2437 – Bruce Springsteen – I'm Goin' Down (1984)

 

Escrita inteiramente por Bruce Springsteen, “I'm Goin' Down” foi gravada em maio de 1982 no estúdio The Power Station, em Nova York, durante as concorridas sessões que deram origem ao repertório de Born in the U.S.A.. A faixa foi lançada mundialmente em 4 de junho de 1984 como a terceira canção do lado B do álbum e, em agosto de 1985, foi editada pela Columbia Records como o sexto single oficial de divulgação do disco, trazendo no Lado B a inédita “Janey, Don't You Lose Heart”. A produção foi assinada em conjunto por Bruce Springsteen, Jon Landau, Chuck Plotkin e Steve Van Zandt. Musicalmente, a faixa aposta em uma levada enérgica e contagiante de Rock and Roll e Rockabilly, marcada pela batida dançante de Max Weinberg, o baixo pulsante de Garry Tallent e o piano saltitante de Roy Bittan. O arranjo atinge seu ponto alto no exuberante solo de saxofone de Clarence Clemons e nas vocalizações descontraídas de Springsteen no final. A canção estabelece um forte contraste entre o instrumental festivo e uma lírica focada no desgaste afetivo, retratando o esfriamento da paixão em um relacionamento e o tédio das pequenas frustrações domésticas (“We sit down on the couch, you turn on the TV / Then you look at me like you don't even see me / I'm goin' down, down, down, down / I'm goin' down”). O pessoal da gravação conta com Bruce Springsteen (vocais principais, guitarra), Roy Bittan (piano), Clarence Clemons (saxofone, percussão, vocais de apoio), Danny Federici (órgão), Garry Tallent (baixo) e Max Weinberg (bateria). Nas paradas de sucesso, “I'm Goin' Down” manteve o feito histórico do álbum ao se tornar o sexto compacto consecutivo de Born in the U.S.A. a ingressar no Top 10 da Billboard Hot 100 nos Estados Unidos, onde atingiu a 9ª posição. Na Europa, a faixa teve bom desempenho nas paradas britânicas, chegando à 29ª colocação na UK Singles Chart. Em relação a outras versões e execuções conhecidas, a música era um momento de grande descontração nos palcos durante a Born in the U.S.A. Tour, voltando a aparecer em apresentações especiais de turnês posteriores. A canção também foi reinterpretada por bandas da cena independente e alternativa, com destaque para a versão ao vivo gravada pelo Vampire Weekend e releituras de artistas como Free Energy e Frank Turner.

A letra:

We sit in the car outside your house you're quiet
I can feel the heat coming around
I go to put my arm around you
And you give me a look like I'm way out of bounds
Well, you let out one of your bored sighs
Well, lately when I look into your eyes

I'm goin' down, down, down, down
I'm goin' down, down, down, down
I'm goin' down, down, down, down
I'm goin' down, down, down, down

We get dressed up, and we go out, baby, for the night
We come home early burning, burning in some fire fight
I'm sick and tired of you setting me up, yeah
Setting me up just to knock-a knock-a knock-a me down
Down, down, down

I'm goin' down, down, down, down
I'm goin' down, down, down, down
I'm goin' down, down, down, down
I'm goin' down, down, down, down

I pull you close now, baby, but when we kiss, I can feel a doubt
I remember back when we started
My kisses used to turn you inside out
I used to drive you to work in the morning
Friday night I'd drive you all around
You used to love to drive me wild, yeah
But lately girl you get your kicks from just driving me down
Down, down, down

I'm goin' down, down, down, down
I'm goin' down, down, down, down
I'm goin' down, down, down, down
I'm goin' down, down, down, down

A versão de Bruce Springsteen:

A versão de Vampire Weekend:

A versão de Alex Hamel:

2436 – U2 – Bad (1984)

 

Creditada conjuntamente a Bono, The Edge, Adam Clayton e Larry Mullen Jr., com letra de Bono, “Bad” foi desenvolvida a partir de uma progressão de acordes improvisada por The Edge durante uma jam session no Slane Castle, no Condado de Meath. As gravações continuaram no Windmill Lane Studios, em Dublin, onde a faixa foi finalizada em uma tomada visceral e quase inteiramente orgânica. A canção teve seu lançamento oficial em 1 de outubro de 1984 como a sétima faixa do quarto álbum de estúdio do grupo, The Unforgettable Fire, editado pela gravadora Island Records sob a produção de Brian Eno e Daniel Lanois. Musicalmente, a faixa é um dos maiores ápices do Rock Alternativo e Ambient Rock da década de 1980, construída sobre um crescendo dramático de mais de seis minutos. A canção inicia com um padrão de arpejos limpos em delay na guitarra Fender Stratocaster de The Edge, acompanhado por um sequenciador analógico discreto programado por Brian Eno. Aos poucos, entram a linha de baixo circular de Adam Clayton e a pulsação disciplinada da bateria de Larry Mullen Jr., enquanto os vocais de Bono transitam de um sussurro contido até um clímax apoteótico e rasgado. A letra retrata de forma crua o impacto devastador da dependência de heroína, que atingia duramente amigos próximos da banda e jovens da periferia de Dublin no início dos anos 1980, abordando temas de aprisionamento, desespero e o anseio desesperado por libertação (“If I could, yes I would / If I could, I would let it go / Surrender, dislocate”). O pessoal da gravação conta com Bono (vocais principais), The Edge (guitarras), Adam Clayton (baixo), Larry Mullen Jr. (bateria) e Brian Eno (sintetizadores, programação). Nas paradas de sucesso, a versão de estúdio não foi lançada como single comercial regular para as paradas pop. No entanto, tornou-se presença constante nas emissoras de Rock Orientado a Álbum nos Estados Unidos, ajudando a impulsionar o álbum The Unforgettable Fire para o 1º lugar na UK Albums Chart no Reino Unido e o 12º lugar na Billboard 200 norte-americana. Em relação a outras versões e execuções históricas, a canção ganhou status lendário nos palcos. O registro ao vivo gravado no National Exhibition Centre em Birmingham, em novembro de 1984, foi editado no ano seguinte como faixa principal do influente EP Wide Awake in America (1985), produzido por Ron St. Germain. Em julho de 1985, a eletrizante performance de doze minutos no festival Live Aid, no Wembley Stadium em Londres, na qual Bono desceu do palco para dançar com uma jovem na plateia, transformou-se no momento definidor da consagração mundial do U2 como uma das maiores bandas de estádio do planeta.

A letra:

If you twist and turn away
If you tear yourself in two again
If I could, yes I would
If I could, I would
Let it go
Surrender
Dislocate

If I could throw this lifeless lifeline to the wind
Leave this heart of clay
See you walk, walk away
Into the night
And through the rain
Into the half-light
And through the flame

If I could through myself
Set your spirit free, I'd lead your heart away
See you break, break away
Into the light
And to the day

Ooh, ooh, ooh, ooh
Ooh, ooh, ooh, ooh
To let it go
And so to fade away
To let it go
And so, fade away

Wide awake
I'm wide awake
Wide awake
I'm not sleeping
Oh, no, no, no

If you should ask then maybe they'd
Tell you what I would say
True colors fly in blue and black
Bruised silken sky and burning flag
Colors crash, collide in bloodshot eyes

Ooh, ooh, ooh, ooh, ooh, ooh
If I could, you know I would, if I could, I would
Let it go

This desperation
Dislocation
Separation, condemnation
Revelation in temptation
Isolation, desolation
Let it go

And so fade away
To let it go
And so fade away
To let it go
Oh now, and so to fade away

I'm wide awake
I'm wide awake
Wide awake
I'm not sleeping
Oh, no, no, no

A versão do U2:

A versão de Marc Martel:

A versão de Zander Bleck:

2435 – The Smiths – The Hand That Rocks the Cradle (1984)

 

Escrita por Morrissey (letra) e Johnny Marr (música), “The Hand That Rocks the Cradle” foi uma das primeiríssimas canções compostas pela dupla no segundo semestre de 1982. A faixa foi registrada inicialmente em sessões com o produtor Troy Tate no Elephant Studios, em Londres, mas essa versão acabou descartada quando a banda regravou quase todo o repertório de estreia com o produtor John Porter no Pluto Studios, em Manchester, entre o final de 1983 e janeiro de 1984. A canção teve seu lançamento oficial em 20 de fevereiro de 1984 como a sétima faixa do primeiro álbum de estúdio do grupo, The Smiths, editado pelo selo Rough Trade. Musicalmente, a faixa afasta-se da urgência rítmica de outras composições do disco, apresentando uma estrutura delicada e hipnótica de Indie Pop e Folk Rock com andamento lento. A harmonia instrumental apoia-se em dedilhados complexos e fluidos da guitarra de Johnny Marr, que revelam clara inspiração estilística nos padrões circulares e climáticos de “Kimberly”, de Patti Smith. A linha de baixo melódica de Andy Rourke sustenta a harmonia com sutileza, complementada pelo toque suave e cadenciado de Mike Joyce na bateria. Nos vocais, Morrissey adota um tom comedido e sussurrado, equilibrando afeto, possessividade e melancolia. A letra gira em torno da figura de um cuidador ou guardião noturno vigiando o sono de uma criança, abordando promessas de proteção e consolo em contraste com sentimentos ambíguos de fragilidade e dependência emocional. O pessoal da gravação conta com Morrissey (vocais principais), Johnny Marr (guitarras), Andy Rourke (baixo) e Mike Joyce (bateria). Nas paradas de sucesso, a canção não foi lançada como single avulso comercial para as tabelas britânicas ou da Billboard nos Estados Unidos, funcionando como uma das peças mais íntimas e reflexivas do lado B do vinil. O álbum homônimo de estreia foi um enorme marco para a música independente, alcançando a 2ª posição na UK Albums Chart no Reino Unido e permanecendo por trinta e três semanas na parada, consolidando de imediato o impacto da banda na cena do rock alternativo internacional. Em relação a outras versões e registros conhecidos, a gravação primitiva produzida por Troy Tate circulou amplamente durante anos em fitas demo não oficiais até ser disponibilizada em edições raras e materiais de arquivo da banda. A faixa também foi registrada nas sessões da BBC Radio 1 para o programa de John Peel e foi executada nos primeiros shows do grupo entre 1983 e 1984, antes de ser gradualmente retirada dos concertos conforme o repertório do quarteto se expandia.

A letra:

Please don't cry
For the ghost and the storm outside
Will not invade this sacred shrine
Nor infiltrate your mind

My life down I shall lie
If the bogey-man should try
To play tricks on your sacred mind
To tease, torment, and tantalize

Wavering shadows loom
A piano plays in an empty room
There'll be blood on the cleaver tonight
And when darkness lifts and the room is bright
I'll still be by your side
For you are all that matters
And I'll love you till the day I die

There never need be longing in your eyes
As long as the hand that rocks the cradle is mine

Ceiling shadows shimmy by
And when the wardrobe towers like a beast of prey
There's sadness in your beautiful eyes
Oh, your untouched, unsoiled, wondrous eyes

My life down I shall lie
Should restless spirits try
To play tricks on your sacred mind
I once had a child, and it saved my life

And I never even asked his name
I just looked into his wondrous eyes
And said, "Never, never, never again"
And all too soon I did return
Just like a moth to a flame

So rattle my bones all over the stones
I'm only a beggar-man whom nobody owns
Oh, see how words as old as sin
Fit me like a glove

I'm here and here I'll stay
Together we lie, together we pray

There never need be longing in your eyes
As long as the hand that rocks the cradle is mine
As long as the hand that rocks the cradle is mine, mine

Climb up on my knee, sonny boy
Although you're only three, sonny boy
You're, you're mine
And your mother she just never knew
Oh, your mother
As long, as long, as long
I did my best for her
I did my best for her
As long, as long, as long as, as long
I did my best for her
I did my best for her
Mine

A versão dos Smiths:

2434 – R.E.M. – Harborcoat (1984)

 

Creditada conjuntamente a Bill Berry, Peter Buck, Mike Mills e Michael Stipe, “Harborcoat” foi gravada entre dezembro de 1983 e janeiro de 1984 no Reflection Sound Studios, em Charlotte, Carolina do Norte. A canção teve seu lançamento oficial em 9 de abril de 1984 como a faixa de abertura do segundo álbum de estúdio da banda, Reckoning, editado pela gravadora independente I.R.S. Records. A produção do registro foi assinada pela dupla Mitch Easter e Don Dixon. Musicalmente, a faixa abre o disco em alta rotação, estabelecendo o padrão enérgico do Jangle Pop e do Rock Alternativo que definiu o som do grupo em meados dos anos 1980. A faixa é impulsionada pelos acordes rápidos e brilhantes da guitarra Rickenbacker de Peter Buck, combinados a uma linha de baixo melódica e galopante de Mike Mills e ao ritmo acelerado e constante da bateria de Bill Berry. Destaca-se o sofisticado entrelaçamento vocal no refrão, onde os contrapontos melódicos e harmonias de Mills e Berry respondem à linha vocal principal de Michael Stipe. A letra, tipicamente enigmática e poética, evoca sensações de cerco, vigilância, paranoia e a necessidade de proteção emocional e física em tempos de conflito velado (“There's a barrier to our shores / There's a barrier to our shores / But can't you hear me say / Please, please, please”). O pessoal da gravação conta com Michael Stipe (vocais principais), Peter Buck (guitarra), Mike Mills (baixo, vocais de apoio) e Bill Berry (bateria, vocais de apoio). Nas paradas de sucesso, a canção não foi lançada como single comercial de rádio nas paradas da Billboard Hot 100 ou no Reino Unido, funcionando como uma das faixas mais aclamadas pelos críticos para abrir as programações nas emissoras de College Rock nos Estados Unidos. O álbum Reckoning conquistou grande prestígio internacional, atingindo o 27º lugar na Billboard 200 norte-americana e a 91ª colocação na UK Albums Chart britânica. Em relação a outras versões e registros conhecidos, a canção era presença frequente e enérgica na abertura ou no miolo dos concertos da turnê Little America entre 1984 e 1985, com registros oficiais ao vivo lançados em gravações de arquivo e na edição comemorativa de luxo de Reckoning. Destacam-se também versões brutas capturadas em transmissões lendárias de rádio, como o concerto no Rockpalast na Alemanha em 1985, além de gravações demo de estúdio que mostram o arranjo vocal sendo lapidado nos ensaios.

A letra:

They crowded up to Lenin with their noses worn off
A handshake is worthy if it's all that you've got
Metal shivs on wood push through our back
There's a splinter in your eye and it reads, "React"

They shifted the statues for harboring ghosts
Reddened their necks, collared their clothes
Then we danced the dance 'til the menace got out
She gathered the corners and called it her gown
She said

Oh, please, find my harborcoat
Can't go outside without it
Find my harborcoat
Can't go outside without it

They crowded up to Lenin with their noses worn off
A handshake is worthy if it's all that you've got
Metal shivs on wood push through our back
There's a splinter in your eye and it reads, "React"
R-E-A-C-T

Oh, please, find my harborcoat
Can't go outside without it
Find my harborcoat
Can't go outside without it

They shifted the statues for harboring ghosts
Reddened their necks and collared their clothes
Then we danced the dance 'til the menace got out
She gathered the corners and called it her gown
She said

Oh, please, find my harborcoat
Can't go outside without it
Find my harborcoat
Can't go outside without it

A versão do R.E.M:

A versão de Built to Spill:

A versão de Michael Shannon:

2433 – Leonard Cohen – Night Comes On (1984)

 

Escrita inteiramente por Leonard Cohen, “Night Comes On” foi gravada no início de 1984 no Larrabee Sound Studios, em Los Angeles, Califórnia. A faixa teve seu lançamento oficial em dezembro de 1984 como a segunda canção do álbum Various Positions, distribuído internacionalmente pela gravadora CBS Records e Columbia Records. A produção da faixa e de todo o disco foi assinada pelo maestro, arranjador e produtor John Lissauer. Musicalmente, a faixa é uma balada contemplativa e solene de Folk Contemporâneo, estruturada em compasso ternário com cadência de valsa lenta. O arranjo é construído sobre o dedilhado delicado de violão acústico, texturas sutis de teclados e sintetizadores discretos arranjados por John Lissauer, além de uma base de percussão contida. Destaca-se a dinâmica vocal entre o registro grave e quase falado de Cohen e as harmonias agudas e etéreas das cantoras de apoio, que conferem uma dimensão quase litúrgica à narrativa. A letra, uma das mais pessoais e autobiográficas da carreira do poeta canadense, evoca a memória de sua mãe recém-falecida, de seu pai e as complexidades dos relacionamentos amorosos e familiares, abordando a mortalidade, o perdão e a coragem necessária para seguir em frente quando a escuridão se aproxima (“She said, 'Go back to the world, my son' / But you come to our house no more / And there's children to look after / And you've got to take care of the war / And night comes on / And you're so alone”). O pessoal da gravação conta com Leonard Cohen (vocais principais, violão acústico), John Lissauer (teclados, arranjos) e vocais de apoio de Anjani Thomas e backing vocalists de estúdio. Nas paradas de sucesso, a canção não foi promovida como single comercial avulso nas tabelas da Billboard nos Estados Unidos ou no Reino Unido, integrando o corpo lírico e temático de Various Positions. O álbum obteve sólida receptividade na Europa e no Canadá, atingindo o 24º lugar na UK Albums Chart britânica, a despeito da recusa do então presidente da Columbia Records, Walter Yetnikoff, em lançar o disco originalmente em território norte-americano na época de sua estreia. Em relação a outras versões e apresentações, “Night Comes On” tornou-se uma das canções favoritas do próprio Cohen, que a executou regularmente em turnês mundiais memoráveis, incluindo registros aclamados na turnê de 1985 e, décadas mais tarde, nos concertos da turnê mundial registrada no álbum ao vivo Live in Dublin (2014). Ao longo dos anos, a canção também recebeu regravações sensíveis de artistas do cenário folk e alternativo, com destaque para a versão do grupo americano The Walkabouts e do cantor e compositor dinamarquês Nikolaj Nørlund.

A letra:

I went down to the place
Where I knew she lay waiting
Under the marble and the snow
I said, Mother I'm frightened
The thunder and the lightning
I'll never come through this alone
She said, I'll be with you
My shawl wrapped around you
My hand on your head when you go
And the night came on
It was very calm
I wanted the night to go on and on
But she said, Go back, Go back to the World

We were fighting in Egypt
When they signed this agreement
That nobody else had to die
There was this terrible sound
My father went down
With a terrible wound in his side
He said, Try to go on
Take my books, take my gun
Remember, my son, how they lied
And the night comes on
It's very calm
I'd like to pretend that my father was wrong
But you don't want to lie, not to the young

We were locked in this kitchen
I took to religion
And I wondered how long she would stay
I needed so much
To have nothing to touch
I've always been greedy that way
But my son and my daughter
Climbed out of the water
Crying, Papa, you promised to play
And they lead me away
To the great surprise
It's Papa, don't peek, Papa, cover your eyes
And they hide, they hide in the World

Now I look for her always
I'm lost in this calling
I'm tied to the threads of some prayer
Saying, When will she summon me
When will she come to me
What must I do to prepare
When she bends to my longing
Like a willow, like a fountain
She stands in the luminous air
And the night comes on
And it's very calm
I lie in her arms she says, When I'm gone
I'll be yours, yours for a song

Now the crickets are singing
The vesper bells ringing
The cat's curled asleep in his chair
I'll go down to Bill's Bar
I can make it that far
And I'll see if my friends are still there
Yes, and here's to the few
Who forgive what you do
And the fewer who don't even care
And the night comes on
It's very calm
I want to cross over, I want to go home
But she says, Go back, go back to the World

A versão de Leonard Cohen:

A versão de Judy Collins:

A versão de Jennifer Warnes:

2432 – John Lennon – Grow Old with Me (1984)

 

Escrita inteiramente por John Lennon, “Grow Old with Me” foi composta em meados de 1980 durante as férias do músico nas Bermudas. A inspiração surgiu a partir do poema “Rabbi Ben Ezra”, de Robert Browning, e do diálogo com a composição de Yoko Ono intitulada “Let Me Count the Ways”, inspirada por sua vez na poetisa Elizabeth Barrett Browning. A canção não chegou a receber uma gravação formal de estúdio antes do assassinato de Lennon em dezembro de 1980. O registro que veio a público foi extraído diretamente de uma fita cassete demo gravada por Lennon no quarto de seu apartamento no edifício Dakota, em Nova York, utilizando um gravador portátil e um piano elétrico acompanhado por uma caixa de ritmos rudimentar. A faixa foi lançada oficialmente em janeiro de 1984 como a décima segunda e última canção do álbum póstumo Milk and Honey, editado pela gravadora Polydor sob a supervisão e produção póstuma de Yoko Ono. Musicalmente, a faixa preserva a essência pura e despojada de uma gravação caseira, situando-se no terreno da balada acústica e do Soft Rock intimista. A estrutura melódica remete aos hinos clássicos de devoção e canções matrimoniais, conduzida pelos acordes sinceros do piano e pela voz frágil e emotiva de Lennon, entrecortada pelo chiado característico da fita magnética original. A letra é uma promessa solene de amor eterno, maturidade partilhada e companheirismo até o fim dos dias, tornando-se tragicamente premonitória diante da brevidade de sua vida (“Grow old along with me / The best is yet to be / When our time has come / We will be as one”). O pessoal da gravação conta exclusivamente com John Lennon nos vocais e piano elétrico com caixa de ritmos doméstica acoplada. Nas paradas de sucesso, a canção não foi lançada como single comercial de rádio nas paradas da Billboard Hot 100 nem no Reino Unido, servindo como o momento de despedida mais comovente do álbum Milk and Honey. O disco alcançou expressivo êxito comercial e crítico, chegando ao 3º lugar na UK Albums Chart britânica e à 11ª posição na Billboard 200 dos Estados Unidos, recebendo grande comoção pública em razão do caráter inacabado e sincero do material deixado por Lennon. Em relação a outras versões e desdobramentos, a gravação em fita cassete foi entregue por Yoko Ono em 1994 aos três Beatles remanescentes (Paul McCartney, George Harrison e Ringo Starr) durante as sessões do projeto The Beatles Anthology, para que fosse considerada ao lado de “Free as a Bird” e “Real Love”. No entanto, devido à qualidade precária do áudio original e à falta de tempo hábil para restauração naquele momento, a ideia não foi adiante. Posteriormente, em 1998, o lendário produtor George Martin criou um arranjo orquestral completo em torno da voz original de Lennon para a caixa retrospectiva John Lennon Anthology. Em 2019, Ringo Starr gravou uma versão oficial de estúdio para seu álbum What's My Name, com a participação de Paul McCartney no baixo e vocais de apoio, cumprindo de forma simbólica a reunião beatle em torno da canção.

A letra:

Grow old along with me
The best is yet to be
When our time has come

We will be as one
God bless our love

God bless our love

Grow old along with me
Two branches of one tree
Face the setting sun
When the day is done
God bless our love
God bless our love

Spending our lives together
Man and wife together
World without end
World without end

Grow old along with me
Whatever fate decrees
We will see it through
For our love is true

God bless our love
God bless our love

A versão de John Lennon:

A versão de Anne Moses Band:

A versão de Chris Murphy:

2431 – Bruce Springsteen – I'm on Fire (1984)

 

Escrita inteiramente por Bruce Springsteen, “I'm on Fire” foi gravada em fevereiro de 1982 no The Power Station, na cidade de Nova York, durante o prolífico período de sessões que gerou tanto o álbum acústico Nebraska quanto o material elétrico de estúdio. A canção surgiu de forma quase espontânea no estúdio, quando Springsteen começou a dedilhar um ritmo lento na guitarra e a banda encontrou uma levada minimalista para acompanhar. Lançada originalmente em 4 de junho de 1984 como parte do álbum Born in the U.S.A., a faixa foi editada pela Columbia Records em fevereiro de 1985 como o quarto single oficial do disco, trazendo no Lado B a canção “Johnny Bye-Bye”. A produção foi assinada em conjunto por Bruce Springsteen, Jon Landau, Chuck Plotkin e Steve Van Zandt. Musicalmente, a faixa destaca-se como uma das gravações mais contidas, tensas e atmosféricas de toda a carreira de Springsteen, afastando-se do som grandioso das arenas para construir um Heartland Rock minimalista com forte influência de Rockabilly soturno. O arranjo apoia-se em uma batida seca e precisa de Max Weinberg tocada com vassourinhas ou baquetas abafadas, o baixo contido de Garry Tallent e os sintetizadores discretos e frios de Roy Bittan, sobre os quais se destaca o dedilhado sussurrado da guitarra de Springsteen. A letra retrata a obsessão, o desejo reprimido e a angústia noturna de uma paixão proibida e incontrolável (“Hey little girl, is your daddy home? / Did he go and leave you all alone? / I got a bad desire / Oh, oh, oh, I'm on fire”). O pessoal da gravação conta com Bruce Springsteen (vocais principais, guitarra), Roy Bittan (sintetizadores), Garry Tallent (baixo) e Max Weinberg (bateria). Nas paradas de sucesso, “I'm on Fire” manteve o avassalador domínio comercial do álbum, atingindo a 6ª posição na Billboard Hot 100 nos Estados Unidos e a 5ª colocação na UK Singles Chart britânica. O single foi acompanhado por um dos primeiros videoclipes narrativos de Springsteen a receber alta rotação na MTV, dirigido por John Sayles, no qual o músico interpreta um mecânico de automóveis encarregado de consertar o carro de uma mulher rica e atraente, rendendo-lhe o prêmio de Melhor Vídeo Masculino no MTV Video Music Awards de 1985. Em relação a outras versões e interpretações conhecidas, a faixa tornou-se um dos clássicos mais regravados e celebrados do repertório de Springsteen. Ganhou releituras aclamadas de artistas dos mais diversos gêneros, incluindo a versão sombria da cantora norte-americana Bat for Lashes, a interpretação folk de Johnny Cash, além de versões gravadas por Chromatics, Mumford and Sons, Soccer Mommy e John Mayer. Nos palcos, permaneceu como momento de grande intimidade e intensidade dramática durante as turnês da E Street Band.

A letra:

Hey, little girl, is your daddy home?
Did he go away and leave you all alone?
I got a bad desire

Oh, oh, oh
I'm on fire

Tell me now, baby, is he good to you?
And can he do to you the things that I do?
Oh no, I can take you higher

Oh, oh, oh
I'm on fire

Sometimes it's like someone took a knife, baby, edgy and dull
And cut a six-inch valley through the middle of my skull
At night, I wake up with the sheets soakin' wet
And a freight train runnin' through the middle of my head
Only you can cool my desire

Oh, oh, oh
I'm on fire
Oh, oh, oh
I'm on fire
Oh, oh, oh
I'm on fire

Ooh-ooh, ooh
Ooh-ooh, ooh-ooh
Ooh-ooh-ooh, ooh-ooh
Ooh, ooh, ooh, ooh-ooh
Ooh-ooh-ooh, ooh-ooh

A versão de Bruce Springsteen:

A versão de Mumford and Sons:

A versão de Josh Turner e Carson McKee:

 

2430 – U2 – Elvis Presley and America (1984)

 

Creditada coletivamente a Bono, The Edge, Adam Clayton e Larry Mullen Jr., com letra de Bono, “Elvis Presley and America” foi concebida e gravada entre maio e agosto de 1984 durante as sessões no Slane Castle e no Windmill Lane Studios, em Dublin. A faixa foi construída a partir de uma base instrumental desacelerada de “A Sort of Homecoming”, sobre a qual Bono improvisou vocais em uma única tomada contínua. A canção foi lançada oficialmente em 1 de outubro de 1984 como a nona faixa do quarto álbum de estúdio da banda, The Unforgettable Fire, pela gravadora Island Records. A produção foi assinada pela dupla Brian Eno e Daniel Lanois. Musicalmente, a faixa representa um dos experimentos mais radicais e divisivos da discografia do grupo, aproximando-se do Ambient Rock e da música de colagem sonora. A gravação é estruturada sobre o andamento arrastado da bateria eletrônica e acústica de Larry Mullen Jr., o baixo denso e hipnótico de Adam Clayton e as camadas difusas de guitarras repletas de eco de The Edge, manipuladas e processadas por Brian Eno. Sem uma estrutura melódica tradicional de verso e refrão, a canção sustenta-se pelo fluxo de consciência vocal de Bono, que murmura e uiva palavras quase ininteligíveis. A letra aborda a ascensão, a adulação pública e a decadência trágica de Elvis Presley como um símbolo do sonho americano corrompido pela fama e pelo isolamento (“And so fade away / To black and white, and blue and grey / And so you went away / Outside the rain”). O pessoal da gravação conta com Bono (vocais principais), The Edge (guitarras), Adam Clayton (baixo), Larry Mullen Jr. (bateria) e Brian Eno (tratamentos sonoros, sintetizadores). Nas paradas de sucesso, a canção não foi editada comercialmente como single avulso nas tabelas da Billboard ou no Reino Unido, integrando o lado mais experimental e textural da segunda metade do vinil. O álbum The Unforgettable Fire obteve enorme consagração crítica e comercial, atingindo o 1º lugar na UK Albums Chart no Reino Unido e o 12º lugar na Billboard 200 dos Estados Unidos, ampliando os limites estilísticos do grupo no rock internacional. Em relação a outras versões e execuções conhecidas, devido ao seu caráter estritamente improvisado e à ausência de uma métrica vocal formal, a faixa raramente foi apresentada ao vivo pela banda na íntegra, com trechos melódicos sendo ocasionalmente citados de forma sutil durante extensões ao vivo de “Bad”. A canção divide opiniões entre críticos e fãs, sendo apontada por alguns como um devaneio inacabado e celebrada por outros como uma das peças sonoras mais cruas, corajosas e atmosféricas do período de colaboração com Brian Eno.

A letra:

(Black flash)
Black flash over my own love
Tell me of my eyes
Black flash come though my own life
Telling these things
And I believe them
And I believe in you

White flash sees the sky
And it turns its side from you
She won't turn my back
And I know you turn so blue
And you know
And your sky is feeling blue
And your heart
So cold when I'm with you
And you feel
Like no one told you to
And your time is your side
And your time with me
Ah, don't talk to me
Ah, don't talk to me
Don't talk to me

You know
Like no one told you how
But you know
Though the king that howls has howled
But you feel like sentimental
But you don't care
If I just share it in your heart
(Heart...)

Hopelessly
So hopelessly
I'm breaking through for you and me
And you don't
Though no one told you to
And you found out
Where you were going, where to
You're through with me
But I know that you will be back
For more

You know
And though no one told you so
And you know, blue sky
Like a harder shade of blue
And you walk
When you want
To let go
Me, I'm the outside, tell me fade away
Drop me down but don't break me
In your sleep

In your sleep, inside
It's in your heart and mine
Whole sea is dark
It's in your heart and mine

Sweetly, those will come
Loving is on your side walking through
So let me in your heart
Your beat is like something

They
Run
See say you're sad and reach by
So say you're sad above beside
Oh stay you're sad over midnight
So stay sad above we said

You know I don't
No one told you how
(And you don't)
(And you wipe sweat off your white brow)
And you care
And no one told you tried
And your heart
Is left out from the side

And the rain beats down
And the shame goes down
And this rain keeps on coming down
And this sky
Tonight

You know "S" "O" "N" "G", why
You're going go join to God
You know "S" "O" "N" "G", why
Give away some him no lie
Give away some my de day no

You know
And though no one told you sky
And you feel
Like you pretend you can
You say go, you live
Go live outside of me
Don't you leave
Don't leave out part of me
Then can feel
Like I feel before
Like I hurt now
And I see the floor
If you pick me up
Bits and pieces on this floor

A versão d U2:

A versão do December:

A versão do 

2429 – The Smiths – Suffer Little Children (1984)

 

Escrita por Morrissey (letra) e Johnny Marr (música), “Suffer Little Children” foi uma das primeiras composições criadas pela dupla logo no início da parceria, em 1982. A versão definitiva de estúdio foi gravada entre o final de 1983 e o início de 1984 no Pluto Studios, em Manchester, sob a produção de John Porter. A faixa foi lançada originalmente em 20 de fevereiro de 1984 como a décima e última faixa do álbum de estreia homônimo da banda, The Smiths, pela gravadora Rough Trade. Três meses depois, em maio de 1984, foi incluída como o Lado B do compacto de 12 polegadas de “Heaven Knows I'm Miserable Now”. Musicalmente, a faixa é uma balada sombria, pungente e de cadência lenta, distanciando-se do ritmo acelerado de outros momentos do disco de estreia. O arranjo é construído sobre os arpejos melancólicos e dedilhados de guitarra limpa de Johnny Marr, sustentados por uma linha de baixo grave e contida de Andy Rourke e a marcação esparsa de Mike Joyce. Ao fundo, ouve-se a risada fantasmagórica gravada pela cantora Lesley Duncan, adicionando uma camada arrepiante ao clima fúnebre. A letra aborda a tragédia real dos assassinatos de crianças e adolescentes nos pântanos de Saddleworth Moors na década de 1960, cometidos por Ian Brady e Myra Hindley, evento que marcou profundamente a infância de Morrissey em Manchester (“Over the moor, take me to the moor / Dig a shallow grave and I'll lay me down / Lesley-Anne, with your pretty white beads / Oh John, you'll never be a man / And you'll never see your home again”). O pessoal da gravação conta com Morrissey (vocais principais), Johnny Marr (guitarras), Andy Rourke (baixo), Mike Joyce (bateria) e Lesley Duncan (efeitos vocais adicionais). Nas paradas de sucesso, a canção não foi promovida como single Lado A, mas como peça integrante do álbum de estreia, que alcançou a 2ª posição na UK Albums Chart no Reino Unido, além de figurar no verso do compacto de “Heaven Knows I'm Miserable Now”, que atingiu o 10º lugar na UK Singles Chart. O tema delicado gerou controvérsia inicial na imprensa sensacionalista britânica, mas a polêmica se dissipou após Morrissey se encontrar pessoalmente com Ann West, mãe de uma das vítimas, Lesley Ann Downey, estabelecendo uma relação de respeito mútuo. Em relação a outras versões e registros conhecidos, destaca-se a gravação realizada nas sessões da BBC Radio 1 para o programa de John Peel, registrada antes mesmo do lançamento do álbum e compilada no aclamado disco Hatful of Hollow, lançado em novembro de 1984. A canção foi executada ao vivo em apresentações selecionadas nos primeiros anos da banda, consolidando-se como um dos retratos líricos mais corajosos e dolorosos da discografia do grupo.

A letra:

Over the moor, take me to the moor
Dig a shallow grave
And I'll lay me down

Over the moor, take me to the moor
Dig a shallow grave
And I'll lay me down

Lesley-Anne, with your pretty white beads
Oh John, you'll never be a man
And you'll never see your home again
Oh Manchester, so much to answer for

Edward, see those alluring lights?
Tonight will be your very last night
A woman said: "I know my son is dead"
"I'll never rest my hands on his sacred head"

Hindley wakes and Hindley says
Hindley wakes, Hindley wakes, Hindley wakes, and says
"Oh, wherever he has gone, I have gone"

But fresh lilaced moorland fields
Cannot hide the stolid stench of death
Fresh lilaced moorland fields
Cannot hide the stolid stench of death

Hindley wakes and says
Hindley wakes, Hindley wakes, Hindley wakes, and says
"Oh, whatever he has done, I have done"
But this is no easy ride
For a child cries

Oh, find me, find me, nothing more
We are on a sullen misty moor
We may be dead and we may be gone
But we will be, we will be, we will be, right by your side
Until the day you die
This is no easy ride

We will haunt you when you laugh
Yes, you could say we're a team
You might sleep
You might sleep
You might sleep
But you will never dream

Oh, you might sleep
But you will never dream
You might sleep
But you will never dream

Oh Manchester, so much to answer for
Oh Manchester, so much to answer for

Oh, find me, find me
Find me
I'll haunt you when you laugh
Oh, I'll haunt you when you laugh
You might sleep
But you will never dream

Oh
Oh, over the moors, I'm on the moor
Oh, over the moor
Oh, the child is on the moor

 A versão dos Smiths:

A versão de Violeta Varela e UOM Group:

 

2428 – R.E.M. – Time After Time (Annelise) (1984)

Creditada conjuntamente a Bill Berry, Peter Buck, Mike Mills e Michael Stipe, “Time After Time (Annelise)” foi gravada entre dezembro de 1983 e janeiro de 1984 no Reflection Sound Studios, em Charlotte, Carolina do Norte. A faixa foi lançada oficialmente em 9 de abril de 1984 como a quarta canção do segundo álbum de estúdio do grupo, Reckoning, distribuído pelo selo independente I.R.S. Records. A produção foi assinada pela dupla Don Dixon e Mitch Easter. Musicalmente, a faixa afasta-se do andamento acelerado do Jangle Pop tradicional da banda, mergulhando em uma atmosfera sombria, circular e quase hipnótica de Post-Punk e Rock Alternativo. O arranjo é sustentado por uma linha de baixo densa e repetitiva de Mike Mills, um padrão percussivo tribal e cadenciado de Bill Berry e os acordes etéreos e dedilhados da guitarra Rickenbacker de Peter Buck. A interpretação vocal de Michael Stipe soa distante e enigmática, mesclando murmúrios e inflexões melancólicas. A letra explora a passagem do tempo, a memória distante, a desorientação e a busca por consolo em meio à fragilidade emocional, orbitando em torno da figura misteriosa evocada no subtítulo (“Ask the girl of the hour, by the hour / Time after time / Heaven, Annelise”). O pessoal da gravação conta com Michael Stipe (vocais principais), Peter Buck (guitarras), Mike Mills (baixo, vocais de apoio) e Bill Berry (bateria, percussão). Nas paradas de sucesso, a canção não foi lançada comercialmente como single avulso nas tabelas da Billboard ou no Reino Unido, funcionando como uma das peças conceituais mais coesas do lado A do vinil. O álbum Reckoning conquistou grande impacto crítico e comercial nas rádios universitárias dos Estados Unidos, alcançando o 27º lugar na Billboard 200 norte-americana e a 91ª colocação na UK Albums Chart britânica. Em relação a outras versões e registros conhecidos, a canção foi apresentada ao vivo de forma intermitente durante as primeiras turnês da banda nos anos 1980, muitas vezes servindo como introdução improvisada ou transição para outras faixas do repertório. Destacam-se também registros ao vivo não oficiais e apresentações gravadas para transmissões de rádio universitária da época, preservando a intensidade crua com que o quarteto executava seu material de palco naquele período de ascensão.

A letra:

Ask the girl of the hour by the water tower's watch
If your friends took a fall, are your obligated to follow
Time after time after time

When the bull's on his hooves, when you gather friends by the tower
If you try to refuse, will they judge your worth by the hour
Time after time after time, time after time after time

If you're tired and you've tried you can find me in my room
You can stay if you want but the third time you can't lose
Time after time after time, time after time after time

Ask the girl of the hour by the water tower's watch
We can fight if you want but who will turn out the lights
Time after time after time, time after time after time
Time after time after time, time after time after time

A versão do R.E.M.:

2427 – Leonard Cohen – Coming Back to You (1984)

 

Escrita inteiramente por Leonard Cohen, “Coming Back to You” foi gravada no início de 1984 no Larrabee Sound Studios em Los Angeles, Califórnia. A canção teve seu lançamento oficial como a terceira faixa do álbum Various Positions, lançado internacionalmente em dezembro de 1984 pela CBS Records e Columbia Records. A produção da faixa e de todo o disco foi assinada pelo produtor e multi-instrumentista John Lissauer. Musicalmente, a faixa destaca-se pelo lirismo melódico e por uma levada cadenciada de Folk Contemporâneo com toques de balada clássica, afastando-se um pouco da austeridade sintética de outras partes do álbum. O arranjo é ancorado por dedilhados limpos de violão de nylon, teclados suaves e uma linha de baixo sutil, servindo de cama para a voz de barítono profunda de Cohen, que divide espaço com os vocais de apoio femininos em harmonia refinada. A letra retrata a resignação, a devoção inabalável e o retorno inevitável a um amor essencial, reconhecendo que todas as tentativas de desvio ou distração sempre acabam levando ao mesmo destino emocional (“Even when I'm holding in my hands / The piece that falls apart / I'm coming back to you”). O pessoal da gravação conta com Leonard Cohen (vocais principais, violão acústico), John Lissauer (arranjos, teclados, sintetizadores), com vocais de apoio de Anjani Thomas e cantoras convidadas de estúdio. Nas paradas de sucesso, a canção não foi promovida como single comercial avulso nas tabelas da Billboard nos Estados Unidos nem no Reino Unido, integrando o corpo poético de Various Positions. O álbum teve grande acolhida na Europa e no Canadá, alcançando o 24º lugar na UK Albums Chart britânica, mesmo com a recusa inicial da Columbia em investir na divulgação do repertório nos Estados Unidos na época do lançamento original. Em relação a outras versões e interpretações conhecidas, “Coming Back to You” ganhou regravações aclamadas ao longo das décadas. Uma das mais célebres é a interpretação do cantor e compositor britânico Martin Gore (do Depeche Mode), gravada para o influente álbum tributo I'm Your Fan em 1991. Destaca-se também a versão delicada e intimista gravada pela cantora e pianista de jazz Luciana Souza, além de frequentes execuções e homenagens em concertos dedicados à obra de Cohen.

A letra:

Maybe I'm still hurting
I can't turn the other cheek
But you know that I still love you
It's just that I can't speak
I looked for you in everyone
And they called me on that too
I lived alone but I was only
Coming back to you

Ah they're shutting down the factory now
Just when all the bills are due
And the fields they're under lock and key
Tho' the rain and the sun come through
And springtime starts but then it stops
In the name of something new
And all the senses rise against this
Coming back to you

And they're handing down my sentence now
And I know what I must do
Another mile of silence while I'm
Coming back to you

There are many in your life
And many still to be
Since you are a shining light
There's many that you'll see
But I have to deal with envy
When you choose the precious few
Who've left their pride on the other side of
Coming back to you

Even in your arms I know
I'll never get it right
Even when you bend to give me
Comfort in the night
I've got to have your word on this
Or none of it is true
And all I've said was just instead of
Coming back to you

A versão de Leonard Cohen:

A versão de James Taylor:

A versão de Martin Gore:

2426 – John Lennon – Forgive Me (My Little Flower Princess) (1984)

 

Escrita inteiramente por John Lennon, “Forgive Me (My Little Flower Princess)” foi composta durante as viagens de Lennon em 1980 e registrada nas sessões do álbum Double Fantasy entre agosto e setembro daquele ano no The Hit Factory, em Nova York. Lennon deixou apenas um take vocal de estúdio incompleto e uma fita demo caseira antes de sua morte em dezembro de 1980. A canção foi concluída, mixada e produzida postumamente por Yoko Ono, sendo lançada em janeiro de 1984 como a nona faixa do álbum póstumo Milk and Honey, distribuído mundialmente pela gravadora Polydor. Musicalmente, a faixa é uma balada suave de Pop-Rock e Soft Rock conduzida por violões acústicos delicados, guitarras elétricas discretas e uma linha de baixo contida. Os arranjos de teclado e percussão criam uma atmosfera intimista e acolhedora, dando destaque aos vocais originais de Lennon, que conservam o frescor de um take inicial de estúdio. A letra é um pedido sincero de perdão e uma declaração direta de amor e vulnerabilidade dedicada a Yoko Ono, retratando o arrependimento por explosões de temperamento, imaturidade e desatenção cotidiana (“Forgive me, my little flower princess / For why I made you cry / Forgive me, my little flower princess / I was having a bad day”). O pessoal da gravação conta com John Lennon (vocais principais, violão acústico), Hugh McCracken e Earl Slick (guitarras), Tony Levin (baixo), George Small (teclados) e Andy Newmark (bateria). Nas paradas de sucesso, a canção não foi lançada como compacto individual para as paradas comerciais da Billboard ou no Reino Unido, funcionando como uma das faixas reflexivas do disco. O álbum Milk and Honey teve excelente desempenho comercial e de crítica, alcançando o 3º lugar na UK Albums Chart no Reino Unido e o 11º lugar na Billboard 200 dos Estados Unidos. Em relação a outras versões e registros conhecidos, a tomada acústica caseira de voz e violão gravada por Lennon no apartamento do Dakota circulou em bootlegs de fãs e mais tarde apareceu em projetos de arquivo da obra de Lennon. A gravação oficial do disco preservou até os diálogos breves de Lennon conversando na sala de controle do estúdio antes da contagem inicial da música.

A letra:

Forgive me, my little flower princess
For crushing your delicateness
Forgive me, if you could forgive me

Forgive me, my little flower princess
For my utter selfishness
Forgive me, forgive me

Well, I know there is no way to repay you
Whatever it takes I will try to
The rest of my life I will thank you
Thank you, thank you, my little

If you forgive me, my little flower princess
Never too late unless you can't
Mm mm

Time is on our side
Let's not waste another minute
Because I love you, my little friend
I really love you

Give me just one more chance
And I'll show you
Take up the dance where we left off
The rest of our life is the, my little

I'm home

A versão de John Lennon: