2402 – John Lennon – I’m stepping out (1984)

 

Escrita inteiramente por John Lennon, a canção foi gravada durante as sessões de estúdio para o álbum Double Fantasy em agosto de 1980 no The Hit Factory na cidade de Nova York. No entanto, ela permaneceu arquivada e não foi incluída no álbum lançado em vida por Lennon. A faixa teve seu lançamento oficial apenas em 1984, como o terceiro single do álbum póstumo de John Lennon e Yoko Ono, Milk and Honey. O álbum foi lançado mundialmente em janeiro de 1984 pela Polydor Records, com a produção póstuma assinada por Yoko Ono.

Musicalmente, “I'm Stepping Out” é um exemplo cativante do Rock e Pop-Rock enérgico e descontraído que caracterizou o retorno de Lennon à música em 1980. A faixa é construída sobre um riff de guitarra ritmico e direto, ganchos melódicos fortes e uma seção rítmica sólida. A letra adota uma linguagem sincera e bem-humorada sobre a entusiasmo de Lennon em retomar a vida noturna de Nova York após seu período de cinco anos como "dono de casa" dedicado à criação de seu filho, Sean (“I'm stepping out / Gotta gotta gotta gotta get out / I'm stepping out, babe”). O tom é otimista e libertador, com a interpretação vocal carismática de Lennon, incluindo uma introdução falada onde ele brinca sobre estar cansado de ver Sesame Street (Vila Sésamo). O pessoal da gravação conta com John Lennon (vocais principais, guitarra base), Earl Slick e Hugh McCracken (guitarra solo), Tony Levin (baixo), George Small (teclados) e Andy Newmark (bateria).

Nas paradas de sucesso, lançada como single em março de 1984 nos EUA (e em julho no Reino Unido), “I'm Stepping Out” obteve um desempenho moderado. Nos Estados Unidos, alcançou a 55ª posição na Billboard Hot 100. No Reino Unido, o single atingiu a 88ª posição na UK Singles Chart. O álbum Milk and Honey obteve melhor tração comercial, alcançando a posição nº 11 na Billboard 200 dos Estados Unidos e nº 3 na UK Albums Chart no Reino Unido, consolidando o interesse do público pelo material final de Lennon.

Em relação a outras versões e interpretações conhecidas, a música manteve-se no repertório de apresentações ao vivo de bandas tributo e foi incluída em diversas compilações retrospectivas dedicadas à carreira solo de John Lennon, como The John Lennon Collection (em reedições posteriores) e Lennon Legend: The Very Best of John Lennon (1997). Por se tratar de uma das últimas canções finalizadas por Lennon, ela é valorizada pelos fãs como um vislumbre de seu estado de espírito otimista pouco antes de sua morte.

A letra:

A-one, two, a-one two, three, four!
This here's the story about a house husband
Who, you know, just has to get out of the house
He's been looking at, you know
The kids for days and days, he's been washing the dishes
And screwing around and watching Sesame Street
'Til he's going crazy

Woke up this morning, blues around my head
No need to ask the reason why
We went to the kitchen and lit a cigarette
Blew my worries to the sky

I'm stepping out
I'm stepping out
I'm stepping out
I'm stepping out

If it don't feel right
You don't have to do it
Just leave a message on the phone
And tell them to screw it, after all is said and done
You can't go pleasing everyone
So screw it

Ooh, I'm stepping out
I'm stepping out
I'm stepping out, baby
I'm stepping out

Baby's sleeping
The cats have all been blessed
Ain't nothing doing on TV
Summer repeats
Put on my space suit, I got to look my best
I'm going out to do the city

I'm stepping out
I'm stepping out
I'm stepping out, babe
I'm stepping out
Boogie

One more
I'm stepping out (Hold it down)
I'm stepping out
I'm stepping out
Gotta, gotta, gotta, gotta get out
I'm stepping out, babe

Just a while
Ain't been out for days
Gotta do it tonight
Gimme a break, gimme a break
Gotta get out, gotta get out, just for a while
Just for the night
I'll be in before one or two or three, goodbye

A versão de John Lennon:

2401 – Bruce Springsteen – Born in the U.S.A. (1984)

 

Escrita inteiramente por Bruce Springsteen e gravada em várias sessões entre 1982 e 1984 no The Power Station e The Hit Factory na cidade de Nova York. A canção teve seu lançamento oficial como a faixa-título e segundo single do álbum de estúdio homônimo, Born in the U.S.A., lançado mundialmente em 4 de junho de 1984 pela Columbia Records. A produção da faixa e de todo o álbum foi assinada por Jon Landau, Chuck Plotkin, Bruce Springsteen e Steve Van Zandt. Musicalmente, “Born in the U.S.A.” é um dos exemplos mais emblemáticos do Heartland Rock e Arena Rock pulsante do início dos anos 1980. A faixa é construída sobre um riff de teclado potente e direto (executado por Roy Bittan), ganchos melódicos cativantes e uma seção rítmica sólida e agressiva. A letra, muitas vezes mal interpretada como uma canção patriótica jingoísta, adota uma linguagem sincera e amarga sobre os veteranos da Guerra do Vietnã e a falta de oportunidades para a classe trabalhadora americana no pós-guerra (“Got in a little hometown jam / So they put a rifle in my hand / Sent me off to a foreign land / To go and kill the yellow man”). O tom é descontraído e otimista, com a interpretação vocal carismática e rouca de Springsteen. O pessoal da gravação conta com Bruce Springsteen (vocais principais, guitarra), Roy Bittan (sintetizadores, piano), Danny Federici (órgão), Garry Tallent (baixo), Max Weinberg (bateria), Steven Van Zandt (guitarra base, vocais de apoio) e Clarence Clemons (saxofone, percussão, vocais de apoio) — a formação clássica da E Street Band. Nas paradas de sucesso, “Born in the U.S.A.” obteve excelente desempenho comercial e popularidade, alcançando o 9º lugar na Billboard Hot 100 dos Estados Unidos em janeiro de 1985. No Reino Unido, o single alcançou o 5º lugar na UK Singles Chart. O álbum Born in the U.S.A. obteve um impacto massivo, gerando sete singles no Top 10 nos EUA, alcançando a posição nº 1 na Billboard 200 dos Estados Unidos e nº 1 na UK Albums Chart no Reino Unido, consolidando Springsteen como um superastro global e moldando o pop-rock do período. 

A letra:

Born down in a dead man's town
The first kick I took was when I hit the ground
You end up like a dog that's been beat too much
'Til you spend half your life just coverin' up

Born in the U.S.A
I was born in the U.S.A
I was born in the U.S.A
Born in the U.S.A

Got in a little hometown jam
So they put a rifle in my hand
Sent me off to a foreign land
To go and kill the yellow man

Born in the U.S.A
I was born in the U.S.A
I was born in the U.S.A
I was born in the U.S.A

Come back home to the refinery
Hiring man says, "Son if it was up to me"
Went down to see my V.A. man
He said, "Son, don't you understand"

I had a brother at Khe Sanh
Fighting off the Viet Cong
They're still there, he's all gone
He had a woman he loved in Saigon
I got a picture of him in her arms now

Down in the shadow of the penitentiary
Out by the gas fires of the refinery
I'm ten years burning down the road
Nowhere to run ain't got nowhere to go

Born in the U.S.A
I was born in the U.S.A. now
Born in the U.S.A
I'm a long gone Daddy in the U.S.A. now
Born in the U.S.A
Born in the U.S.A
Born in the U.S.A
I'm a cool rockin' Daddy in the U.S.A. now

A versão de Bruce Springsteen:

A versão de John Mellencamp:

A versão de Paul Scott:

2400 – Elton John – I'm Still Standing (1983)

Escrita coletivamente por Elton John (música) e Bernie Taupin (letra), “I'm Still Standing” foi gravada entre setembro e dezembro de 1982 no Air Studios em Montserrat e no Caribou Ranch no Colorado. A canção teve seu lançamento oficial como o primeiro single (nos EUA) e segundo single (no Reino Unido) do décimo sétimo álbum de estúdio de Elton John, Too Low for Zero, lançado mundialmente em maio de 1983 pela The Rocket Record Company (UK) e Geffen Records (US). A produção da faixa e de todo o álbum foi assinada por Chris Thomas, que capturou a sonoridade polida e eclética do artista. Musicalmente, “I'm Still Standing” é um dos exemplos mais emblemáticos da Pop-Rock e Synth-Pop pulsante e sofisticada do início dos anos 1980. A faixa é construída sobre um riff de piano rítmico e direto, ganchos melódicos cativantes e uma seção rítmica sólida. A letra adota uma linguagem sincera e ligeiramente cínica sobre relações amorosas e a sinceridade inesperada das confissões noturnas (“Don't you know I'm still standing better than I ever did / Looking like a true survivor, feeling like a little kid”). O tom é descontraído e otimista, com a interpretação vocal carismática de Elton John. O personnel da gravação conta com Elton John (vocais principais, piano, sintetizadores), Davey Johnstone (guitarra elétrica, vocais de apoio), Dee Murray (baixo, vocais de apoio) e Nigel Olsson (bateria, vocais de apoio). Nas paradas de sucesso, “I'm Still Standing” obteve excelente desempenho comercial e popularidade, alcançando o 12º lugar na Billboard Hot 100 dos Estados Unidos no início de 1984. No Reino Unido, o single alcançou o 4º lugar na UK Singles Chart. O álbum Too Low for Zero obteve boa tração comercial, alcançando a posição nº 25 na Billboard 200 dos Estados Unidos e nº 7 na UK Albums Chart no Reino Unido, consolidando o pop-rock e dance-pop do período. 

A letra:

You could never know what it's like
Your blood like winter freezes just like ice
And there's a cold lonely light that shines from you
You'll wind up like the wreck you hide behind that mask you use

And did you think this fool could never win?
Well, look at me, I'm coming back again
I got a taste of love in a simple way
And if you need to know while I'm still standing, you just fade away

Don't you know I'm still standing better than I ever did
Looking like a true survivor, feeling like a little kid
I'm still standing after all this time
Picking up the pieces of my life without you on my mind

I'm still standing (yeah, yeah, yeah)
I'm still standing (yeah, yeah, yeah)

Once I never could have hoped to win
You're starting down the road leaving me again
The threats you made were meant to cut me down
And if our love was just a circus, you'd be a clown by now

You know I'm still standing better than I ever did
Looking like a true survivor, feeling like a little kid
I'm still standing after all this time
Picking up the pieces of my life without you on my mind

I'm still standing (yeah, yeah, yeah)
I'm still standing (yeah, yeah, yeah)

Don't you know that I'm still standing better than I ever did?
Looking like a true survivor, feeling like a little kid
I'm still standing after all this time
Picking up the pieces of my life without you on my mind

I'm still standing (yeah, yeah, yeah)
I'm still standing (yeah, yeah, yeah)
I'm still standing (yeah, yeah, yeah)
I'm still standing (yeah, yeah, yeah)
I'm still standing (yeah, yeah, yeah)
I'm still standing (yeah, yeah, yeah)

A versão de Elton John:

A versão de Frist to Eleven:

A versão de Joni Mitchell:

2399 – David Bowie – Let’s Dance (1983)

 

Escrita inteiramente por David Bowie, “Let’s Dance” foi gravada em dezembro de 1982 no Power Station Studios na cidade de Nova York. A canção teve seu lançamento oficial como o primeiro single e faixa-título do décimo quinto álbum de estúdio de Bowie, Let’s Dance, lançado mundialmente em março de 1983 pela EMI America Records. A produção da faixa e de todo o álbum foi assinada por David Bowie e Nile Rodgers, que capturaram a sonoridade polida e eclética do artista. Musicalmente, “Let’s Dance” é um dos exemplos mais emblemáticos da Pop-Dance e Funk-Rock pulsante e sofisticada do início dos anos 1980. A faixa é construída sobre um riff de guitarra rítmico e direto, ganchos melódicos cativantes e uma seção rítmica sólida. A letra adota uma linguagem sincera e ligeiramente cínica sobre relações amorosas e a sinceridade inesperada das confissões noturnas (“Let’s dance / Put on your red shoes and dance the blues”). O tom é descontraído e otimista, com a interpretação vocal carismática de Bowie. O personnel da gravação conta com David Bowie (vocais principais), Stevie Ray Vaughan (guitarra solo), Nile Rodgers (guitarra base), Bernard Edwards (baixo), Omar Hakim (bateria, percussão), Robert Sabino (teclados) e Stan Harrison (saxofone). Nas paradas de sucesso, “Let’s Dance” obteve excelente desempenho comercial e popularidade, alcançando o 1º lugar na Billboard Hot 100 dos Estados Unidos por três semanas em maio de 1983. No Reino Unido, o single alcançou o 1º lugar na UK Singles Chart. O álbum Let’s Dance obteve boa tração comercial, alcançando a posição nº 4 na Billboard 200 dos Estados Unidos e nº 1 na UK Albums Chart no Reino Unido, consolidando o pop-rock e dance-pop do período. Em relação a outras versões e interpretações conhecidas, destaca-se principalmente a versão ao vivo gravada em Montreal e incluída no single, bem como as execuções cativantes durante a turnê Serious Moonlight que promoveu o álbum, e um registro ao vivo dessa época está disponível no álbum e filme Serious Moonlight (1984). Por se tratar de um tema cult do catálogo de Bowie, a canção também foi incluída em diversas compilações retrospectivas da banda dedicadas à era dance-pop e é frequentemente executada em turnês tributo por músicos colaboradores e fãs de sua música.

A letra:

Ah, ah, ah, ah

(Let's dance)
(Let's dance)

(Let's dance) put on your red shoes and dance the blues
(Let's dance) to the song they're playing on the radio
(Let's sway) while colour lights up your face
(Let's sway) sway through the crowd to an empty space

If you say run, I'll run with you
And if you say hide, we'll hide
Because my love for you would break my heart in two
If you should fall, into my arms and tremble like a flower

(Let's dance)
(Let's dance)

(Let's dance) for fear your grace should fall
(Let's dance) for fear tonight is all
(Let's sway) you could look into my eyes
(Let's sway) under the moonlight, this serious moonlight

And if you say run, I'll run with you
And if you say hide, we'll hide
Because my love for you would break my heart in two
If you should fall, into my arms and tremble like a flower

(Let's dance)
(Let's dance)

(Let's dance) put on your red shoes and dance the blues
(Let's dance) to the song we're playing
(Let's sway)
(Let's sway) under the moonlight, this serious moonlight

(Let's dance)
(Let's)
(Let's)
(Let's)
(Let's sway)
(Let's)
Let's dance, let's dance, let's dance, let's dance, let's dance
(Let's dance)
Let's sway
Let's sway
Let's dance, let's dance, let's dance, let's dance, let's dance
(Let's dance)
(Let's dance)
(Let's dance)
(Let's dance)

A versão de David Bowie:

A versão de Martin Miller Session Band:

A versão do HSCC:

2398 – The Romantics – Talking in Your Sleep (1983)

Escrita coletivamente por Coz Canler, Jimmy Marinos, Wally Palmar, Mike Skill e Peter Solley, “Talking in Your Sleep” foi gravada em meados de 1983. A canção teve seu lançamento oficial como o primeiro single do quarto álbum de estúdio da banda, In Heat, lançado em setembro de 1983 pela Nemperor Records, um selo da CBS. A produção da faixa e de todo o álbum foi assinada por Peter Solley, que capturou a sonoridade enérgica e melódica característica do grupo. Musicalmente, “Talking in Your Sleep” é um dos exemplos mais emblemáticos da New Wave e Power Pop pulsante do início dos anos 1980. A faixa é construída sobre um riff de guitarra rítmico e direto, ganchos melódicos fortes e uma seção rítmica sólida. A letra adota um tom direto e ligeiramente cínico sobre relações amorosas e a sinceridade inesperada das confissões noturnas (“I hear the secrets that you keep / When you're talking in your sleep”). O tom é descontraído e otimista, com a interpretação vocal carismática de Wally Palmar. O pessoal da gravação conta com Wally Palmar (vocais principais, guitarra base), Mike Skill (guitarra solo, vocais de apoio), Coz Canler (guitarra solo, vocais de apoio), Rich Cole (baixo, vocais de apoio) e Jimmy Marinos (bateria, vocais de apoio). Nas paradas de sucesso, “Talking in Your Sleep” obteve excelente desempenho comercial e popularidade, alcançando o 3º lugar na Billboard Hot 100 dos Estados Unidos no início de 1984. O single também atingiu a 1ª posição no Canadá e na parada Hot Dance Club Play da Billboard. O álbum In Heat obteve boa tração comercial, alcançando a posição nº 14 na Billboard 200 dos Estados Unidos e nº 4 na Austrália. Em relação a outras versões e interpretações conhecidas, destaca-se principalmente a versão cover da banda pop britânica Bucks Fizz, lançada em agosto de 1984, que alcançou a 15ª posição na UK Singles Chart no Reino Unido, onde a versão original falhou em chartear. A canção também foi incluída em diversas compilações retrospectivas dedicadas à era New Wave e Power Pop e é frequentemente executada em turnês tributo por músicos colaboradores e fãs de sua música.

A letra:

When you close your eyes and you go to sleep
And it's down to the sound of a heartbeat
I can hear the things that you're dreaming about
When you open up your heart and the truth comes out

You tell me that you want me
You tell me that you need me
You tell me that you love me
And I know that I'm right
'Cause I hear it in the night

I hear the secrets that you keep
When you're talking in your sleep
I hear the secrets that you keep
When you're talking in your sleep

When I hold you in my arms at night
Don't you know you're sleeping in the spotlight
And all your dreams that you keep inside
You're telling me the secrets that you just can't hide

You tell me that you want me
You tell me that you need me
You tell me that you love me
And I know that I'm right
'Cause I hear it in the night

I hear the secrets that you keep
When you're talking in your sleep
I hear the secrets that you keep
When you're talking in your sleep
I hear the secrets that you keep
When you're talking in your sleep
I hear the secrets that you keep
When you're talking in your sleep

When you close your eyes and you fall asleep
Everything about you is a mystery

You tell me that you want me
You tell me that you need me
You tell me that you love me
And I know that I'm right
'Cause I hear it in the night

I hear the secrets that you keep
When you're talking in your sleep
I hear the secrets that you keep
When you're talking in your sleep
I hear the secrets that you keep
When you're talking in your sleep
I hear the secrets that you keep
When you're talking in your sleep
I hear the secrets that you keep
When you're talking in your sleep
I hear the secrets that you keep

A versão dos Romantics:

A versão de Old Station Band:

A versão dos Conniption Fits:

2397 – Michael Sembello – Maniac (1983)

 

Escrita por Michael Sembello e Dennis Matkosky, “Maniac” foi gravada no final de 1982 no Bossa Nova Hotel Studios em Los Angeles, Califórnia. A canção teve seu lançamento oficial primeiramente como o compacto simples (single) de 7 polegadas em abril de 1983 pela Casablanca Records, trazendo no Lado B a faixa “El Doomo”. Simultaneamente, a faixa foi incluída na trilha sonora do filme Flashdance (Flashdance: Original Soundtrack from the Motion Picture), lançada em 11 de abril de 1983. Posteriormente, a canção abriu o álbum solo de Michael Sembello, Bossa Nova Hotel, lançado em maio de 1983 pela Warner Bros. Records. A produção da faixa e do álbum foi assinada por Phil Ramone. Musicalmente, “Maniac” é um dos exemplos mais emblemáticos do Synth-Pop e Dance-Rock de alta energia do início dos anos 1980. A faixa é construída sobre uma linha de baixo sintetizada acelerada, arpejos de sintetizador marcantes, ritmos de bateria eletrônica mecânicos e um solo de guitarra agressivo executado pelo próprio Sembello. A letra retrata a dedicação obsessiva e quase frenética de uma dançarina em busca do seu sonho (“She's a maniac, maniac on the floor / And she's dancing like she's never danced before”). O personnel da gravação conta com Michael Sembello (vocais principais, guitarra), Dennis Matkosky (teclados, sintetizadores), Carlos Vega (bateria), Nathan East (baixo) e Phil Ramone (produção). Nas paradas de sucesso, “Maniac” tornou-se um fenômeno global. Alcançou o 1º lugar na Billboard Hot 100 nos Estados Unidos em 10 de setembro de 1983, onde permaneceu por duas semanas consecutivas. No Reino Unido, o single atingiu a 43ª posição na UK Singles Chart. A trilha sonora de Flashdance alcançou o 1º lugar na Billboard 200 americana e vendeu milhões de cópias mundialmente, enquanto o álbum Bossa Nova Hotel chegou à 32ª posição nos EUA. Em relação a outras versões e interpretações conhecidas, a música originalmente tinha uma letra totalmente diferente sobre um assassino em série (inspirada no filme de terror Maniac, de 1980), mas teve seu texto completamente reformulado a pedido do produtor Phil Ramone para se encaixar no enredo de Flashdance. A canção chegou a ser indicada ao Oscar de Melhor Canção Original em 1984, mas a indicação foi cancelada porque a música não havia sido composta exclusivamente para o filme. Ao longo das décadas, "Maniac" ganhou diversas regravações, desde bandas de heavy metal como Avantasia e Carpenter Brut até nomes do pop, além de marcar presença constante em comerciais, jogos eletrônicos e filmes.

A letra:

Just a steel town girl on a Saturday night
Lookin' for the fight of her life
In the real time world no one sees her at all
They all say she's crazy

Locking rhythms to the beat of her heart
Changing movement into light
She has danced into the danger zone
When the dancer becomes the dance

It can cut you like a knife
If the gift becomes the fire
On a wire between will and what will be

She's a maniac, maniac on the floor
And she's dancing like she's never danced before
She's a maniac, maniac on the floor
And she's dancing like she's never danced before

On the ice-blue line of insanity
Is a place most never see
It's a hard-won place of mystery
Touch it, but can't hold it

You work all your life for that moment in time
It could come or pass you by
It's a push-shove world, but there's always a chance
If the hunger stays the night

There's a cold kinetic heat
Struggling, stretching for the beat
Never stopping with her hair against the wind

She's a maniac, maniac, at your door
And she's dancing like she's never danced before
She's a maniac, maniac, at your door
And she's dancing like she's never danced before

It can cut you like a knife
If the gift becomes the fire
On a wire between will and what will be

She's a maniac, maniac, at your door (at your door)
And she's dancing like she's never danced before
She's a maniac, maniac, at your door
And she's dancing like she's never danced before
Maniac, maniac, at your door
And she's dancing like she's never danced before

A versão de Michael Sembello:

A versão de HSCC:

A versão de Pomplamoose:

2396 – Johnny Cash & June Carter Cash – Brand New Dance (1983)

 

Escrita pelo aclamado compositor britânico Paul Kennerley, “Brand New Dance” foi gravada em fevereiro de 1983 nas sessões de estúdio do Cash Cabin Studio em Hendersonville, Tennessee. A canção teve seu lançamento oficial primeiramente como a faixa nº 8 do álbum de estúdio Johnny Cash is Coming to Town, lançado mundialmente em 13 de abril de 1987 pela Mercury Records. Embora gravada durante o conturbado período de transição da carreira de Cash na Columbia Records no início dos anos 1980, a faixa permaneceu arquivada até que o projeto Brand New Dance foi retrabalhado. Posteriormente, a canção foi lançada como a faixa-título e segundo single oficial do álbum Brand New Dance, lançado internacionalmente em 15 de outubro de 1990.

Musicalmente, “Brand New Dance” é uma emotiva e compassada balada Country-Folk que resgata a química vocal atemporal entre Johnny Cash e sua esposa, June Carter Cash. A faixa combina arranjos acústicos tradicionais com harmonias vocais entrelaçadas, impulsionadas pelo violão ritmado de Cash e toques delicados de bandolim e auto-harpa. A letra adota um tom poético e romântico para abordar a renovação do amor, o companheirismo e a superação dos percalços da vida através de uma dança compartilhada (“It’s a brand new dance, but an old romance”). O personnel da gravação conta com Johnny Cash (vocais principais e violão), June Carter Cash (vocais de apoio), Marty Stuart (guitarra e bandolim), Bob Wootton (guitarra solo), Earl Poole Ball (piano), W.S. Holland (bateria) e Roy Huskey Jr. (baixo acústico).

Nas paradas de sucesso, quando lançada oficialmente como single pela Mercury Records no final de 1990, a canção teve uma recepção discreta nas rádios comerciais, não alcançando o Top 40 do gráfico Hot Country Songs da Billboard nos Estados Unidos, refletindo a fase em que o country tradicional enfrentava menor espaço na programação mainstream antes da revolução do American Recordings. Contudo, o álbum Brand New Dance (1990) manteve uma recepção crítica calorosa e acolhedora por parte dos fãs da música de raiz americana.

Em relação a outras versões e interpretações conhecidas, a música manteve-se no repertório de apresentações ao vivo do casal Cash durante o final dos anos 1980 e ao longo da década de 1990. A faixa foi republicada em coleções retrospectivas do catálogo da Mercury Records e em compilações focadas nos duetos lendários de Johnny Cash e June Carter, como Duets (1999) e a caixa especial The Legend (2005).

 

A letra:

 

Baby you're tired I can see in your eyes I know how you feel
We've been together too long to conceal
What's in our hearts maybe we should part but after so many years
That would only bring loneliness sorrow and tears and anyway

I never could never would never will ever kill what's between us
So let's try again we'll start a brand new dance between ol' friends

There will always be days when it don't seem to pay when it just doesn't rhyme
Well it's bound to happen some of the time
Our best days ain't gone we don't need to move on well maybe we could try
But I don't think you ould make it and neither could I and anyway
I never could...

Baby come here love ain't disappeared you're just feelin' low
And let me tell you my darlin' it's a feelin' I know
It don't mean too much we just got out of touch well that's easy to change
Cause lovin' you ain't too hard to arrange and anyway

I never could never would never will ever kill what's between us...

 

A versão de Johnny Cash e June Carter:

 

2395 – Culture Club – Do You Really Want to Hurt Me (1983)

 

Embora lançada originalmente no Reino Unido em setembro de 1982, "Do You Really Want to Hurt Me" teve seu impacto global massivo e permanência nas paradas de sucesso consolidada ao longo de 1983. A canção foi escrita inteiramente por Boy George, Roy Hay, Mikey Craig e Jon Moss, e gravada no início de 1982 nos Red Bus Studios em Londres. Ela foi lançada como o terceiro single do álbum de estúdio de estreia da banda, Kissing to Be Clever, lançado mundialmente em 8 de outubro de 1982 pela Virgin Records (Reino Unido) e Epic Records (EUA/Canadá). A produção foi assinada por Steve Levine, que capturou a sonoridade polida e eclética do grupo. Musicalmente, "Do You Really Want to Hurt Me" é um exemplo seminal da New Wave com forte infusão de Reggae e Lovers Rock, misturando melancolia com um ritmo dançante e suave. A faixa é construída sobre uma linha de baixo de Mikey Craig influenciada pelo reggae, guitarras rítmicas de Roy Hay e teclados sutis. A voz andrógina e emotiva de Boy George é o ponto focal, entregando uma performance vulnerável sobre desilusão amorosa e a dor do amor não correspondido (“Do you really want to hurt me / Do you really want to make me cry”). O pessoal da gravação conta com Boy George (vocais principais), Roy Hay (guitarra, teclados), Mikey Craig (baixo), Jon Moss (bateria, percussão), além de Helen Terry nos vocais de apoio e saxofone. Nas paradas de sucesso, a canção obteve um desempenho espetacular mundialmente, alcançando o 1º lugar na UK Singles Chart no Reino Unido por três semanas em outubro de 1982. Nos Estados Unidos, o single foi lançado em novembro de 1982 e atingiu a posição nº 2 na Billboard Hot 100 em março de 1983, permanecendo no topo das paradas comerciais durante grande parte do ano. O álbum Kissing to Be Clever alcançou a posição nº 5 na Billboard 200 dos Estados Unidos e nº 5 na UK Albums Chart no Reino Unido, consolidando o Culture Club como uma das bandas mais populares do período. Em relação a outras versões e interpretações conhecidas, a canção foi executada com frequência durante as turnês "Kiss Across the Ocean" e "Colour by Numbers" que promoveram os primeiros álbuns da banda, e registros ao vivo dessa época estão disponíveis no álbum e filme A Kiss Across the Ocean (1984). "Do You Really Want to Hurt Me" foi incluída em diversas compilações retrospectivas dedicadas à era New Wave e pop-reggae e é valorizada pelos fãs como um dos grandes clássicos melódicos do catálogo do Culture Club.

A letra:

Give me time to realize my crime
Let me love and steal
I have danced inside your eyes
How can I be real?

Do you really want to hurt me?
Do you really want to make me cry?
Precious kisses, words that burn me
Lovers never ask you why

In my heart the fire is burning
Choose my color, find a star
Precious people always tell me
That's a step, a step too far

Do you really want to hurt me?
Do you really want to make me cry?
Do you really want to hurt me?
Do you really want to make me cry?

Words are few I have spoken
I could waste a thousand years
Wrapped in sorrow, words are token
Come inside and catch my tears
You've been talking but believe me
If it's true you do not know
This boy loves without a reason
I'm prepared to let you go

If it's love you want from me
Then take it away
Everything's not what you see
It's over again

Do you really want to hurt me?
Do you really want to make me cry?
Do you really want to hurt me?
Do you really want to make me cry?

Do you really want to hurt me?
Do you really want to make me cry?
Do you really want to hurt me?
Do you really want to make me cry?
Do you really want to hurt me?
Do you really want to make me cry?

A versão do Culture Club:

A versão de Scott Matthew:

A versão de Mathilde Leah:

2394 – The Kinks – Heart of Gold (1983)

Escrita inteiramente por Ray Davies e gravada no início de 1983 nos Konk Studios em Londres, “Heart of Gold” foi lançada primeiramente como a faixa nº 11 (a segunda música do Lado B do vinil) do álbum de estúdio State of Confusion, lançado em 10 de junho de 1983 pela Arista Records. Este foi o vigésimo álbum de estúdio da prolífica carreira da banda britânica. A produção da faixa e do álbum ficou a cargo do próprio Ray Davies, refletindo o controle criativo que ele mantinha sobre o material da banda na época. Musicalmente, a canção é um exemplo cativante do Power Pop e Hard Rock melódico com acento New Wave que caracterizou a fase do The Kinks no início dos anos 1980. É construída sobre um riff de guitarra rítmico e direto, ganchos melódicos fortes e uma seção rítmica sólida. A letra adota uma linguagem sincera e ligeiramente irônica sobre relacionamentos e a busca por autenticidade emocional em um mundo cínico (“You've got a heart of gold, it's just a little bit old”). O tom é descontraído e otimista, com a interpretação vocal carismática de Ray Davies. O personnel da gravação conta com Ray Davies (vocais principais, guitarra), Dave Davies (guitarra solo, vocais de apoio), Mick Avory (bateria), Jim Rodford (baixo, vocais de apoio) e Ian Gibbons (teclados). Nas paradas de sucesso, “Heart of Gold” não foi lançada como um single comercial principal e, portanto, não frequentou as paradas de compactos individuais pop. No entanto, o álbum State of Confusion obteve boa tração comercial, impulsionado pelo hit "Come Dancing", alcançando a posição nº 12 na Billboard 200 nos Estados Unidos e a posição nº 10 na UK Albums Chart no Reino Unido, além de atingir o Top 20 na Alemanha e na Suécia. Em relação a outras versões e interpretações conhecidas, a canção “Heart of Gold” foi executada com frequência durante a turnê de 1983-1984 que promoveu o álbum. Embora não tenha permanecido como uma peça constante no repertório de apresentações ao vivo nas décadas subsequentes, ela foi incluída em compilações retrospectivas dedicadas à fase da Arista Records e é valorizada pelos fãs como um destaque melódico do disco.

A letra:

Growing up isn't easy to do
Especially for one who always knew
You would always come up second best
Is that why you have such bitterness?
The apple of your father's eye
And always by your brother's side
Then a little sister came along
And you found all the affection suddenly gone

But underneath the cold exterior
I know you've got a heart of gold
So aloof, so superior
But you've got a heart of gold

Watch out! Don't get caught in the crossfire
Watch out! She's still growing up
She's in a rage, I guess she's reached that difficult age

Growing up is very hard to do
Everybody watching your every move
Your private life always on view
But jealousy never really suited you

But I know that underneath the crude exterior
There's gotta be a heart of gold
Underneath that hard exterior
Is a little girl waiting to be told

You've got a heart of gold
She's got a heart of gold

I couldn't understand your attitude
I only wanted to take a photograph of you
And I was shocked when I heard what you had to say
You picked up my camera and threw it away
I didn't really mean to ruin your day
Now I see you've got a little girl of your own
Little princess suddenly grown
And there's her man, he's smiling at you
He must have been the one who always knew

You had a heart of gold
Underneath the crude exterior
You've got a heart of gold
So aloof, so superior
But you've got a heart of gold
Underneath the crude exterior
You've got a heart of gold
Underneath that hard exterior
You've got a heart of gold

Watch out! She'll give you a broadside
But out on the inside

A versão dos Kinks:

2393 – Men at Work – Blue for You (1983)

 

Escrita pelo vocalista e guitarrista Colin Hay, “Blue for You” foi gravada em meados de 1982 no Paradise Studios em Sydney, Austrália. A canção teve seu lançamento oficial primeiramente como a faixa nº 9 do segundo álbum de estúdio da banda, Cargo, lançado mundialmente em 29 de abril de 1983 pela CBS Records. O álbum foi cercado de grande expectativa após o sucesso global do disco de estreia, Business as Usual. Posteriormente, em junho de 1983, “Blue for You” foi selecionada como Lado B para o compacto simples (single) de 7 polegadas da faixa “It's a Mistake”, lançado internacionalmente. A produção de todo o álbum Cargo, incluindo esta faixa, foi assinada por Peter McIan, mantendo a sonoridade característica do grupo. Musicalmente, “Blue for You” é uma balada pop-rock com uma atmosfera contemplativa, distinta das faixas mais rápidas e humorísticas da banda. Ela destaca a habilidade de composição de Colin Hay, com uma melodia melancólica construída sobre guitarras elétricas suaves e uma linha de baixo melódica, além do saxofone característico de Greg Ham. A letra adota um tom pessoal e nostálgico, abordando temas de saudade, solidão e reflexão sobre o passado e sobre lugares distantes (“Wait for the light in your eyes, blue for you”). O personnel da gravação conta com Colin Hay (vocais principais, guitarra), Greg Ham (saxofone, teclados, vocais de apoio), Ron Strykert (guitarra solo), John Rees (baixo) e Jerry Speiser (bateria). Nas paradas de sucesso, a canção não foi lançada como um single A-side principal e, portanto, não frequentou as paradas de compactos individuais pop. No entanto, o álbum Cargo foi um grande sucesso comercial, alcançando o 3º lugar na Billboard 200 nos Estados Unidos e na UK Albums Chart no Reino Unido, além de atingir o 1º lugar na Austrália. Em relação a outras versões e interpretações conhecidas, uma versão demo acústica de “Blue for You” foi incluída no álbum solo de Colin Hay, Peak & Valley (1992), e outra gravação solo ao vivo está disponível em seu álbum e DVD Live at the Corner (2006). A canção também foi incluída em compilações retrospectivas da banda dedicadas à era pop-rock autêntica dos anos 1980 e é ocasionalmente executada em turnês solo por Colin Hay e em apresentações do legado do Men at Work.

A letra:

Sometimes the sun shines
And I close the blinds
'Cause I can't stand to see the light of day
I have no use for pain
But I don't mind the rain
'Cause I can stare outside and hear the sound
Today I looked right down to the ground
With nothing in between to break my fall
I'm blue for you, blue for you
I don't know what to do

Gotta form a plan of attack
Can't stop to look back I know
You are so far from here
Gotta be strong in my mind
Not encroach on your time I know that
That would be wrong for sure

I must get out and about
Of that I have no doubt
There surely must be new places to go
Sights I've never seen
All with pastures green
'Cause the old ones are making me blue for you
'Cause I'm blue for you, blue for you
I don't know what to do
And I'm blue for you, blue for you
I don't know what to do

Gotta form a plan of attack
Climb back on the track I know
Bid my devil friend good-bye
Hope I'm still in the race
But I don't know what to chase oh no
And you're still so far from here

The sun it still shines in
And I shall close the blinds
'Cause I know I won't see you anymore, see you anymore
And I'm blue for you, blue for you
I don't know what to do
'Cause I'm blue for you, blue for you
I don't know what to do
I don't know
I could take a big jump

A versão do Men at Work:

2392 – David Bowie – Modern Love (1983)

 

Escrita inteiramente por David Bowie e gravada em janeiro de 1983 no Power Station Studios em Nova York, “Modern Love” foi lançada primeiramente como a faixa de abertura e o primeiro single do álbum Let's Dance, lançado mundialmente em 14 de abril de 1983 pela EMI Records. Este foi o décimo quinto álbum de estúdio da carreira de Bowie. O compacto simples (single) de 7 polegadas foi lançado posteriormente, em 12 de setembro de 1983, trazendo no Lado B uma versão ao vivo da canção gravada em Montreal. A produção foi assinada pelo lendário produtor Nile Rodgers, em parceria com o próprio Bowie. Musicalmente, a canção é um exemplo perfeito do dance-pop e new wave pulsante e sofisticado de David Bowie, combinando ganchos melódicos cativantes, guitarras de ritmo sincopado e uma seção de sopros vibrante e enérgica. A letra adota uma linguagem direta, quase cínica, sobre amor, compromisso e a natureza efêmera das relações modernas, sugerindo que o carma e a dúvida estão sempre à espreita (“It's not really work, it's just modern love”). O tom é descontraído, com uma camada subjacente de reflexão inteligente e a presença carismática de Bowie. O personnel da gravação conta com David Bowie (vocais principais), Nile Rodgers (guitarra), Stevie Ray Vaughan (guitarra solo), Bernard Edwards (baixo), Tony Thompson (bateria) e os arranjos precisos da seção de sopros "The Borneo Horns". Nas paradas de sucesso, “Modern Love” obteve excelente desempenho comercial e popularidade, alcançando o 2º lugar na UK Singles Chart no Reino Unido, o 14º lugar na Billboard Hot 100 dos Estados Unidos e o 1º lugar na Irlanda e na Nova Zelândia. O álbum Let's Dance obteve um impacto massivo, alcançando a posição nº 1 na Billboard 200 dos Estados Unidos, nº 1 na UK Albums Chart no Reino Unido e em diversos países ao redor do mundo. Em relação a outras versões e interpretações conhecidas, destaca-se principalmente a versão ao vivo gravada em Montreal e incluída no single, bem como as execuções cativantes durante a turnê "Serious Moonlight" que promoveu o álbum, e um registro ao vivo dessa época está disponível no álbum e filme Serious Moonlight (1984). Por se tratar de um tema cult do catálogo de Bowie, a canção também foi incluída em diversas compilações retrospectivas da banda dedicadas à era dance-pop e é frequentemente executada em turnês tributo por músicos colaboradores e fãs de sua música.

A letra:

I know when to go out
Know when to stay in
Get things done

I catch a paper boy
But things don't really change
I'm standing in the wind
But I never wave bye-bye
But I try, I try
There's no sign of life
It's just the power to charm
I'm lying in the rain
But I never wave bye-bye
But I try, I try
Never gonna fall for

walks beside me
(Modern love) walks on by
(Modern love) gets me to the church on time
(Church on time) terrifies me
(Church on time) makes me party
(Church on time) puts my trust in God and man
(God and man) no confession
(God and man) no religion
(God and man) don't believe in modern love

It's not really work
It's just the power to charm
I'm still standing in the wind
But I never wave bye bye
But I try, I try
Never gonna fall for

walks beside me
(Modern love) walks on by
(Modern love) gets me to the church on time
(Church on time) terrifies me
(Church on time) makes me party
(Church on time) puts my trust in God and man
(God and man) no confession
(God and man) no religion
(God and man) don't believe in modern love

walks beside me
(Modern love) walks on by
(Modern love) gets me to the church on time
(Church on time) terrifies me
(Church on time) makes me party
(Church on time) puts my trust in God and man
(God and man) no confession
(God and man) no religion
(God and man) I don't believe in modern love

Modern love (modern love)
Modern love (modern love)
Modern love (modern love)
Modern love (modern love)
Modern love (modern love)
Modern love (modern love)
Modern love (modern love)
Modern love (modern love)
(Modern love)
(Modern love)
(Modern love)
(Modern love)
Modern love, walks beside me
(Modern love)
Modern love, walks on by
(Modern love)
Modern love, walks beside me
(Modern love)
Modern love, walks on by
(Modern love)
Never gonna fall for
(Modern love)
(Modern love)

A versão de David Bowie:

A versão de Sing it Live:

A versão de Kevin Johansen:

2391 – AC/DC – Flick of the Switch (1983)

 

Escrita coletivamente por Angus Young, Malcolm Young e Brian Johnson, “Flick of the Switch” foi gravada em abril de 1983 no Compass Point Studios em Nassau, nas Bahamas. A canção foi lançada primeiramente como a faixa-título e a terceira música do álbum de estúdio Flick of the Switch, lançado mundialmente em 15 de agosto de 1983 pela Atlantic Records. Este foi o nono álbum de estúdio internacional da banda (e o décimo na Austrália). O compacto simples (single) de 7 polegadas foi lançado posteriormente, em setembro de 1983, trazendo como Lado B a faixa “Badlands”. A produção foi assinada pela própria banda AC/DC, buscando um som mais cru e direto, após os dois álbuns anteriores produzidos por Robert John "Mutt" Lange. Musicalmente, a faixa é um exemplo puro do hard rock e heavy metal de alta energia do AC/DC. É construída sobre um riff de guitarra de Malcolm Young, rápido e direto, complementado pelos solos explosivos de Angus. A seção rítmica é sólida e implacável, característica da banda, com o vocal rouco e potente de Brian Johnson. A letra adota uma linguagem direta, quase industrial, sobre poder, controle e a ação simples e impactante de um interruptor (“Just a flick of the switch”). O personnel da gravação conta com Brian Johnson (vocais), Angus Young (guitarra solo), Malcolm Young (guitarra base), Cliff Williams (baixo) e Phil Rudd (bateria) — sendo este o último álbum de Rudd com a banda até The Razors Edge (1990). Nas paradas de sucesso, a faixa “Flick of the Switch” teve um desempenho modesto como single, não alcançando o Top 40 nos principais mercados como EUA e Reino Unido. No entanto, o álbum Flick of the Switch obteve boa tração, alcançando a posição nº 15 na Billboard 200 dos Estados Unidos, nº 4 na UK Albums Chart no Reino Unido, nº 3 na Austrália e nº 12 no Canadá. O single alcançou a posição nº 72 na Cash Box Top 100 Singles nos EUA. Em relação a outras versões e interpretações conhecidas, a canção “Flick of the Switch” foi incluída em diversas compilações retrospectivas da banda dedicadas à era de Brian Johnson, como o box set Backtracks (2009). Embora não tenha permanecido como uma peça constante no repertório de apresentações ao vivo da Family Band ao longo das décadas subsequentes, ela foi executada com frequência durante a turnê de 1983-1984 que promoveu o álbum, e um registro ao vivo dessa época está disponível no álbum e filme Live at Donington (1991), capturando a intensidade da formação que gravou o disco.

A letra:

Well there's a love goin' down on mine
Suicidal voltage line
She sends signals out of distress
She devil, she evil
She got you reelin' on a rockin' machine

With a flick of the switch
With a flick of the switch, she'll blow you sky high
With a flick of the switch
With a flick of the switch, she can satisfy

She gonna blow you all sky high
Flash the eye, electrify
A power force you should feel
She devil, she evil
She get you screamin' on a lightnin' machine

With a flick of the switch
With a flick of the switch, she'll blow you sky high
With a flick of the switch
With a flick of the switch, she can satisfy
Give you pain, blow your brain

Flick the switch, flick the switch
With a flick of the switch, she'll blow you sky high
With a flick of the switch, she can satisfy
With a flick of the switch, yeah, gonna burn you down
With a flick of the switch, razed to the ground
With a flick of the switch
With a flick of the switch
With a flick of the switch, she gonna give you pain
With a flick of the switch, she gonna blow your brain
Blow your brain

She gonna put the light out on you

A versão do AC/DC:

A versão de Riff/Raff:

2390 – Willie Nelson – Little Old Fashioned Karma (1983)

 

Escrita inteiramente por Willie Nelson, “Little Old Fashioned Karma” foi gravada originalmente durante as prolíficas sessões de estúdio no início dos anos 1970 no Moman's Studio em Memphis e no estúdio do produtor em Austin, Texas. A faixa permaneceu inédita até ser incluída no álbum de estúdio Tougher Than Leather, lançado em fevereiro de 1983 pela Columbia Records, figurando como a faixa nº 8 do disco. Lançada como o terceiro single comercial do álbum em meados de 1983, a canção trazia no Lado B a faixa “Tougher Than Leather”. A produção foi assinada por Willie Nelson ao lado de seu colaborador de longa data e gaitista Mickey Raphael. Musicalmente, a faixa traz o arranjo inconfundível do estilo Outlaw Country característico de Willie Nelson, combinando o balanço relaxado do country-western com linhas acústicas tocadas em sua icônica violão de cordas de nylon, Trigger. A letra adota um tom filosófico, bem-humorado e resignado para refletir sobre a lei de causa e efeito nas relações amorosas e na vida cotidiana, sugerindo que o carma sempre encontra uma forma sutil de ajustar as contas. O personnel da gravação conta com Willie Nelson (vocais principais e violão acústico), Jody Payne (guitarra base), Grady Martin (guitarra solo), Bobbie Nelson (piano), Mickey Raphael (gaita), Bee Spears (baixo) e Paul English (bateria). Nas paradas de sucesso, “Little Old Fashioned Karma” obteve excelente desempenho nas rádios nativas do gênero, alcançando a posição nº 10 no gráfico Hot Country Songs da Billboard nos Estados Unidos e atingindo o Top 10 na parada canadense RPM Country Tracks em 1983. O álbum Tougher Than Leather alcançou a posição nº 4 na parada Top Country Albums e a posição nº 39 na Billboard 200. Em relação a outras versões e interpretações conhecidas, a canção permaneceu como uma das peças frequentes no repertório de apresentações ao vivo de Willie Nelson e da Family Band ao longo das décadas de 1980 e 1990, figurando em diversos bootlegs e compilações ao vivo não oficiais. Além disso, a faixa foi incluída em coleções retrospectivas de sua fase na Columbia Records, como a caixa comemorativa The Classic Willie Nelson (1995) e coletâneas dedicadas às composições originais da era de ouro do Outlaw Country.

A letra:

There's just a little fashioned karma coming down
Just a little old fashioned justice going round
A little bit of sowing and a little bit of reaping
A little bit of laughing and a little bit of weeping
Just a little old fashioned karma coming down
Coming down coming down just a little old fashioned karma coming down
It really ain't hard to understand
If you're gonna dance you gotta pay the band
It's just a little old fashioned karma coming down

[fiddle - guitar - harmonica - piano]

There's just a little fashioned karma...

A versão de Willie Nelson:

2389 – R.E.M. – Sitting Still (1983)

 

Escrita conjuntamente por Bill Berry, Peter Buck, Mike Mills e Michael Stipe no final de 1980, “Sitting Still” teve seu lançamento original em 8 de julho de 1981 como o Lado B do influente single de estreia da banda, “Radio Free Europe”, pelo selo independente Hib-Tone. A gravação ocorreu em abril e maio de 1981 no Drive-In Studios em Winston-Salem, Carolina do Norte, sob a produção de Mitch Easter. A faixa foi posteriormente remasterizada (e com leve alteração na velocidade de reprodução da fita) para integrar a ordem oficial do seminal álbum de estreia da banda, Murmur, lançado em 12 de abril de 1983 pela I.R.S. Records, figurando como a 8ª faixa do disco (lado B do vinil). Musicalmente, a canção representa a essência do Jangle Pop e do Post-Punk do início da carreira do R.E.M., destacando-se pelo dedilhado marcante de Peter Buck na guitarra Rickenbacker — frequentemente comparado ao som do The Byrds — e por uma linha de baixo reta de inspiração punk tocada por Mike Mills. A letra, característica do estilo impenetrável e abstrato de Michael Stipe na época, combina enunciações vocais intencionalmente abafadas com fragmentos líricos inspirados em sua irmã defensora e professora de crianças surdas (“I can hear you / Can you hear me?”). O personnel da gravação traz Michael Stipe (vocais), Peter Buck (guitarra), Mike Mills (baixo, vocais de apoio) e Bill Berry (bateria, percussão), sob produção técnica de Mitch Easter e Don Dixon. Embora não tenha sido lançada como um single comercial próprio para as paradas globais de pop em 1983, a faixa impulsionou a reputação crítica de Murmur, álbum que atingiu a posição nº 36 na Billboard 200 norte-americana e superou lançamentos comerciais de grande porte da época ao ser eleito o "Álbum do Ano" de 1983 pela revista Rolling Stone. Sobre outras versões e gravações conhecidas, destaca-se a mixagem original do single da Hib-Tone de 1981 (que apresenta andamento e balanço levemente distintos da versão presente em Murmur), reeditada no disco bônus da coletânea And I Feel Fine... The Best of the I.R.S. Years 1982–1987 (2006). A banda também lançou registros ao vivo oficiais da canção, como a marcante performance presente no álbum ao vivo Live at the Olympia (2009), gravado em Dublin.

A letra:

This name I got we all agreed
She could stop, stop it well rid
We could bind it in the sist-
We could gather, throw a fit

Up to par and Katie bars the kitchen signs but not me in
Set a trap for love, big kill
Don't waste your time sitting still

I'm the sun and you can read
I'm the sign and you're not deaf
We could bind it in the sist-
We could gather, throw a fit

Up to par and Katie bars the kitchen signs but not me in
Set a trap for love, big kill
Don't waste your time sitting still
I can hear you
I can hear you
I can hear you

This name I got we all agree
She could stop, stop it well rid
We could bind it in the sist-
We could gather, throw a fit

Up to par and Katie bars the kitchen signs but not me in
Set a trap for love, big kill
Don't waste your time sitting still
I can hear you
I can hear you
I can hear you

You can gather when I talk, talk until you're blue
You could get away from me, get away from me

I'm up to par and Katie bars the kitchen signs but not me in
Set a trap for love, big kill
Don't waste your time sitting still
I can hear you
I can hear you
I can hear you

I can hear you
I can hear you
I can hear you
Can you hear me

A versão do R.E.M.:

A versão de Alex Hamel:

A versão de Shaking Trough: