
I go to bed feelin' the same way
I ain't nothin' but tired
Man, I'm just tired and bored with myself
Hey there, baby, I could use just a little help
You can't start a fire
You can't start a fire without a spark
This gun's for hire
Even if we're just dancin' in the dark
Messages keeps gettin' clearer
Radio's on and I'm movin' 'round my place
I check my look in the mirror
Wanna change my clothes, my hair, my face
Man, I ain't gettin' nowhere
I'm just livin' in a dump like this
There's somethin' happenin' somewhere
Baby, I just know that there is
You can't start a fire
You can't start a fire without a spark
This gun's for hire
Even if we're just dancin' in the dark
You sit around gettin' older
There's a joke here somewhere and it's on me
I'll shake this world off my shoulders
Come on, baby, the laugh's on me
Stay on the streets of this town
And they'll be carvin' you up alright
They say you gotta stay hungry
Hey baby, I'm just about starvin' tonight
I'm dyin' for some action
I'm sick of sittin' 'round here tryin' to write this book
I need a love reaction
Come on now, baby, gimme just one look
You can't start a fire
Sittin' 'round cryin' over a broken heart
This gun's for hire
Even if we're just dancin' in the dark
You can't start a fire
Worryin' about your little world fallin' apart
This gun's for hire
Even if we're just dancin' in the dark
Even if we're just dancin' in the dark
Even if we're just dancin' in the dark
Even if we're just dancin' in the dark
Hey baby
Escrita coletivamente pelos quatro membros da banda
(Bono, The Edge, Adam Clayton e Larry Mullen Jr.), com letra de Bono, “Pride
(In the Name of Love)” foi gravada entre maio e agosto de 1984 no Castelo de
Slane (Condado de Meath) e no Windmill Lane Studios em Dublin, Irlanda. A
canção foi lançada em setembro de 1984 como o primeiro single do quarto álbum
de estúdio do grupo, The Unforgettable Fire, editado em 1 de outubro de
1984 pela gravadora Island Records. A produção da faixa e de todo o álbum foi
assinada por Brian Eno e Daniel Lanois, que trouxeram uma nova sofisticação
sonora à banda. Musicalmente, a faixa é um dos maiores hinos do Post-Punk e do
Rock de Arena dos anos 1980. O arranjo é impulsionado pelo característico
dedilhado rítmico de The Edge na guitarra, com uso marcante de efeitos de delay
e reverberação, apoiado pela linha de baixo melódica e precisa de Adam Clayton
e pela bateria firme de Larry Mullen Jr. A letra é uma homenagem explícita ao
líder dos direitos civis norte-americano Martin Luther King Jr., celebrando os
ideais de não violência e a força moral daqueles que deram a vida pela causa da
igualdade e do amor (“Early morning, April 4 / A shot rings out in the Memphis
sky / Free at last, they took your life / They could not take your pride”). O
pessoal da gravação conta com Bono (vocais principais), The Edge (guitarra,
vocais de apoio), Adam Clayton (baixo) e Larry Mullen Jr. (bateria), além de
contribuições vocais de Chrissie Hynde (creditada no encarte como Christine
Kerr). Nas paradas de sucesso, “Pride (In the Name of Love)” marcou um momento
divisor de águas na carreira do U2, tornando-se o primeiro grande sucesso da
banda nas paradas pop internacionais. O single alcançou o 3º lugar na UK
Singles Chart no Reino Unido e atingiu a 33ª posição na Billboard Hot 100 dos Estados
Unidos, além de liderar a parada da Nova Zelândia. O álbum The Unforgettable
Fire chegou ao topo da parada britânica (1º lugar na UK Albums Chart) e
alcançou o 12º lugar na Billboard 200 norte-americana. O videoclipe teve três
versões oficiais produzidas, sendo a mais famosa dirigida por Donald Cammell,
com filmagens no Docklands de Londres. Em relação a outras versões, a canção
tornou-se presença obrigatória em praticamente todas as turnês do U2, com registros
lendários ao vivo como o do festival Live Aid em 1985 e o documentado no álbum
e filme Rattle and Hum (1988). A faixa também foi regravada e
reinterpretada por diversos artistas ao longo das décadas, incluindo a versão
do grupo Clivillés & Cole em 1991 e uma regravação acústica e intimista
feita pelo próprio U2 no álbum Songs of Surrender (2023).
A letra:
One man come in the name of love
One man come and go
One man come he to justify
One man to overthrow
In the name of love
What more in the name of love?
In the name of love
What more in the name of love?
One man caught on a barbed wire fence
One man he resist
One man washed up on an empty beach
One man betrayed with a kiss
In the name of love
What more in the name of love?
In the name of love
What more in the name of love?
Nothing like love
There's nothing like love
Nobody like you
There's nobody like you
Early morning, April 4
Shot rings out in the Memphis sky
Free at last, they took your life
They could not take your pride
In the name of love
What more in the name of love?
In the name of love
What more in the name of love?
In the name of love
What more in the name of love?
In the name of love
What more in the name of love?
Escrita por Morrissey (letra) e Johnny Marr (música),
“How Soon Is Now?” foi gravada em julho de 1984 no Jam Studios em Londres,
durante as sessões do álbum Meat Is Murder. A faixa foi inicialmente
lançada no Reino Unido em outubro de 1984 como Lado B do single de 12 polegadas
de “William, It Was Really Nothing”, pela gravadora Rough Trade. Devido à
enorme repercussão nas rádios e pistas alternativas, foi posteriormente incluída
na coletânea Hatful of Hollow (novembro de 1984) e lançada como single
principal próprio em janeiro de 1985 (Reino Unido) e nos Estados Unidos pela
Sire Records. A produção foi assinada por John Porter.
Musicalmente, a faixa é um dos maiores marcos do
Pós-Punk e do Rock Alternativo dos anos 1980. Destaca-se pela sonoridade
atmosférica e hipnótica criada por Johnny Marr, que utilizou quatro
amplificadores Fender Twin Reverb com o efeito de tremolo sincronizado e
camadas de guitarras slide com afinação aberta. A linha de baixo pulsante de
Andy Rourke e o ritmo constante de Mike Joyce constroem uma base densa para a
interpretação melancólica e angustiada de Morrissey. A letra aborda de forma
crua a timidez paralisante, o isolamento social e o anseio universal por afeto
e conexão humana (“I am the son and the heir / Of a shyness that is criminally
vulgar / I am the son and the heir / Of nothing in particular”). O pessoal da
gravação conta com Morrissey (vocais principais), Johnny Marr (guitarras,
harmônica), Andy Rourke (baixo) e Mike Joyce (bateria).
Nas paradas de sucesso, a canção alcançou a 24ª
posição na UK Singles Chart em seu relançamento como single principal em 1985.
Nos Estados Unidos, tornou-se um clássico instantâneo das rádios universitárias
e do circuito de rock moderno, ajudando a estabelecer a forte base de fãs da
banda na América do Norte.
Em relação a outras versões e interpretações
conhecidas, destaca-se a versão cover gravada pela banda norte-americana Love
Spit Love em 1996 (posteriormente usada como tema de abertura da série de TV Charmed),
além de releituras feitas por nomes como t.A.T.u., Snake River Conspiracy e
Quindon Tarver (na trilha sonora do filme Romeu + Julieta, de 1996). A
gravação original segue como uma das composições mais celebradas e influentes
da história da música alternativa britânica.
A letra :
I am the son
And the heir
Of a shyness that is criminally vulgar
I am the son and heir
Of nothing in particular
You shut your mouth
How can you say
I go about things the wrong way?
I am human and I need to be loved
Just like everybody else does
I am the son
And the heir
Of a shyness that is criminally vulgar
I am the son and heir
Of nothing in particular
You shut your mouth
How can you say
I go about things the wrong way?
I am human and I need to be loved
Just like everybody else does
There's a club if
you'd like to go
You could meet somebody who really loves you
So you go and you stand on your own
And you leave on your own
And you go home and you cry
And you want to die
When you say it's
gonna happen now
When exactly do you mean?
See I've already waited too long
And all my hope is gone
You shut your mouth
How can you say
I go about things the wrong way?
I am human and I need to be loved
Just like everybody else does
Escrita conjuntamente pelos quatro membros da banda (Bill Berry, Peter Buck, Mike Mills e Michael Stipe), “So. Central Rain (I'm Sorry)” foi gravada entre dezembro de 1983 e janeiro de 1984 no Reflection Sound Studios em Charlotte, Carolina do Norte. A faixa foi lançada em março de 1984 como o primeiro single do segundo álbum de estúdio da banda, Reckoning, editado em 9 de abril de 1984 pela gravadora independente I.R.S. Records. A produção do disco ficou a cargo de Mitch Easter e Don Dixon. Musicalmente, a canção é um dos maiores clássicos do Jangle Pop e do Rock Alternativo universitário da década de 1980. Destaca-se pelo característico dedilhado límpido da guitarra Rickenbacker de Peter Buck, pela linha de baixo melódica de Mike Mills e pelos vocais emotivos e quase desesperados de Michael Stipe no refrão (“I'm sorry”). A letra foi inspirada pelas severas inundações que atingiram o estado da Geórgia na época, refletindo a angústia da impossibilidade de comunicação com pessoas queridas durante o desastre. O pessoal da gravação conta com Michael Stipe (vocais principais), Peter Buck (guitarra), Mike Mills (baixo, piano, vocais de apoio) e Bill Berry (bateria, percussão, vocais de apoio). Nas paradas de sucesso, a faixa marcou a primeira aparição de relevância do R.E.M. nas tabelas de singles dos Estados Unidos, alcançando a 85ª posição na Billboard Hot 100. O álbum Reckoning foi aclamado pela crítica, atingindo o 27º lugar na Billboard 200 nos EUA e a 91ª posição na UK Albums Chart no Reino Unido, consolidando o grupo como líder da nova cena do rock independente norte-americano. O videoclipe, dirigido por James Herbert, teve alta rotação na MTV e apresentava os integrantes tocando atrás de telas translúcidas com Stipe cantando a capela. Em relação a outras versões, a canção ganhou diversas interpretações ao vivo registradas ao longo da carreira do grupo, incluindo uma histórica apresentação ao vivo antes mesmo do lançamento em estúdio no programa Late Night with David Letterman em outubro de 1983.
Escrita inteiramente por Leonard Cohen, “Dance Me to
the End of Love” foi gravada no início de 1984 no Larrabee Sound Studios em Los
Angeles, Califórnia. A canção teve seu lançamento oficial como a faixa de
abertura do décimo álbum de estúdio de Cohen, Various Positions, lançado
em dezembro de 1984 pela Columbia Records (nos EUA) e CBS Records (no Reino
Unido). A produção da faixa e de todo o álbum foi assinada por John Lissauer,
que capturou a sonoridade mais eletrônica e melancólica do artista na época. Musicalmente,
“Dance Me to the End of Love” é um dos exemplos mais emblemáticos do Synth-Pop
e Contemporary Folk mais sofisticado e sombrio de Leonard Cohen. A faixa
é construída sobre uma linha de sintetizador melancólica e persistente, ganchos
melódicos sutis, ritmos de bateria eletrônica mecânicos e uma interpretação
vocal profunda e rouca de Cohen. A letra, muitas vezes interpretada como uma
canção de amor romântica e sedutora, tem uma origem mais sombria, baseada no
Holocausto e nos músicos forçados a tocar enquanto prisioneiros eram levados à
morte (“Dance me to your beauty with a burning violin / Dance me through the
panic 'til I'm gathered safely in”). O pessoal da gravação conta com Leonard
Cohen (vocais principais), John Lissauer (teclados, sintetizadores, produção) e
outros músicos colaboradores.
Nas paradas de sucesso, “Dance Me to the End of Love”
obteve excelente desempenho comercial e popularidade, especialmente na Europa.
O álbum Various Positions alcançou a 24ª posição na UK Albums Chart
no Reino Unido e obteve boa tração comercial, consolidando o dance-pop e
folclore contemporâneo do período. Em relação a outras versões e
interpretações conhecidas, destaca-se principalmente a versão cover da
cantora de jazz americana Madeleine Peyroux, lançada em seu álbum de 2004, Careless
Love, que popularizou a música para um público mais jovem. A canção também
foi incluída em diversas compilações retrospectivas dedicadas à carreira de
Leonard Cohen e é frequentemente executada em turnês tributo por músicos
colaboradores e fãs de sua música.
A letra:
Dance me to your beauty with a burning
violin
Dance me through the panic 'til I'm gathered safely in
Lift me like an olive branch and be my homeward dove
Dance me to the end of love
Dance me to the end of love
Oh, let me see your beauty when the
witnesses are gone
Let me feel you moving like they do in Babylon
Show me slowly what I only know the limits of
Dance me to the end of love
Dance me to the end of love
Dance me to the wedding now, dance me
on and on
Dance me very tenderly and dance me very long
We're both of us beneath our love, we're both of us above
Dance me to the end of love
Dance me to the end of love
Dance me to the children who are asking
to be born
Dance me through the curtains that our kisses have outworn
Raise a tent of shelter now, though every thread is torn
Dance me to the end of love
Dance me to your beauty with a burning
violin
Dance me through the panic 'til I'm gathered safely in
Touch me with your naked hand or touch me with your glove
Dance me to the end of love
Dance me to the end of love
Dance me to the end of love
Escrita inteiramente por John Lennon, a canção foi
gravada durante as sessões de estúdio para o álbum Double Fantasy em agosto
de 1980 no The Hit Factory na cidade de Nova York. No entanto, ela
permaneceu arquivada e não foi incluída no álbum lançado em vida por Lennon. A
faixa teve seu lançamento oficial apenas em 1984, como o terceiro single
do álbum póstumo de John Lennon e Yoko Ono, Milk and Honey. O
álbum foi lançado mundialmente em janeiro de 1984 pela Polydor Records,
com a produção póstuma assinada por Yoko Ono.
Musicalmente, “I'm Stepping Out” é um exemplo
cativante do Rock e Pop-Rock enérgico e descontraído que
caracterizou o retorno de Lennon à música em 1980. A faixa é construída sobre
um riff de guitarra ritmico e direto, ganchos melódicos fortes e uma
seção rítmica sólida. A letra adota uma linguagem sincera e bem-humorada sobre
a entusiasmo de Lennon em retomar a vida noturna de Nova York após seu período
de cinco anos como "dono de casa" dedicado à criação de seu filho,
Sean (“I'm stepping out / Gotta gotta gotta gotta get out / I'm stepping out,
babe”). O tom é otimista e libertador, com a interpretação vocal carismática de
Lennon, incluindo uma introdução falada onde ele brinca sobre estar cansado de
ver Sesame Street (Vila Sésamo). O pessoal da gravação conta com John
Lennon (vocais principais, guitarra base), Earl Slick e Hugh McCracken
(guitarra solo), Tony Levin (baixo), George Small (teclados) e Andy Newmark
(bateria).
Nas paradas de sucesso, lançada como single em março
de 1984 nos EUA (e em julho no Reino Unido), “I'm Stepping Out” obteve um
desempenho moderado. Nos Estados Unidos, alcançou a 55ª posição na
Billboard Hot 100. No Reino Unido, o single atingiu a 88ª posição na UK
Singles Chart. O álbum Milk and Honey obteve melhor tração comercial,
alcançando a posição nº 11 na Billboard 200 dos Estados Unidos e nº 3 na UK
Albums Chart no Reino Unido, consolidando o interesse do público pelo material
final de Lennon.
Em relação a outras versões e interpretações
conhecidas, a música manteve-se no repertório de apresentações ao vivo de
bandas tributo e foi incluída em diversas compilações retrospectivas dedicadas
à carreira solo de John Lennon, como The John Lennon Collection (em
reedições posteriores) e Lennon Legend: The Very Best of John Lennon
(1997). Por se tratar de uma das últimas canções finalizadas por Lennon, ela é
valorizada pelos fãs como um vislumbre de seu estado de espírito otimista pouco
antes de sua morte.
A letra:
A-one, two, a-one two, three, four!
This here's the story about a house husband
Who, you know, just has to get out of the house
He's been looking at, you know
The kids for days and days, he's been washing the dishes
And screwing around and watching Sesame Street
'Til he's going crazy
Woke up this morning, blues around my
head
No need to ask the reason why
We went to the kitchen and lit a cigarette
Blew my worries to the sky
I'm stepping out
I'm stepping out
I'm stepping out
I'm stepping out
If it don't feel right
You don't have to do it
Just leave a message on the phone
And tell them to screw it, after all is said and done
You can't go pleasing everyone
So screw it
Ooh, I'm stepping out
I'm stepping out
I'm stepping out, baby
I'm stepping out
Baby's sleeping
The cats have all been blessed
Ain't nothing doing on TV
Summer repeats
Put on my space suit, I got to look my best
I'm going out to do the city
I'm stepping out
I'm stepping out
I'm stepping out, babe
I'm stepping out
Boogie
One more
I'm stepping out (Hold it down)
I'm stepping out
I'm stepping out
Gotta, gotta, gotta, gotta get out
I'm stepping out, babe
Just a while
Ain't been out for days
Gotta do it tonight
Gimme a break, gimme a break
Gotta get out, gotta get out, just for a while
Just for the night
I'll be in before one or two or three, goodbye
Escrita inteiramente por Bruce Springsteen e gravada
em várias sessões entre 1982 e 1984 no The Power Station e The Hit
Factory na cidade de Nova York. A canção teve seu lançamento oficial como a
faixa-título e segundo single do álbum de estúdio homônimo, Born in the
U.S.A., lançado mundialmente em 4 de junho de 1984 pela Columbia Records. A
produção da faixa e de todo o álbum foi assinada por Jon Landau, Chuck Plotkin,
Bruce Springsteen e Steve Van Zandt. Musicalmente, “Born in the U.S.A.” é um
dos exemplos mais emblemáticos do Heartland Rock e Arena Rock
pulsante do início dos anos 1980. A faixa é construída sobre um riff de
teclado potente e direto (executado por Roy Bittan), ganchos melódicos
cativantes e uma seção rítmica sólida e agressiva. A letra, muitas vezes mal
interpretada como uma canção patriótica jingoísta, adota uma linguagem sincera
e amarga sobre os veteranos da Guerra do Vietnã e a falta de oportunidades para
a classe trabalhadora americana no pós-guerra (“Got in a little hometown jam /
So they put a rifle in my hand / Sent me off to a foreign land / To go and kill
the yellow man”). O tom é descontraído e otimista, com a interpretação vocal
carismática e rouca de Springsteen. O pessoal da gravação conta com Bruce
Springsteen (vocais principais, guitarra), Roy Bittan (sintetizadores, piano),
Danny Federici (órgão), Garry Tallent (baixo), Max Weinberg (bateria), Steven
Van Zandt (guitarra base, vocais de apoio) e Clarence Clemons (saxofone,
percussão, vocais de apoio) — a formação clássica da E Street Band. Nas paradas
de sucesso, “Born in the U.S.A.” obteve excelente desempenho comercial e
popularidade, alcançando o 9º lugar na Billboard Hot 100 dos Estados Unidos em
janeiro de 1985. No Reino Unido, o single alcançou o 5º lugar na UK Singles
Chart. O álbum Born in the U.S.A. obteve um impacto massivo, gerando
sete singles no Top 10 nos EUA, alcançando a posição nº 1 na Billboard 200 dos
Estados Unidos e nº 1 na UK Albums Chart no Reino Unido, consolidando
Springsteen como um superastro global e moldando o pop-rock do período.
A letra:
Born down in a dead man's town
The first kick I took was when I hit the ground
You end up like a dog that's been beat too much
'Til you spend half your life just coverin' up
Born in the U.S.A
I was born in the U.S.A
I was born in the U.S.A
Born in the U.S.A
Got in a little hometown jam
So they put a rifle in my hand
Sent me off to a foreign land
To go and kill the yellow man
Born in the U.S.A
I was born in the U.S.A
I was born in the U.S.A
I was born in the U.S.A
Come back home to the refinery
Hiring man says, "Son if it was up to me"
Went down to see my V.A. man
He said, "Son, don't you understand"
I had a brother at Khe Sanh
Fighting off the Viet Cong
They're still there, he's all gone
He had a woman he loved in Saigon
I got a picture of him in her arms now
Down in the shadow of the penitentiary
Out by the gas fires of the refinery
I'm ten years burning down the road
Nowhere to run ain't got nowhere to go
Born in the U.S.A
I was born in the U.S.A. now
Born in the U.S.A
I'm a long gone Daddy in the U.S.A. now
Born in the U.S.A
Born in the U.S.A
Born in the U.S.A
I'm a cool rockin' Daddy in the U.S.A. now
Escrita coletivamente por Elton John (música) e Bernie
Taupin (letra), “I'm Still Standing” foi gravada entre setembro e dezembro de
1982 no Air Studios em Montserrat e no Caribou Ranch no Colorado.
A canção teve seu lançamento oficial como o primeiro single (nos EUA) e segundo
single (no Reino Unido) do décimo sétimo álbum de estúdio de Elton John, Too
Low for Zero, lançado mundialmente em maio de 1983 pela The Rocket Record
Company (UK) e Geffen Records (US). A produção da faixa e de todo o álbum foi
assinada por Chris Thomas, que capturou a sonoridade polida e eclética do
artista. Musicalmente, “I'm Still Standing” é um dos exemplos mais emblemáticos
da Pop-Rock e Synth-Pop pulsante e sofisticada do início dos anos
1980. A faixa é construída sobre um riff de piano rítmico e direto,
ganchos melódicos cativantes e uma seção rítmica sólida. A letra adota uma
linguagem sincera e ligeiramente cínica sobre relações amorosas e a sinceridade
inesperada das confissões noturnas (“Don't you know I'm still standing better
than I ever did / Looking like a true survivor, feeling like a little kid”). O
tom é descontraído e otimista, com a interpretação vocal carismática de Elton
John. O personnel da gravação conta com Elton John (vocais principais, piano,
sintetizadores), Davey Johnstone (guitarra elétrica, vocais de apoio), Dee
Murray (baixo, vocais de apoio) e Nigel Olsson (bateria, vocais de apoio). Nas
paradas de sucesso, “I'm Still Standing” obteve excelente desempenho comercial
e popularidade, alcançando o 12º lugar na Billboard Hot 100 dos Estados Unidos
no início de 1984. No Reino Unido, o single alcançou o 4º lugar na UK Singles
Chart. O álbum Too Low for Zero obteve boa tração comercial, alcançando
a posição nº 25 na Billboard 200 dos Estados Unidos e nº 7 na UK Albums Chart
no Reino Unido, consolidando o pop-rock e dance-pop do período.
A letra:
You could never know what it's like
Your blood like winter freezes just like ice
And there's a cold lonely light that shines from you
You'll wind up like the wreck you hide behind that mask you use
And did you think this fool could never
win?
Well, look at me, I'm coming back again
I got a taste of love in a simple way
And if you need to know while I'm still standing, you just fade away
Don't you know I'm still standing
better than I ever did
Looking like a true survivor, feeling like a little kid
I'm still standing after all this time
Picking up the pieces of my life without you on my mind
I'm still standing (yeah, yeah, yeah)
I'm still standing (yeah, yeah, yeah)
Once I never could have hoped to win
You're starting down the road leaving me again
The threats you made were meant to cut me down
And if our love was just a circus, you'd be a clown by now
You know I'm still standing better than
I ever did
Looking like a true survivor, feeling like a little kid
I'm still standing after all this time
Picking up the pieces of my life without you on my mind
I'm still standing (yeah, yeah, yeah)
I'm still standing (yeah, yeah, yeah)
Don't you know that I'm still standing
better than I ever did?
Looking like a true survivor, feeling like a little kid
I'm still standing after all this time
Picking up the pieces of my life without you on my mind
I'm still standing (yeah, yeah, yeah)
I'm still standing (yeah, yeah, yeah)
I'm still standing (yeah, yeah, yeah)
I'm still standing (yeah, yeah, yeah)
I'm still standing (yeah, yeah, yeah)
I'm still standing (yeah, yeah, yeah)
Escrita inteiramente por David Bowie, “Let’s Dance”
foi gravada em dezembro de 1982 no Power Station Studios na cidade de
Nova York. A canção teve seu lançamento oficial como o primeiro single e
faixa-título do décimo quinto álbum de estúdio de Bowie, Let’s Dance,
lançado mundialmente em março de 1983 pela EMI America Records. A produção da
faixa e de todo o álbum foi assinada por David Bowie e Nile Rodgers, que
capturaram a sonoridade polida e eclética do artista. Musicalmente, “Let’s
Dance” é um dos exemplos mais emblemáticos da Pop-Dance e Funk-Rock
pulsante e sofisticada do início dos anos 1980. A faixa é construída sobre um riff
de guitarra rítmico e direto, ganchos melódicos cativantes e uma seção rítmica
sólida. A letra adota uma linguagem sincera e ligeiramente cínica sobre
relações amorosas e a sinceridade inesperada das confissões noturnas (“Let’s
dance / Put on your red shoes and dance the blues”). O tom é descontraído e
otimista, com a interpretação vocal carismática de Bowie. O personnel da
gravação conta com David Bowie (vocais principais), Stevie Ray Vaughan
(guitarra solo), Nile Rodgers (guitarra base), Bernard Edwards (baixo), Omar Hakim
(bateria, percussão), Robert Sabino (teclados) e Stan Harrison (saxofone). Nas
paradas de sucesso, “Let’s Dance” obteve excelente desempenho comercial e
popularidade, alcançando o 1º lugar na Billboard Hot 100 dos Estados Unidos por
três semanas em maio de 1983. No Reino Unido, o single alcançou o 1º lugar na
UK Singles Chart. O álbum Let’s Dance obteve boa tração comercial,
alcançando a posição nº 4 na Billboard 200 dos Estados Unidos e nº 1 na UK
Albums Chart no Reino Unido, consolidando o pop-rock e dance-pop
do período. Em relação a outras versões e interpretações conhecidas, destaca-se
principalmente a versão ao vivo gravada em Montreal e incluída no single, bem
como as execuções cativantes durante a turnê Serious Moonlight que promoveu o
álbum, e um registro ao vivo dessa época está disponível no álbum e filme Serious
Moonlight (1984). Por se tratar de um tema cult do catálogo de Bowie, a
canção também foi incluída em diversas compilações retrospectivas da banda
dedicadas à era dance-pop e é frequentemente executada em turnês tributo
por músicos colaboradores e fãs de sua música.
A letra:
Ah, ah, ah, ah
(Let's dance)
(Let's dance)
(Let's dance) put on your red shoes and dance the blues
(Let's dance) to the song they're playing on the radio
(Let's sway) while colour lights up your face
(Let's sway) sway through the crowd to an empty space
If you say run, I'll run with you
And if you say hide, we'll hide
Because my love for you would break my heart in two
If you should fall, into my arms and tremble like a flower
(Let's dance)
(Let's dance)
(Let's dance) for fear your grace should fall
(Let's dance) for fear tonight is all
(Let's sway) you could look into my eyes
(Let's sway) under the moonlight, this serious moonlight
And if you say run, I'll run with you
And if you say hide, we'll hide
Because my love for you would break my heart in two
If you should fall, into my arms and tremble like a flower
(Let's dance)
(Let's dance)
(Let's dance) put on your red shoes and dance the blues
(Let's dance) to the song we're playing
(Let's sway)
(Let's sway) under the moonlight, this serious moonlight
Escrita coletivamente por Coz Canler, Jimmy Marinos,
Wally Palmar, Mike Skill e Peter Solley, “Talking in Your Sleep” foi gravada em
meados de 1983. A canção teve seu lançamento oficial como o primeiro single do
quarto álbum de estúdio da banda, In Heat, lançado em setembro de 1983
pela Nemperor Records, um selo da CBS. A produção da faixa e de todo o álbum
foi assinada por Peter Solley, que capturou a sonoridade enérgica e melódica
característica do grupo. Musicalmente, “Talking in Your Sleep” é um dos
exemplos mais emblemáticos da New Wave e Power Pop pulsante do
início dos anos 1980. A faixa é construída sobre um riff de guitarra
rítmico e direto, ganchos melódicos fortes e uma seção rítmica sólida. A letra
adota um tom direto e ligeiramente cínico sobre relações amorosas e a
sinceridade inesperada das confissões noturnas (“I hear the secrets that you
keep / When you're talking in your sleep”). O tom é descontraído e otimista,
com a interpretação vocal carismática de Wally Palmar. O pessoal da gravação
conta com Wally Palmar (vocais principais, guitarra base), Mike Skill (guitarra
solo, vocais de apoio), Coz Canler (guitarra solo, vocais de apoio), Rich Cole
(baixo, vocais de apoio) e Jimmy Marinos (bateria, vocais de apoio). Nas
paradas de sucesso, “Talking in Your Sleep” obteve excelente desempenho
comercial e popularidade, alcançando o 3º lugar na Billboard Hot 100 dos
Estados Unidos no início de 1984. O single também atingiu a 1ª posição no
Canadá e na parada Hot Dance Club Play da Billboard. O álbum In Heat
obteve boa tração comercial, alcançando a posição nº 14 na Billboard 200 dos
Estados Unidos e nº 4 na Austrália. Em relação a outras versões e
interpretações conhecidas, destaca-se principalmente a versão cover da
banda pop britânica Bucks Fizz, lançada em agosto de 1984, que alcançou a 15ª
posição na UK Singles Chart no Reino Unido, onde a versão original falhou em
chartear. A canção também foi incluída em diversas compilações retrospectivas
dedicadas à era New Wave e Power Pop e é frequentemente executada
em turnês tributo por músicos colaboradores e fãs de sua música.
A letra:
When you close your eyes and you go to
sleep
And it's down to the sound of a heartbeat
I can hear the things that you're dreaming about
When you open up your heart and the truth comes out
You tell me that you want me
You tell me that you need me
You tell me that you love me
And I know that I'm right
'Cause I hear it in the night
I hear the secrets that you keep
When you're talking in your sleep
I hear the secrets that you keep
When you're talking in your sleep
When I hold you in my arms at night
Don't you know you're sleeping in the spotlight
And all your dreams that you keep inside
You're telling me the secrets that you just can't hide
You tell me that you want me
You tell me that you need me
You tell me that you love me
And I know that I'm right
'Cause I hear it in the night
I hear the secrets that you keep
When you're talking in your sleep
I hear the secrets that you keep
When you're talking in your sleep
I hear the secrets that you keep
When you're talking in your sleep
I hear the secrets that you keep
When you're talking in your sleep
When you close your eyes and you fall asleep
Everything about you is a mystery
You tell me that you want me
You tell me that you need me
You tell me that you love me
And I know that I'm right
'Cause I hear it in the night
I hear the secrets that you keep
When you're talking in your sleep
I hear the secrets that you keep
When you're talking in your sleep
I hear the secrets that you keep
When you're talking in your sleep
I hear the secrets that you keep
When you're talking in your sleep
I hear the secrets that you keep
When you're talking in your sleep
I hear the secrets that you keep
Escrita por Michael Sembello e Dennis Matkosky,
“Maniac” foi gravada no final de 1982 no Bossa Nova Hotel Studios em Los
Angeles, Califórnia. A canção teve seu lançamento oficial primeiramente como o
compacto simples (single) de 7 polegadas em abril de 1983 pela Casablanca
Records, trazendo no Lado B a faixa “El Doomo”. Simultaneamente, a faixa foi
incluída na trilha sonora do filme Flashdance (Flashdance: Original Soundtrack
from the Motion Picture), lançada em 11 de abril de 1983. Posteriormente, a
canção abriu o álbum solo de Michael Sembello, Bossa Nova Hotel, lançado em
maio de 1983 pela Warner Bros. Records. A produção da faixa e do álbum foi
assinada por Phil Ramone. Musicalmente, “Maniac” é um dos exemplos mais
emblemáticos do Synth-Pop e Dance-Rock de alta energia do início dos anos 1980.
A faixa é construída sobre uma linha de baixo sintetizada acelerada, arpejos de
sintetizador marcantes, ritmos de bateria eletrônica mecânicos e um solo de
guitarra agressivo executado pelo próprio Sembello. A letra retrata a dedicação
obsessiva e quase frenética de uma dançarina em busca do seu sonho (“She's a
maniac, maniac on the floor / And she's dancing like she's never danced
before”). O personnel da gravação conta com Michael Sembello (vocais
principais, guitarra), Dennis Matkosky (teclados, sintetizadores), Carlos Vega
(bateria), Nathan East (baixo) e Phil Ramone (produção). Nas paradas de
sucesso, “Maniac” tornou-se um fenômeno global. Alcançou o 1º lugar na
Billboard Hot 100 nos Estados Unidos em 10 de setembro de 1983, onde permaneceu
por duas semanas consecutivas. No Reino Unido, o single atingiu a 43ª posição
na UK Singles Chart. A trilha sonora de Flashdance alcançou o 1º lugar na
Billboard 200 americana e vendeu milhões de cópias mundialmente, enquanto o
álbum Bossa Nova Hotel chegou à 32ª posição nos EUA. Em relação a outras
versões e interpretações conhecidas, a música originalmente tinha uma letra
totalmente diferente sobre um assassino em série (inspirada no filme de terror
Maniac, de 1980), mas teve seu texto completamente reformulado a pedido do produtor
Phil Ramone para se encaixar no enredo de Flashdance. A canção chegou a ser
indicada ao Oscar de Melhor Canção Original em 1984, mas a indicação foi
cancelada porque a música não havia sido composta exclusivamente para o filme.
Ao longo das décadas, "Maniac" ganhou diversas regravações, desde
bandas de heavy metal como Avantasia e Carpenter Brut até nomes do pop, além de
marcar presença constante em comerciais, jogos eletrônicos e filmes.
A letra:
Just a steel town girl on a Saturday
night
Lookin' for the fight of her life
In the real time world no one sees her at all
They all say she's crazy
Locking rhythms to the beat of her heart
Changing movement into light
She has danced into the danger zone
When the dancer becomes the dance
It can cut you like a knife
If the gift becomes the fire
On a wire between will and what will be
She's a maniac, maniac on the floor
And she's dancing like she's never danced before
She's a maniac, maniac on the floor
And she's dancing like she's never danced before
On the ice-blue line of insanity
Is a place most never see
It's a hard-won place of mystery
Touch it, but can't hold it
You work all your life for that moment in time
It could come or pass you by
It's a push-shove world, but there's always a chance
If the hunger stays the night
There's a cold kinetic heat
Struggling, stretching for the beat
Never stopping with her hair against the wind
She's a maniac, maniac, at your door
And she's dancing like she's never danced before
She's a maniac, maniac, at your door
And she's dancing like she's never danced before
It can cut you like a knife
If the gift becomes the fire
On a wire between will and what will be
She's a maniac, maniac, at your door (at your door)
And she's dancing like she's never danced before
She's a maniac, maniac, at your door
And she's dancing like she's never danced before
Maniac, maniac, at your door
And she's dancing like she's never danced before
Escrita pelo aclamado compositor britânico Paul
Kennerley, “Brand New Dance” foi gravada em fevereiro de 1983 nas sessões de
estúdio do Cash Cabin Studio em Hendersonville, Tennessee. A canção teve
seu lançamento oficial primeiramente como a faixa nº 8 do álbum de estúdio Johnny
Cash is Coming to Town, lançado mundialmente em 13 de abril de 1987 pela
Mercury Records. Embora gravada durante o conturbado período de transição da
carreira de Cash na Columbia Records no início dos anos 1980, a faixa
permaneceu arquivada até que o projeto Brand New Dance foi retrabalhado.
Posteriormente, a canção foi lançada como a faixa-título e segundo single
oficial do álbum Brand New Dance, lançado internacionalmente em 15 de
outubro de 1990.
Musicalmente, “Brand New Dance” é uma emotiva e
compassada balada Country-Folk que resgata a química vocal atemporal
entre Johnny Cash e sua esposa, June Carter Cash. A faixa combina arranjos
acústicos tradicionais com harmonias vocais entrelaçadas, impulsionadas pelo
violão ritmado de Cash e toques delicados de bandolim e auto-harpa. A letra
adota um tom poético e romântico para abordar a renovação do amor, o
companheirismo e a superação dos percalços da vida através de uma dança
compartilhada (“It’s a brand new dance, but an old romance”). O personnel da
gravação conta com Johnny Cash (vocais principais e violão), June Carter Cash
(vocais de apoio), Marty Stuart (guitarra e bandolim), Bob Wootton (guitarra
solo), Earl Poole Ball (piano), W.S. Holland (bateria) e Roy Huskey Jr. (baixo
acústico).
Nas paradas de sucesso, quando lançada oficialmente
como single pela Mercury Records no final de 1990, a canção teve uma recepção
discreta nas rádios comerciais, não alcançando o Top 40 do gráfico Hot Country
Songs da Billboard nos Estados Unidos, refletindo a fase em que o
country tradicional enfrentava menor espaço na programação mainstream antes da
revolução do American Recordings. Contudo, o álbum Brand New Dance
(1990) manteve uma recepção crítica calorosa e acolhedora por parte dos fãs da
música de raiz americana.
Em
relação a outras versões e interpretações conhecidas, a música manteve-se no
repertório de apresentações ao vivo do casal Cash durante o final dos anos 1980
e ao longo da década de 1990. A faixa foi republicada em coleções
retrospectivas do catálogo da Mercury Records e em compilações focadas nos
duetos lendários de Johnny Cash e June Carter, como Duets (1999) e a
caixa especial The Legend (2005).
A letra:
Baby
you're tired I can see in your eyes I know how you feel
We've been together too long to conceal
What's in our hearts maybe we should part but after so many years
That would only bring loneliness sorrow and tears and anyway
I never could never would never will ever kill what's between us
So let's try again we'll start a brand new dance between ol' friends
There will always be days when it don't seem to pay when it just doesn't rhyme
Well it's bound to happen some of the time
Our best days ain't gone we don't need to move on well maybe we could try
But I don't think you ould make it and neither could I and anyway
I never could...
Baby come here love ain't disappeared you're just feelin' low
And let me tell you my darlin' it's a feelin' I know
It don't mean too much we just got out of touch well that's easy to change
Cause lovin' you ain't too hard to arrange and anyway
I never could never would never will ever kill what's between us...
