2407 – Bruce Springsteen – Dancing in the Dark (1984)

 

Escrita inteiramente por Bruce Springsteen, foi a última faixa gravada para o álbum, registrada em fevereiro de 1984 no The Hit Factory, na cidade de Nova York. A canção nasceu após o empresário Jon Landau exigir que Springsteen compusesse um single radiofônico certeiro para o disco. Lançada em 9 de maio de 1984 pela Columbia Records, foi o primeiro single oficial a promover o estrondoso álbum Born in the U.S.A., lançado mundialmente no mês seguinte. A produção foi assinada conjuntamente por Jon Landau, Chuck Plotkin, Bruce Springsteen e Steve Van Zandt. Musicalmente, a faixa representou uma evolução na sonoridade de Springsteen ao incorporar elementos marcantes do Synth-Pop e Dance-Rock ao seu tradicional Heartland Rock. O arranjo é ancorado por um riff de sintetizador cativante tocado por Roy Bittan, complementado pela precisão rítmica da bateria de Max Weinberg e o baixo pulsante de Garry Tallent. A letra expressa a angústia criativa, a frustração com o próprio isolamento e a necessidade urgente de transformação pessoal e conexão (“You can't start a fire / You can't start a fire without a spark / This gun's for hire / Even if we're just dancing in the dark”). O pessoal da gravação conta com Bruce Springsteen (vocais principais, guitarra), Roy Bittan (sintetizadores, piano), Danny Federici (órgão), Garry Tallent (baixo), Max Weinberg (bateria), Steven Van Zandt (guitarra base, vocais de apoio) e Clarence Clemons (saxofone, percussão, vocais de apoio). Nas paradas de sucesso, “Dancing in the Dark” tornou-se o maior hit comercial da carreira de Springsteen nos Estados Unidos, alcançando a 2ª posição na Billboard Hot 100 (onde permaneceu por quatro semanas consecutivas) e vendendo mais de um milhão de cópias em vinil. No Reino Unido, alcançou a 4ª posição na UK Singles Chart. A performance rendeu a Springsteen o Grammy de Melhor Performance Vocal Masculina de Rock em 1985. O famoso videoclipe oficial foi dirigido por Brian De Palma e filmado durante a abertura da turnê no Saint Paul Civic Center, em Minnesota, ficando eternizado pela cena em que Springsteen convida uma jovem fã (a atriz Courteney Cox, em início de carreira) para dançar com ele no palco. Em relação a outras versões, destaca-se o remix estendido de 12 polegadas criado pelo produtor Arthur Baker, além de célebres releituras ao longo dos anos feitas por artistas de variados gêneros, como Amy Macdonald, Ted Leo, e a versão eletrônica indie da banda Hot Chip.

A letra:

I get up in the evenin'
And I ain't got nothin' to say
I come home in the mornin'
I go to bed feelin' the same way
I ain't nothin' but tired
Man, I'm just tired and bored with myself
Hey there, baby, I could use just a little help

You can't start a fire
You can't start a fire without a spark
This gun's for hire
Even if we're just dancin' in the dark

Messages keeps gettin' clearer
Radio's on and I'm movin' 'round my place
I check my look in the mirror
Wanna change my clothes, my hair, my face
Man, I ain't gettin' nowhere
I'm just livin' in a dump like this
There's somethin' happenin' somewhere
Baby, I just know that there is

You can't start a fire
You can't start a fire without a spark
This gun's for hire
Even if we're just dancin' in the dark

You sit around gettin' older
There's a joke here somewhere and it's on me
I'll shake this world off my shoulders
Come on, baby, the laugh's on me

Stay on the streets of this town
And they'll be carvin' you up alright
They say you gotta stay hungry
Hey baby, I'm just about starvin' tonight
I'm dyin' for some action
I'm sick of sittin' 'round here tryin' to write this book
I need a love reaction
Come on now, baby, gimme just one look

You can't start a fire
Sittin' 'round cryin' over a broken heart
This gun's for hire
Even if we're just dancin' in the dark
You can't start a fire
Worryin' about your little world fallin' apart
This gun's for hire
Even if we're just dancin' in the dark
Even if we're just dancin' in the dark
Even if we're just dancin' in the dark
Even if we're just dancin' in the dark
Hey baby

A versão de Bruce Springsteen:

 

2406 – U2 – Pride (In the Name of Love) (1984)

 

Escrita coletivamente pelos quatro membros da banda (Bono, The Edge, Adam Clayton e Larry Mullen Jr.), com letra de Bono, “Pride (In the Name of Love)” foi gravada entre maio e agosto de 1984 no Castelo de Slane (Condado de Meath) e no Windmill Lane Studios em Dublin, Irlanda. A canção foi lançada em setembro de 1984 como o primeiro single do quarto álbum de estúdio do grupo, The Unforgettable Fire, editado em 1 de outubro de 1984 pela gravadora Island Records. A produção da faixa e de todo o álbum foi assinada por Brian Eno e Daniel Lanois, que trouxeram uma nova sofisticação sonora à banda. Musicalmente, a faixa é um dos maiores hinos do Post-Punk e do Rock de Arena dos anos 1980. O arranjo é impulsionado pelo característico dedilhado rítmico de The Edge na guitarra, com uso marcante de efeitos de delay e reverberação, apoiado pela linha de baixo melódica e precisa de Adam Clayton e pela bateria firme de Larry Mullen Jr. A letra é uma homenagem explícita ao líder dos direitos civis norte-americano Martin Luther King Jr., celebrando os ideais de não violência e a força moral daqueles que deram a vida pela causa da igualdade e do amor (“Early morning, April 4 / A shot rings out in the Memphis sky / Free at last, they took your life / They could not take your pride”). O pessoal da gravação conta com Bono (vocais principais), The Edge (guitarra, vocais de apoio), Adam Clayton (baixo) e Larry Mullen Jr. (bateria), além de contribuições vocais de Chrissie Hynde (creditada no encarte como Christine Kerr). Nas paradas de sucesso, “Pride (In the Name of Love)” marcou um momento divisor de águas na carreira do U2, tornando-se o primeiro grande sucesso da banda nas paradas pop internacionais. O single alcançou o 3º lugar na UK Singles Chart no Reino Unido e atingiu a 33ª posição na Billboard Hot 100 dos Estados Unidos, além de liderar a parada da Nova Zelândia. O álbum The Unforgettable Fire chegou ao topo da parada britânica (1º lugar na UK Albums Chart) e alcançou o 12º lugar na Billboard 200 norte-americana. O videoclipe teve três versões oficiais produzidas, sendo a mais famosa dirigida por Donald Cammell, com filmagens no Docklands de Londres. Em relação a outras versões, a canção tornou-se presença obrigatória em praticamente todas as turnês do U2, com registros lendários ao vivo como o do festival Live Aid em 1985 e o documentado no álbum e filme Rattle and Hum (1988). A faixa também foi regravada e reinterpretada por diversos artistas ao longo das décadas, incluindo a versão do grupo Clivillés & Cole em 1991 e uma regravação acústica e intimista feita pelo próprio U2 no álbum Songs of Surrender (2023).

A letra:

One man come in the name of love
One man come and go
One man come he to justify
One man to overthrow

In the name of love
What more in the name of love?
In the name of love
What more in the name of love?

One man caught on a barbed wire fence
One man he resist
One man washed up on an empty beach
One man betrayed with a kiss

In the name of love
What more in the name of love?
In the name of love
What more in the name of love?

Nothing like love
There's nothing like love
Nobody like you
There's nobody like you

Early morning, April 4
Shot rings out in the Memphis sky
Free at last, they took your life
They could not take your pride

In the name of love
What more in the name of love?
In the name of love
What more in the name of love?

In the name of love
What more in the name of love?
In the name of love
What more in the name of love?

A versão do U2:

A versão de Mike Masse, Jeff Hall e The Phil:

A versão da Lexington Lab Band:

2405 – The Smiths – How Soon Is Now? (1984)

 

​Escrita por Morrissey (letra) e Johnny Marr (música), “How Soon Is Now?” foi gravada em julho de 1984 no Jam Studios em Londres, durante as sessões do álbum Meat Is Murder. A faixa foi inicialmente lançada no Reino Unido em outubro de 1984 como Lado B do single de 12 polegadas de “William, It Was Really Nothing”, pela gravadora Rough Trade. Devido à enorme repercussão nas rádios e pistas alternativas, foi posteriormente incluída na coletânea Hatful of Hollow (novembro de 1984) e lançada como single principal próprio em janeiro de 1985 (Reino Unido) e nos Estados Unidos pela Sire Records. A produção foi assinada por John Porter.

​Musicalmente, a faixa é um dos maiores marcos do Pós-Punk e do Rock Alternativo dos anos 1980. Destaca-se pela sonoridade atmosférica e hipnótica criada por Johnny Marr, que utilizou quatro amplificadores Fender Twin Reverb com o efeito de tremolo sincronizado e camadas de guitarras slide com afinação aberta. A linha de baixo pulsante de Andy Rourke e o ritmo constante de Mike Joyce constroem uma base densa para a interpretação melancólica e angustiada de Morrissey. A letra aborda de forma crua a timidez paralisante, o isolamento social e o anseio universal por afeto e conexão humana (“I am the son and the heir / Of a shyness that is criminally vulgar / I am the son and the heir / Of nothing in particular”). O pessoal da gravação conta com Morrissey (vocais principais), Johnny Marr (guitarras, harmônica), Andy Rourke (baixo) e Mike Joyce (bateria).

​Nas paradas de sucesso, a canção alcançou a 24ª posição na UK Singles Chart em seu relançamento como single principal em 1985. Nos Estados Unidos, tornou-se um clássico instantâneo das rádios universitárias e do circuito de rock moderno, ajudando a estabelecer a forte base de fãs da banda na América do Norte.

​Em relação a outras versões e interpretações conhecidas, destaca-se a versão cover gravada pela banda norte-americana Love Spit Love em 1996 (posteriormente usada como tema de abertura da série de TV Charmed), além de releituras feitas por nomes como t.A.T.u., Snake River Conspiracy e Quindon Tarver (na trilha sonora do filme Romeu + Julieta, de 1996). A gravação original segue como uma das composições mais celebradas e influentes da história da música alternativa britânica.

A letra :

I am the son
And the heir
Of a shyness that is criminally vulgar
I am the son and heir
Of nothing in particular

You shut your mouth
How can you say
I go about things the wrong way?
I am human and I need to be loved
Just like everybody else does

I am the son
And the heir
Of a shyness that is criminally vulgar
I am the son and heir
Of nothing in particular

You shut your mouth
How can you say
I go about things the wrong way?
I am human and I need to be loved
Just like everybody else does

There's a club if you'd like to go
You could meet somebody who really loves you
So you go and you stand on your own
And you leave on your own
And you go home and you cry
And you want to die

When you say it's gonna happen now
When exactly do you mean?
See I've already waited too long
And all my hope is gone

You shut your mouth
How can you say
I go about things the wrong way?
I am human and I need to be loved
Just like everybody else does

A versão do Smiths :

A versão do The Smiths Tribute NYC:

A versão de t.A.T.u.:

2404 – R.E.M. – So. Central Rain (I'm Sorry) (1984)

 

Escrita conjuntamente pelos quatro membros da banda (Bill Berry, Peter Buck, Mike Mills e Michael Stipe), “So. Central Rain (I'm Sorry)” foi gravada entre dezembro de 1983 e janeiro de 1984 no Reflection Sound Studios em Charlotte, Carolina do Norte. A faixa foi lançada em março de 1984 como o primeiro single do segundo álbum de estúdio da banda, Reckoning, editado em 9 de abril de 1984 pela gravadora independente I.R.S. Records. A produção do disco ficou a cargo de Mitch Easter e Don Dixon. Musicalmente, a canção é um dos maiores clássicos do Jangle Pop e do Rock Alternativo universitário da década de 1980. Destaca-se pelo característico dedilhado límpido da guitarra Rickenbacker de Peter Buck, pela linha de baixo melódica de Mike Mills e pelos vocais emotivos e quase desesperados de Michael Stipe no refrão (“I'm sorry”). A letra foi inspirada pelas severas inundações que atingiram o estado da Geórgia na época, refletindo a angústia da impossibilidade de comunicação com pessoas queridas durante o desastre. O pessoal da gravação conta com Michael Stipe (vocais principais), Peter Buck (guitarra), Mike Mills (baixo, piano, vocais de apoio) e Bill Berry (bateria, percussão, vocais de apoio). Nas paradas de sucesso, a faixa marcou a primeira aparição de relevância do R.E.M. nas tabelas de singles dos Estados Unidos, alcançando a 85ª posição na Billboard Hot 100. O álbum Reckoning foi aclamado pela crítica, atingindo o 27º lugar na Billboard 200 nos EUA e a 91ª posição na UK Albums Chart no Reino Unido, consolidando o grupo como líder da nova cena do rock independente norte-americano. O videoclipe, dirigido por James Herbert, teve alta rotação na MTV e apresentava os integrantes tocando atrás de telas translúcidas com Stipe cantando a capela. Em relação a outras versões, a canção ganhou diversas interpretações ao vivo registradas ao longo da carreira do grupo, incluindo uma histórica apresentação ao vivo antes mesmo do lançamento em estúdio no programa Late Night with David Letterman em outubro de 1983.

A letra:

Did you never call?

I waited for your call

These rivers of suggestion

Are driving me away

The trees will bend

The cities wash away

The city on the river

Is a girl without a dream

I'm sorry

I'm sorry

Eastern to mountain

Third party call

The lines are down

The wise man built

His house upon the rocks

And I'm not bound to follow suit

The trees will bend

The cities wash away

The city in the mountains

Is a boy without a dream

I'm sorry

I'm sorry

Did you never call?

I waited for your call

These rivers of suggestion

Are driving me away

The ocean sang

The conversation's dim

Go buy yourself another dream

This choice wasn't mine

I'm sorry

I'm sorry

I'm sorry

I'm sorry

I would swim the ocean deep

Climb the highest mountain peak

I come to you

Defenses down

With the trust of a child

A versão do R.E.M.:

2403 – Leonard Cohen – Dance Me to the End of Love (1984)

 

Escrita inteiramente por Leonard Cohen, “Dance Me to the End of Love” foi gravada no início de 1984 no Larrabee Sound Studios em Los Angeles, Califórnia. A canção teve seu lançamento oficial como a faixa de abertura do décimo álbum de estúdio de Cohen, Various Positions, lançado em dezembro de 1984 pela Columbia Records (nos EUA) e CBS Records (no Reino Unido). A produção da faixa e de todo o álbum foi assinada por John Lissauer, que capturou a sonoridade mais eletrônica e melancólica do artista na época. Musicalmente, “Dance Me to the End of Love” é um dos exemplos mais emblemáticos do Synth-Pop e Contemporary Folk mais sofisticado e sombrio de Leonard Cohen. A faixa é construída sobre uma linha de sintetizador melancólica e persistente, ganchos melódicos sutis, ritmos de bateria eletrônica mecânicos e uma interpretação vocal profunda e rouca de Cohen. A letra, muitas vezes interpretada como uma canção de amor romântica e sedutora, tem uma origem mais sombria, baseada no Holocausto e nos músicos forçados a tocar enquanto prisioneiros eram levados à morte (“Dance me to your beauty with a burning violin / Dance me through the panic 'til I'm gathered safely in”). O pessoal da gravação conta com Leonard Cohen (vocais principais), John Lissauer (teclados, sintetizadores, produção) e outros músicos colaboradores.

Nas paradas de sucesso, “Dance Me to the End of Love” obteve excelente desempenho comercial e popularidade, especialmente na Europa. O álbum Various Positions alcançou a 24ª posição na UK Albums Chart no Reino Unido e obteve boa tração comercial, consolidando o dance-pop e folclore contemporâneo do período. Em relação a outras versões e interpretações conhecidas, destaca-se principalmente a versão cover da cantora de jazz americana Madeleine Peyroux, lançada em seu álbum de 2004, Careless Love, que popularizou a música para um público mais jovem. A canção também foi incluída em diversas compilações retrospectivas dedicadas à carreira de Leonard Cohen e é frequentemente executada em turnês tributo por músicos colaboradores e fãs de sua música.

A letra:

Dance me to your beauty with a burning violin
Dance me through the panic 'til I'm gathered safely in
Lift me like an olive branch and be my homeward dove
Dance me to the end of love
Dance me to the end of love

Oh, let me see your beauty when the witnesses are gone
Let me feel you moving like they do in Babylon
Show me slowly what I only know the limits of
Dance me to the end of love
Dance me to the end of love

Dance me to the wedding now, dance me on and on
Dance me very tenderly and dance me very long
We're both of us beneath our love, we're both of us above
Dance me to the end of love
Dance me to the end of love

Dance me to the children who are asking to be born
Dance me through the curtains that our kisses have outworn
Raise a tent of shelter now, though every thread is torn
Dance me to the end of love

Dance me to your beauty with a burning violin
Dance me through the panic 'til I'm gathered safely in
Touch me with your naked hand or touch me with your glove
Dance me to the end of love
Dance me to the end of love
Dance me to the end of love

A versão de Leonard Cohen:

A versão de Amadeus:

A versão de Elizza Naranjo:

2402 – John Lennon – I’m stepping out (1984)

 

Escrita inteiramente por John Lennon, a canção foi gravada durante as sessões de estúdio para o álbum Double Fantasy em agosto de 1980 no The Hit Factory na cidade de Nova York. No entanto, ela permaneceu arquivada e não foi incluída no álbum lançado em vida por Lennon. A faixa teve seu lançamento oficial apenas em 1984, como o terceiro single do álbum póstumo de John Lennon e Yoko Ono, Milk and Honey. O álbum foi lançado mundialmente em janeiro de 1984 pela Polydor Records, com a produção póstuma assinada por Yoko Ono.

Musicalmente, “I'm Stepping Out” é um exemplo cativante do Rock e Pop-Rock enérgico e descontraído que caracterizou o retorno de Lennon à música em 1980. A faixa é construída sobre um riff de guitarra ritmico e direto, ganchos melódicos fortes e uma seção rítmica sólida. A letra adota uma linguagem sincera e bem-humorada sobre a entusiasmo de Lennon em retomar a vida noturna de Nova York após seu período de cinco anos como "dono de casa" dedicado à criação de seu filho, Sean (“I'm stepping out / Gotta gotta gotta gotta get out / I'm stepping out, babe”). O tom é otimista e libertador, com a interpretação vocal carismática de Lennon, incluindo uma introdução falada onde ele brinca sobre estar cansado de ver Sesame Street (Vila Sésamo). O pessoal da gravação conta com John Lennon (vocais principais, guitarra base), Earl Slick e Hugh McCracken (guitarra solo), Tony Levin (baixo), George Small (teclados) e Andy Newmark (bateria).

Nas paradas de sucesso, lançada como single em março de 1984 nos EUA (e em julho no Reino Unido), “I'm Stepping Out” obteve um desempenho moderado. Nos Estados Unidos, alcançou a 55ª posição na Billboard Hot 100. No Reino Unido, o single atingiu a 88ª posição na UK Singles Chart. O álbum Milk and Honey obteve melhor tração comercial, alcançando a posição nº 11 na Billboard 200 dos Estados Unidos e nº 3 na UK Albums Chart no Reino Unido, consolidando o interesse do público pelo material final de Lennon.

Em relação a outras versões e interpretações conhecidas, a música manteve-se no repertório de apresentações ao vivo de bandas tributo e foi incluída em diversas compilações retrospectivas dedicadas à carreira solo de John Lennon, como The John Lennon Collection (em reedições posteriores) e Lennon Legend: The Very Best of John Lennon (1997). Por se tratar de uma das últimas canções finalizadas por Lennon, ela é valorizada pelos fãs como um vislumbre de seu estado de espírito otimista pouco antes de sua morte.

A letra:

A-one, two, a-one two, three, four!
This here's the story about a house husband
Who, you know, just has to get out of the house
He's been looking at, you know
The kids for days and days, he's been washing the dishes
And screwing around and watching Sesame Street
'Til he's going crazy

Woke up this morning, blues around my head
No need to ask the reason why
We went to the kitchen and lit a cigarette
Blew my worries to the sky

I'm stepping out
I'm stepping out
I'm stepping out
I'm stepping out

If it don't feel right
You don't have to do it
Just leave a message on the phone
And tell them to screw it, after all is said and done
You can't go pleasing everyone
So screw it

Ooh, I'm stepping out
I'm stepping out
I'm stepping out, baby
I'm stepping out

Baby's sleeping
The cats have all been blessed
Ain't nothing doing on TV
Summer repeats
Put on my space suit, I got to look my best
I'm going out to do the city

I'm stepping out
I'm stepping out
I'm stepping out, babe
I'm stepping out
Boogie

One more
I'm stepping out (Hold it down)
I'm stepping out
I'm stepping out
Gotta, gotta, gotta, gotta get out
I'm stepping out, babe

Just a while
Ain't been out for days
Gotta do it tonight
Gimme a break, gimme a break
Gotta get out, gotta get out, just for a while
Just for the night
I'll be in before one or two or three, goodbye

A versão de John Lennon:

2401 – Bruce Springsteen – Born in the U.S.A. (1984)

 

Escrita inteiramente por Bruce Springsteen e gravada em várias sessões entre 1982 e 1984 no The Power Station e The Hit Factory na cidade de Nova York. A canção teve seu lançamento oficial como a faixa-título e segundo single do álbum de estúdio homônimo, Born in the U.S.A., lançado mundialmente em 4 de junho de 1984 pela Columbia Records. A produção da faixa e de todo o álbum foi assinada por Jon Landau, Chuck Plotkin, Bruce Springsteen e Steve Van Zandt. Musicalmente, “Born in the U.S.A.” é um dos exemplos mais emblemáticos do Heartland Rock e Arena Rock pulsante do início dos anos 1980. A faixa é construída sobre um riff de teclado potente e direto (executado por Roy Bittan), ganchos melódicos cativantes e uma seção rítmica sólida e agressiva. A letra, muitas vezes mal interpretada como uma canção patriótica jingoísta, adota uma linguagem sincera e amarga sobre os veteranos da Guerra do Vietnã e a falta de oportunidades para a classe trabalhadora americana no pós-guerra (“Got in a little hometown jam / So they put a rifle in my hand / Sent me off to a foreign land / To go and kill the yellow man”). O tom é descontraído e otimista, com a interpretação vocal carismática e rouca de Springsteen. O pessoal da gravação conta com Bruce Springsteen (vocais principais, guitarra), Roy Bittan (sintetizadores, piano), Danny Federici (órgão), Garry Tallent (baixo), Max Weinberg (bateria), Steven Van Zandt (guitarra base, vocais de apoio) e Clarence Clemons (saxofone, percussão, vocais de apoio) — a formação clássica da E Street Band. Nas paradas de sucesso, “Born in the U.S.A.” obteve excelente desempenho comercial e popularidade, alcançando o 9º lugar na Billboard Hot 100 dos Estados Unidos em janeiro de 1985. No Reino Unido, o single alcançou o 5º lugar na UK Singles Chart. O álbum Born in the U.S.A. obteve um impacto massivo, gerando sete singles no Top 10 nos EUA, alcançando a posição nº 1 na Billboard 200 dos Estados Unidos e nº 1 na UK Albums Chart no Reino Unido, consolidando Springsteen como um superastro global e moldando o pop-rock do período. 

A letra:

Born down in a dead man's town
The first kick I took was when I hit the ground
You end up like a dog that's been beat too much
'Til you spend half your life just coverin' up

Born in the U.S.A
I was born in the U.S.A
I was born in the U.S.A
Born in the U.S.A

Got in a little hometown jam
So they put a rifle in my hand
Sent me off to a foreign land
To go and kill the yellow man

Born in the U.S.A
I was born in the U.S.A
I was born in the U.S.A
I was born in the U.S.A

Come back home to the refinery
Hiring man says, "Son if it was up to me"
Went down to see my V.A. man
He said, "Son, don't you understand"

I had a brother at Khe Sanh
Fighting off the Viet Cong
They're still there, he's all gone
He had a woman he loved in Saigon
I got a picture of him in her arms now

Down in the shadow of the penitentiary
Out by the gas fires of the refinery
I'm ten years burning down the road
Nowhere to run ain't got nowhere to go

Born in the U.S.A
I was born in the U.S.A. now
Born in the U.S.A
I'm a long gone Daddy in the U.S.A. now
Born in the U.S.A
Born in the U.S.A
Born in the U.S.A
I'm a cool rockin' Daddy in the U.S.A. now

A versão de Bruce Springsteen:

A versão de John Mellencamp:

A versão de Paul Scott:

2400 – Elton John – I'm Still Standing (1983)

Escrita coletivamente por Elton John (música) e Bernie Taupin (letra), “I'm Still Standing” foi gravada entre setembro e dezembro de 1982 no Air Studios em Montserrat e no Caribou Ranch no Colorado. A canção teve seu lançamento oficial como o primeiro single (nos EUA) e segundo single (no Reino Unido) do décimo sétimo álbum de estúdio de Elton John, Too Low for Zero, lançado mundialmente em maio de 1983 pela The Rocket Record Company (UK) e Geffen Records (US). A produção da faixa e de todo o álbum foi assinada por Chris Thomas, que capturou a sonoridade polida e eclética do artista. Musicalmente, “I'm Still Standing” é um dos exemplos mais emblemáticos da Pop-Rock e Synth-Pop pulsante e sofisticada do início dos anos 1980. A faixa é construída sobre um riff de piano rítmico e direto, ganchos melódicos cativantes e uma seção rítmica sólida. A letra adota uma linguagem sincera e ligeiramente cínica sobre relações amorosas e a sinceridade inesperada das confissões noturnas (“Don't you know I'm still standing better than I ever did / Looking like a true survivor, feeling like a little kid”). O tom é descontraído e otimista, com a interpretação vocal carismática de Elton John. O personnel da gravação conta com Elton John (vocais principais, piano, sintetizadores), Davey Johnstone (guitarra elétrica, vocais de apoio), Dee Murray (baixo, vocais de apoio) e Nigel Olsson (bateria, vocais de apoio). Nas paradas de sucesso, “I'm Still Standing” obteve excelente desempenho comercial e popularidade, alcançando o 12º lugar na Billboard Hot 100 dos Estados Unidos no início de 1984. No Reino Unido, o single alcançou o 4º lugar na UK Singles Chart. O álbum Too Low for Zero obteve boa tração comercial, alcançando a posição nº 25 na Billboard 200 dos Estados Unidos e nº 7 na UK Albums Chart no Reino Unido, consolidando o pop-rock e dance-pop do período. 

A letra:

You could never know what it's like
Your blood like winter freezes just like ice
And there's a cold lonely light that shines from you
You'll wind up like the wreck you hide behind that mask you use

And did you think this fool could never win?
Well, look at me, I'm coming back again
I got a taste of love in a simple way
And if you need to know while I'm still standing, you just fade away

Don't you know I'm still standing better than I ever did
Looking like a true survivor, feeling like a little kid
I'm still standing after all this time
Picking up the pieces of my life without you on my mind

I'm still standing (yeah, yeah, yeah)
I'm still standing (yeah, yeah, yeah)

Once I never could have hoped to win
You're starting down the road leaving me again
The threats you made were meant to cut me down
And if our love was just a circus, you'd be a clown by now

You know I'm still standing better than I ever did
Looking like a true survivor, feeling like a little kid
I'm still standing after all this time
Picking up the pieces of my life without you on my mind

I'm still standing (yeah, yeah, yeah)
I'm still standing (yeah, yeah, yeah)

Don't you know that I'm still standing better than I ever did?
Looking like a true survivor, feeling like a little kid
I'm still standing after all this time
Picking up the pieces of my life without you on my mind

I'm still standing (yeah, yeah, yeah)
I'm still standing (yeah, yeah, yeah)
I'm still standing (yeah, yeah, yeah)
I'm still standing (yeah, yeah, yeah)
I'm still standing (yeah, yeah, yeah)
I'm still standing (yeah, yeah, yeah)

A versão de Elton John:

A versão de Frist to Eleven:

A versão de Joni Mitchell:

2399 – David Bowie – Let’s Dance (1983)

 

Escrita inteiramente por David Bowie, “Let’s Dance” foi gravada em dezembro de 1982 no Power Station Studios na cidade de Nova York. A canção teve seu lançamento oficial como o primeiro single e faixa-título do décimo quinto álbum de estúdio de Bowie, Let’s Dance, lançado mundialmente em março de 1983 pela EMI America Records. A produção da faixa e de todo o álbum foi assinada por David Bowie e Nile Rodgers, que capturaram a sonoridade polida e eclética do artista. Musicalmente, “Let’s Dance” é um dos exemplos mais emblemáticos da Pop-Dance e Funk-Rock pulsante e sofisticada do início dos anos 1980. A faixa é construída sobre um riff de guitarra rítmico e direto, ganchos melódicos cativantes e uma seção rítmica sólida. A letra adota uma linguagem sincera e ligeiramente cínica sobre relações amorosas e a sinceridade inesperada das confissões noturnas (“Let’s dance / Put on your red shoes and dance the blues”). O tom é descontraído e otimista, com a interpretação vocal carismática de Bowie. O personnel da gravação conta com David Bowie (vocais principais), Stevie Ray Vaughan (guitarra solo), Nile Rodgers (guitarra base), Bernard Edwards (baixo), Omar Hakim (bateria, percussão), Robert Sabino (teclados) e Stan Harrison (saxofone). Nas paradas de sucesso, “Let’s Dance” obteve excelente desempenho comercial e popularidade, alcançando o 1º lugar na Billboard Hot 100 dos Estados Unidos por três semanas em maio de 1983. No Reino Unido, o single alcançou o 1º lugar na UK Singles Chart. O álbum Let’s Dance obteve boa tração comercial, alcançando a posição nº 4 na Billboard 200 dos Estados Unidos e nº 1 na UK Albums Chart no Reino Unido, consolidando o pop-rock e dance-pop do período. Em relação a outras versões e interpretações conhecidas, destaca-se principalmente a versão ao vivo gravada em Montreal e incluída no single, bem como as execuções cativantes durante a turnê Serious Moonlight que promoveu o álbum, e um registro ao vivo dessa época está disponível no álbum e filme Serious Moonlight (1984). Por se tratar de um tema cult do catálogo de Bowie, a canção também foi incluída em diversas compilações retrospectivas da banda dedicadas à era dance-pop e é frequentemente executada em turnês tributo por músicos colaboradores e fãs de sua música.

A letra:

Ah, ah, ah, ah

(Let's dance)
(Let's dance)

(Let's dance) put on your red shoes and dance the blues
(Let's dance) to the song they're playing on the radio
(Let's sway) while colour lights up your face
(Let's sway) sway through the crowd to an empty space

If you say run, I'll run with you
And if you say hide, we'll hide
Because my love for you would break my heart in two
If you should fall, into my arms and tremble like a flower

(Let's dance)
(Let's dance)

(Let's dance) for fear your grace should fall
(Let's dance) for fear tonight is all
(Let's sway) you could look into my eyes
(Let's sway) under the moonlight, this serious moonlight

And if you say run, I'll run with you
And if you say hide, we'll hide
Because my love for you would break my heart in two
If you should fall, into my arms and tremble like a flower

(Let's dance)
(Let's dance)

(Let's dance) put on your red shoes and dance the blues
(Let's dance) to the song we're playing
(Let's sway)
(Let's sway) under the moonlight, this serious moonlight

(Let's dance)
(Let's)
(Let's)
(Let's)
(Let's sway)
(Let's)
Let's dance, let's dance, let's dance, let's dance, let's dance
(Let's dance)
Let's sway
Let's sway
Let's dance, let's dance, let's dance, let's dance, let's dance
(Let's dance)
(Let's dance)
(Let's dance)
(Let's dance)

A versão de David Bowie:

A versão de Martin Miller Session Band:

A versão do HSCC:

2398 – The Romantics – Talking in Your Sleep (1983)

Escrita coletivamente por Coz Canler, Jimmy Marinos, Wally Palmar, Mike Skill e Peter Solley, “Talking in Your Sleep” foi gravada em meados de 1983. A canção teve seu lançamento oficial como o primeiro single do quarto álbum de estúdio da banda, In Heat, lançado em setembro de 1983 pela Nemperor Records, um selo da CBS. A produção da faixa e de todo o álbum foi assinada por Peter Solley, que capturou a sonoridade enérgica e melódica característica do grupo. Musicalmente, “Talking in Your Sleep” é um dos exemplos mais emblemáticos da New Wave e Power Pop pulsante do início dos anos 1980. A faixa é construída sobre um riff de guitarra rítmico e direto, ganchos melódicos fortes e uma seção rítmica sólida. A letra adota um tom direto e ligeiramente cínico sobre relações amorosas e a sinceridade inesperada das confissões noturnas (“I hear the secrets that you keep / When you're talking in your sleep”). O tom é descontraído e otimista, com a interpretação vocal carismática de Wally Palmar. O pessoal da gravação conta com Wally Palmar (vocais principais, guitarra base), Mike Skill (guitarra solo, vocais de apoio), Coz Canler (guitarra solo, vocais de apoio), Rich Cole (baixo, vocais de apoio) e Jimmy Marinos (bateria, vocais de apoio). Nas paradas de sucesso, “Talking in Your Sleep” obteve excelente desempenho comercial e popularidade, alcançando o 3º lugar na Billboard Hot 100 dos Estados Unidos no início de 1984. O single também atingiu a 1ª posição no Canadá e na parada Hot Dance Club Play da Billboard. O álbum In Heat obteve boa tração comercial, alcançando a posição nº 14 na Billboard 200 dos Estados Unidos e nº 4 na Austrália. Em relação a outras versões e interpretações conhecidas, destaca-se principalmente a versão cover da banda pop britânica Bucks Fizz, lançada em agosto de 1984, que alcançou a 15ª posição na UK Singles Chart no Reino Unido, onde a versão original falhou em chartear. A canção também foi incluída em diversas compilações retrospectivas dedicadas à era New Wave e Power Pop e é frequentemente executada em turnês tributo por músicos colaboradores e fãs de sua música.

A letra:

When you close your eyes and you go to sleep
And it's down to the sound of a heartbeat
I can hear the things that you're dreaming about
When you open up your heart and the truth comes out

You tell me that you want me
You tell me that you need me
You tell me that you love me
And I know that I'm right
'Cause I hear it in the night

I hear the secrets that you keep
When you're talking in your sleep
I hear the secrets that you keep
When you're talking in your sleep

When I hold you in my arms at night
Don't you know you're sleeping in the spotlight
And all your dreams that you keep inside
You're telling me the secrets that you just can't hide

You tell me that you want me
You tell me that you need me
You tell me that you love me
And I know that I'm right
'Cause I hear it in the night

I hear the secrets that you keep
When you're talking in your sleep
I hear the secrets that you keep
When you're talking in your sleep
I hear the secrets that you keep
When you're talking in your sleep
I hear the secrets that you keep
When you're talking in your sleep

When you close your eyes and you fall asleep
Everything about you is a mystery

You tell me that you want me
You tell me that you need me
You tell me that you love me
And I know that I'm right
'Cause I hear it in the night

I hear the secrets that you keep
When you're talking in your sleep
I hear the secrets that you keep
When you're talking in your sleep
I hear the secrets that you keep
When you're talking in your sleep
I hear the secrets that you keep
When you're talking in your sleep
I hear the secrets that you keep
When you're talking in your sleep
I hear the secrets that you keep

A versão dos Romantics:

A versão de Old Station Band:

A versão dos Conniption Fits:

2397 – Michael Sembello – Maniac (1983)

 

Escrita por Michael Sembello e Dennis Matkosky, “Maniac” foi gravada no final de 1982 no Bossa Nova Hotel Studios em Los Angeles, Califórnia. A canção teve seu lançamento oficial primeiramente como o compacto simples (single) de 7 polegadas em abril de 1983 pela Casablanca Records, trazendo no Lado B a faixa “El Doomo”. Simultaneamente, a faixa foi incluída na trilha sonora do filme Flashdance (Flashdance: Original Soundtrack from the Motion Picture), lançada em 11 de abril de 1983. Posteriormente, a canção abriu o álbum solo de Michael Sembello, Bossa Nova Hotel, lançado em maio de 1983 pela Warner Bros. Records. A produção da faixa e do álbum foi assinada por Phil Ramone. Musicalmente, “Maniac” é um dos exemplos mais emblemáticos do Synth-Pop e Dance-Rock de alta energia do início dos anos 1980. A faixa é construída sobre uma linha de baixo sintetizada acelerada, arpejos de sintetizador marcantes, ritmos de bateria eletrônica mecânicos e um solo de guitarra agressivo executado pelo próprio Sembello. A letra retrata a dedicação obsessiva e quase frenética de uma dançarina em busca do seu sonho (“She's a maniac, maniac on the floor / And she's dancing like she's never danced before”). O personnel da gravação conta com Michael Sembello (vocais principais, guitarra), Dennis Matkosky (teclados, sintetizadores), Carlos Vega (bateria), Nathan East (baixo) e Phil Ramone (produção). Nas paradas de sucesso, “Maniac” tornou-se um fenômeno global. Alcançou o 1º lugar na Billboard Hot 100 nos Estados Unidos em 10 de setembro de 1983, onde permaneceu por duas semanas consecutivas. No Reino Unido, o single atingiu a 43ª posição na UK Singles Chart. A trilha sonora de Flashdance alcançou o 1º lugar na Billboard 200 americana e vendeu milhões de cópias mundialmente, enquanto o álbum Bossa Nova Hotel chegou à 32ª posição nos EUA. Em relação a outras versões e interpretações conhecidas, a música originalmente tinha uma letra totalmente diferente sobre um assassino em série (inspirada no filme de terror Maniac, de 1980), mas teve seu texto completamente reformulado a pedido do produtor Phil Ramone para se encaixar no enredo de Flashdance. A canção chegou a ser indicada ao Oscar de Melhor Canção Original em 1984, mas a indicação foi cancelada porque a música não havia sido composta exclusivamente para o filme. Ao longo das décadas, "Maniac" ganhou diversas regravações, desde bandas de heavy metal como Avantasia e Carpenter Brut até nomes do pop, além de marcar presença constante em comerciais, jogos eletrônicos e filmes.

A letra:

Just a steel town girl on a Saturday night
Lookin' for the fight of her life
In the real time world no one sees her at all
They all say she's crazy

Locking rhythms to the beat of her heart
Changing movement into light
She has danced into the danger zone
When the dancer becomes the dance

It can cut you like a knife
If the gift becomes the fire
On a wire between will and what will be

She's a maniac, maniac on the floor
And she's dancing like she's never danced before
She's a maniac, maniac on the floor
And she's dancing like she's never danced before

On the ice-blue line of insanity
Is a place most never see
It's a hard-won place of mystery
Touch it, but can't hold it

You work all your life for that moment in time
It could come or pass you by
It's a push-shove world, but there's always a chance
If the hunger stays the night

There's a cold kinetic heat
Struggling, stretching for the beat
Never stopping with her hair against the wind

She's a maniac, maniac, at your door
And she's dancing like she's never danced before
She's a maniac, maniac, at your door
And she's dancing like she's never danced before

It can cut you like a knife
If the gift becomes the fire
On a wire between will and what will be

She's a maniac, maniac, at your door (at your door)
And she's dancing like she's never danced before
She's a maniac, maniac, at your door
And she's dancing like she's never danced before
Maniac, maniac, at your door
And she's dancing like she's never danced before

A versão de Michael Sembello:

A versão de HSCC:

A versão de Pomplamoose:

2396 – Johnny Cash & June Carter Cash – Brand New Dance (1983)

 

Escrita pelo aclamado compositor britânico Paul Kennerley, “Brand New Dance” foi gravada em fevereiro de 1983 nas sessões de estúdio do Cash Cabin Studio em Hendersonville, Tennessee. A canção teve seu lançamento oficial primeiramente como a faixa nº 8 do álbum de estúdio Johnny Cash is Coming to Town, lançado mundialmente em 13 de abril de 1987 pela Mercury Records. Embora gravada durante o conturbado período de transição da carreira de Cash na Columbia Records no início dos anos 1980, a faixa permaneceu arquivada até que o projeto Brand New Dance foi retrabalhado. Posteriormente, a canção foi lançada como a faixa-título e segundo single oficial do álbum Brand New Dance, lançado internacionalmente em 15 de outubro de 1990.

Musicalmente, “Brand New Dance” é uma emotiva e compassada balada Country-Folk que resgata a química vocal atemporal entre Johnny Cash e sua esposa, June Carter Cash. A faixa combina arranjos acústicos tradicionais com harmonias vocais entrelaçadas, impulsionadas pelo violão ritmado de Cash e toques delicados de bandolim e auto-harpa. A letra adota um tom poético e romântico para abordar a renovação do amor, o companheirismo e a superação dos percalços da vida através de uma dança compartilhada (“It’s a brand new dance, but an old romance”). O personnel da gravação conta com Johnny Cash (vocais principais e violão), June Carter Cash (vocais de apoio), Marty Stuart (guitarra e bandolim), Bob Wootton (guitarra solo), Earl Poole Ball (piano), W.S. Holland (bateria) e Roy Huskey Jr. (baixo acústico).

Nas paradas de sucesso, quando lançada oficialmente como single pela Mercury Records no final de 1990, a canção teve uma recepção discreta nas rádios comerciais, não alcançando o Top 40 do gráfico Hot Country Songs da Billboard nos Estados Unidos, refletindo a fase em que o country tradicional enfrentava menor espaço na programação mainstream antes da revolução do American Recordings. Contudo, o álbum Brand New Dance (1990) manteve uma recepção crítica calorosa e acolhedora por parte dos fãs da música de raiz americana.

Em relação a outras versões e interpretações conhecidas, a música manteve-se no repertório de apresentações ao vivo do casal Cash durante o final dos anos 1980 e ao longo da década de 1990. A faixa foi republicada em coleções retrospectivas do catálogo da Mercury Records e em compilações focadas nos duetos lendários de Johnny Cash e June Carter, como Duets (1999) e a caixa especial The Legend (2005).

 

A letra:

 

Baby you're tired I can see in your eyes I know how you feel
We've been together too long to conceal
What's in our hearts maybe we should part but after so many years
That would only bring loneliness sorrow and tears and anyway

I never could never would never will ever kill what's between us
So let's try again we'll start a brand new dance between ol' friends

There will always be days when it don't seem to pay when it just doesn't rhyme
Well it's bound to happen some of the time
Our best days ain't gone we don't need to move on well maybe we could try
But I don't think you ould make it and neither could I and anyway
I never could...

Baby come here love ain't disappeared you're just feelin' low
And let me tell you my darlin' it's a feelin' I know
It don't mean too much we just got out of touch well that's easy to change
Cause lovin' you ain't too hard to arrange and anyway

I never could never would never will ever kill what's between us...

 

A versão de Johnny Cash e June Carter:

 

2395 – Culture Club – Do You Really Want to Hurt Me (1983)

 

Embora lançada originalmente no Reino Unido em setembro de 1982, "Do You Really Want to Hurt Me" teve seu impacto global massivo e permanência nas paradas de sucesso consolidada ao longo de 1983. A canção foi escrita inteiramente por Boy George, Roy Hay, Mikey Craig e Jon Moss, e gravada no início de 1982 nos Red Bus Studios em Londres. Ela foi lançada como o terceiro single do álbum de estúdio de estreia da banda, Kissing to Be Clever, lançado mundialmente em 8 de outubro de 1982 pela Virgin Records (Reino Unido) e Epic Records (EUA/Canadá). A produção foi assinada por Steve Levine, que capturou a sonoridade polida e eclética do grupo. Musicalmente, "Do You Really Want to Hurt Me" é um exemplo seminal da New Wave com forte infusão de Reggae e Lovers Rock, misturando melancolia com um ritmo dançante e suave. A faixa é construída sobre uma linha de baixo de Mikey Craig influenciada pelo reggae, guitarras rítmicas de Roy Hay e teclados sutis. A voz andrógina e emotiva de Boy George é o ponto focal, entregando uma performance vulnerável sobre desilusão amorosa e a dor do amor não correspondido (“Do you really want to hurt me / Do you really want to make me cry”). O pessoal da gravação conta com Boy George (vocais principais), Roy Hay (guitarra, teclados), Mikey Craig (baixo), Jon Moss (bateria, percussão), além de Helen Terry nos vocais de apoio e saxofone. Nas paradas de sucesso, a canção obteve um desempenho espetacular mundialmente, alcançando o 1º lugar na UK Singles Chart no Reino Unido por três semanas em outubro de 1982. Nos Estados Unidos, o single foi lançado em novembro de 1982 e atingiu a posição nº 2 na Billboard Hot 100 em março de 1983, permanecendo no topo das paradas comerciais durante grande parte do ano. O álbum Kissing to Be Clever alcançou a posição nº 5 na Billboard 200 dos Estados Unidos e nº 5 na UK Albums Chart no Reino Unido, consolidando o Culture Club como uma das bandas mais populares do período. Em relação a outras versões e interpretações conhecidas, a canção foi executada com frequência durante as turnês "Kiss Across the Ocean" e "Colour by Numbers" que promoveram os primeiros álbuns da banda, e registros ao vivo dessa época estão disponíveis no álbum e filme A Kiss Across the Ocean (1984). "Do You Really Want to Hurt Me" foi incluída em diversas compilações retrospectivas dedicadas à era New Wave e pop-reggae e é valorizada pelos fãs como um dos grandes clássicos melódicos do catálogo do Culture Club.

A letra:

Give me time to realize my crime
Let me love and steal
I have danced inside your eyes
How can I be real?

Do you really want to hurt me?
Do you really want to make me cry?
Precious kisses, words that burn me
Lovers never ask you why

In my heart the fire is burning
Choose my color, find a star
Precious people always tell me
That's a step, a step too far

Do you really want to hurt me?
Do you really want to make me cry?
Do you really want to hurt me?
Do you really want to make me cry?

Words are few I have spoken
I could waste a thousand years
Wrapped in sorrow, words are token
Come inside and catch my tears
You've been talking but believe me
If it's true you do not know
This boy loves without a reason
I'm prepared to let you go

If it's love you want from me
Then take it away
Everything's not what you see
It's over again

Do you really want to hurt me?
Do you really want to make me cry?
Do you really want to hurt me?
Do you really want to make me cry?

Do you really want to hurt me?
Do you really want to make me cry?
Do you really want to hurt me?
Do you really want to make me cry?
Do you really want to hurt me?
Do you really want to make me cry?

A versão do Culture Club:

A versão de Scott Matthew:

A versão de Mathilde Leah: