2453 – Elton John – Sad Songs (Say So Much) (1984)

 

Composta em parceria por Elton John (música) e Bernie Taupin (letra), “Sad Songs (Say So Much)” foi gravada entre o final de 1983 e o início de 1984 no AIR Studios, em Montserrat, com sessões adicionais realizadas no Sunset Sound Recorders, em Los Angeles. A canção teve seu lançamento oficial em maio de 1984 como o single de avanço do décimo oitavo álbum de estúdio do cantor e compositor britânico, Breaking Hearts, lançado mundialmente em junho de 1984 pela The Rocket Record Company no Reino Unido e pela Geffen Records na América do Norte. A produção do registro foi assinada por Chris Thomas. Musicalmente, a faixa transita com precisão entre o Pop Rock radiofônico e o Blue-Eyed Soul, destacando-se por sua estrutura melódica solar e andamento dançante construído sobre um groove sincopado de bateria e baixo. O arranjo conta com o piano rítmico percussivo característico de Elton, guitarras limpas e suingadas de Davey Johnstone e uma marcante presença de harmonias vocais de apoio no refrão, que contaram com a participação especial dos cantores Nigel Olsson e Dee Murray ao lado de Johnstone. A lírica estabelece um perspicaz paradoxo emocional ao defender o poder curativo da música triste transmitida pelo rádio, argumentando que canções melancólicas trazem consolo, acolhimento e a certeza de que a dor de um coração partido é uma experiência humana universalmente compartilhada. O pessoal da gravação conta com Elton John (vocais principais, piano acústico, sintetizadores), Davey Johnstone (guitarras, vocais de apoio), Dee Murray (baixo, vocais de apoio), Nigel Olsson (bateria, vocais de apoio) e James Newton Howard (arranjos de cordas). Nas paradas de sucesso, “Sad Songs (Say So Much)” transformou-se em um estrondoso êxito comercial internacional, alcançando a 5ª posição na Billboard Hot 100 e a 2ª posição na parada Billboard Adult Contemporary nos Estados Unidos. No Reino Unido, a canção alcançou a 7ª colocação na UK Singles Chart. O álbum Breaking Hearts teve excelente recepção de público, alcançando o 2º lugar na UK Albums Chart e o 20º posto na Billboard 200 norte-americana. Em relação a outras versões e execuções históricas, a música tornou-se presença frequente nos repertórios das turnês mundiais de Elton John nas décadas de 1980 e 1990. Entre as versões mais notáveis destaca-se a histórica performance em dueto com Bryan Adams no concerto de tributo e caridade Live at Wembley Stadium em 1993, além de registros ao vivo incluídos em álbuns e compilações oficiais como Live in Australia with the Melbourne Symphony Orchestra (1987) e edições especiais expandidas de suas turnês de despedida.

A letra:

Guess there are times when we all need to share a little pain
And ironin' out the rough spots
Is the hardest part when memories remain
And it's times like these when we all need to hear the radio
'Cause from the lips of some old singer
We can share the troubles we already know

Turn 'em on, turn 'em on
Turn on those sad songs
When all hope is gone (ah...)
Why don't you tune in and turn them on?
They reach into your room, oh
Just feel their gentle touch (gentle touch)
When all hope is gone (ooh)
Sad songs say so much

If someone else is sufferin' enough, oh, to write it down
When every single word makes sense
Then it's easier to have those songs around
The kick inside is in the line that finally gets to you
And it feels so good to hurt so bad
And suffer just enough to sing the blues

So turn 'em on, turn 'em on
Turn on those sad songs
When all hope is gone (ah...)
Why don't you tune in and turn them on?
They reach into your room, oh
Just feel their gentle touch (gentle touch)
When all hope is gone (ooh...)
You know sad songs say so much

Sad songs, they say
Sad songs, they say
Sad songs, they say (ah...)
Sad songs, they say so much

So turn 'em on (turn 'em on), oh, turn 'em on (turn 'em on)
Turn on those sad songs (sad songs)
When all hope is gone (ah...)
Why don't you tune in and turn them on?
They reach into your room, oh
Just feel their gentle touch (gentle touch)
When all hope is gone (ooh...)
You know sad songs say so much

When all hope is gone
You know sad songs say so much (ooh, la, la-la, ooh, la, la-la)
When every little bit of hope is gone
Sad songs say so much (ooh, la, la-la, ooh, la, la-la)
When every little bit of hope is gone
Sad songs say so much (ooh, la, la-la, ooh, la, la-la)
When all hope is gone
Sad songs say so much (ooh, la, la-la, ooh, la, la-la)
When every little bit of hope is gone
Sad songs say so much (ooh, la, la-la, ooh, la, la-la)
When everything you do is goin' wrong
Sad songs say so much (ooh, la, la-la, ooh, la, la-la)

A versão de Elton John:

A versão de Rod Stewart com Elton John:

A versão de Bryan Adams com Elton John:

2452 – Bon Jovi – Runaway (1984)

 

Composta por Jon Bon Jovi e George Karak no início de 1982, “Runaway” foi gravada inicialmente como uma fita demo no estúdio The Power Station, em Nova York, onde Jon trabalhava como faxineiro e assistente geral. Sem uma banda formada na época, a faixa foi registrada com músicos de sessão contratados (conhecidos como The All Star Review). Após ser incluída em uma coletânea de talentos locais da estação de rádio WAPP 103.5 FM de Nova York, a canção ganhou enorme rotação independente, levando Jon a assinar com a gravadora Mercury Records e recrutar Richie Sambora, David Bryan, Alec John Such e Tico Torres. A canção teve seu lançamento oficial como single em janeiro de 1984 e abriu o álbum de estreia homônimo da banda, Bon Jovi, editado em 21 de janeiro de 1984, com produção assinada por Tony Bongiovi e Lance Quinn. Musicalmente, a faixa é um marco seminal do Hard Rock e Glam Metal com fortes elementos de Synth-Rock e Pop Metal do início da década de 1980. O arranjo é mundialmente reconhecido pelo icônico riff de abertura em teclado sintetizador, executado originalmente por Roy Bittan (da E Street Band de Bruce Springsteen). A base rítmica combina a batida firme de Frankie LaRocka na bateria com as linhas de baixo de Hugh McDonald (que se tornaria membro oficial do Bon Jovi anos depois), enquanto a guitarra solo foi gravada por Tim Pierce. Os vocais jovens e agudos de Jon Bon Jovi imprimem energia e urgência ao refrão marcante. A letra narra o drama urbano de uma jovem que foge de casa para tentar a vida na cidade grande, abordando temas de desilusão, vulnerabilidade e a dura sobrevivência nas ruas. O pessoal da gravação original de estúdio conta com Jon Bon Jovi (vocais principais), Tim Pierce (guitarra), Roy Bittan (teclados, sintetizadores), Hugh McDonald (baixo), Frankie LaRocka (bateria), além de David Bryan, Richie Sambora, Alec John Such e Tico Torres nas versões e execuções definitivas da formação da banda. Nas paradas de sucesso, “Runaway” foi o primeiro grande hit do grupo e colocou o quinteto no mapa mundial. A faixa alcançou a 39ª posição na Billboard Hot 100 nos Estados Unidos, marcando a primeira entrada de Bon Jovi no Top 40 norte-americano. O álbum homônimo de estreia alcançou o 43º lugar na Billboard 200, recebendo certificação de disco de platina e consolidando o grupo no cenário internacional. Em relação a outras versões e execuções históricas, “Runaway” permaneceu como a única canção do álbum de estreia mantida com frequência no repertório de grandes turnês mundiais da banda ao longo de quatro décadas. O grupo frequentemente rearranjava a música ao vivo, intercalando versões aceleradas de rock com introduções lentas e intimistas ao piano. A canção também foi registrada no álbum ao vivo One Wild Night Live 1985–2001 e regravada por artistas de rock e metal em compilações tributo dedicadas aos anos 1980.

A letra:

On the street where you live
Girls talk about their social lives
They're made of lipstick, plastic and paint
A touch of sable in their eyes

all your life all you've asked
When's your Daddy gonna talk to you?
But you were living in another world
Trying to get your message through

No one heard a single word you said
They should have seen it in your eyes
What was going around your head

Oh, she's a little runaway
Daddy's girl learned fast
All those things she couldn't say
Ooh, she's a little runaway

Take a line line every night
Guaranteed to blow your mind
I see you out on the streets
Calling for a wild time
So you sit home alone
'Cause there's nothing left that you can do
There's only pictures hung in the shadows
Left there to look at you

You know she likes the lights
At night on the neon Broadway signs
She don't really mind
It's only love she hoped to find

Oh, she's a little runaway
Daddy's girl learned fast
All those things she couldn't say
Ooh, she's a little runaway

No one heard a single word you said
They should have seen it in your eyes (seen it in your eyes)
What was going around your head

Oh, she's a little runaway
Daddy's girl learned fast
All those things she couldn't say

Oh, she's a little runaway
Daddy's girl learned fast
Now she works the night away

Oh, she's a little runaway
Daddy's girl learned fast
All those things she couldn't say

Oh, she's a little runaway
Daddy's girl learned fast
Now she works the night away

A versão de Bon Jovi:

A versão de Lexington Lab Band:

A versão de Filthy Animals:

2451 – Bryan Adams – Summer of '69 (1984)

 

Composta em parceria por Bryan Adams e Jim Vallance, “Summer of '69” foi gravada durante as sessões do primeiro semestre de 1984 no Little Mountain Sound Studios, em Vancouver, com overdubs e mixagem concluídos no estúdio The Power Station, em Nova York. A canção teve seu lançamento oficial em 5 de novembro de 1984 integrando o quarto álbum de estúdio do músico canadense, Reckless, editado pela gravadora A&M Records, sendo promovida em junho de 1985 como o quarto single oficial de divulgação do disco. A produção do registro foi assinada em conjunto por Bob Clearmountain e Bryan Adams. Musicalmente, a faixa consolidou-se como um dos maiores hinos do Heartland Rock e do Arena Rock da década de 1980, ancorada em uma introdução vibrante de violão e guitarra rítmica que logo explode em uma condução dinâmica de bateria. A estrutura harmônica apoia-se nos acordes brilhantes e no solo melódico e cortante de Keith Scott, sustentados pela linha de baixo firme de Dave Taylor, pelas intervenções de órgão de Tommy Mandel e pela batida disciplinada de Mickey Curry. A interpretação vocal rasgada e apaixonada de Adams transmite vigor e autenticidade ao tema. No plano lírico, a narrativa constrói uma crônica nostálgica sobre a juventude, os ensaios de garagem com a primeira banda de garagem e a intensidade fugaz do primeiro grande amor, articulando a lembrança das descobertas da adolescência com o duplo sentido assumido pelos autores a respeito da data e da passagem para a maturidade. O pessoal da gravação conta com Bryan Adams (vocais principais, guitarra base), Keith Scott (guitarra solo, vocais de apoio), Dave Taylor (baixo), Mickey Curry (bateria) e Tommy Mandel (órgão e sintetizadores). Nas paradas de sucesso, “Summer of '69” alcançou a 5ª posição na Billboard Hot 100 nos Estados Unidos e obteve a 40ª colocação na UK Singles Chart britânica em seu lançamento original, transformando-se com o passar dos anos em uma das peças mais executadas e duradouras da história do rádio mundial. O álbum Reckless obteve estrondoso êxito comercial, alcançando o 1º lugar na Billboard 200 norte-americana e o 7º posto na UK Albums Chart, consolidando em definitivo o prestígio global do compositor. Em relação a outras versões e execuções históricas, a faixa transformou-se no momento culminante das turnês mundiais de Bryan Adams pelas décadas seguintes, rendendo registros célebres como o arranjo acústico e intimista registrado no álbum MTV Unplugged (1997) e tomadas viscerais em lançamentos ao vivo como Live! Live! Live! (1988). A canção também alcançou grande repercussão ao ser reinterpretada em diferentes gêneros, destacando-se uma versão eletrônica de grande rotação nas pistas europeias produzida por DJ Sammy no início dos anos 2000, além de homenagens e execuções regulares por bandas e intérpretes do rock contemporâneo.

A letra:

I got my first real six-string
Bought it at the five-and-dime
Played it 'til my fingers bled
Was the summer of '69

Me and some guys from school
Had a band and we tried real hard.
Jimmy quit, Jody got married
I should've known we'd never get far

Oh, when I look back now
That summer seemed to last forever
And if I had the choice
Yeah, I'd always wanna be there
Those were the best days of my life

Ain't no use in complainin'
When you've got a job to do
Spent my evenings down at the drive-in
And that's when I met you, yeah

Standin' on your mama's porch
You told me that you'd wait forever
Oh, and when you held my hand
I knew that it was now or never
Those were the best days of my life

Oh, yeah.
Back in the summer of '69, oh.

Man we were killin' time
We were young and restless
We needed to unwind
I guess nothin' can last forever, forever, no! yeah!

And now the times are changin'
Look at everything that's come and gone
Sometimes when I play that old six-string
I think about you, wonder what went wrong

Standin' on your mama's porch
You told me that it'd last forever
Oh, and when you held my hand
I knew that it was now or never
Those were the best days of my life

Oh, yeah.
Back in the summer of '69, oh.
It was the summer of '69, oh, yeah.
Me and my baby in '69, oh.
It was the summer, the summer, the summer of '69, yeah.

A versão de Bryan Adams:

A versão de First to Eleven:

A versão de Quinn Sullivan:

2450 – Al Stewart – Russians & Americans (1984)

 

Escrita inteiramente por Al Stewart, “Russians & Americans” foi gravada entre o final de 1983 e o início de 1984 nos estúdios Davlen Sound Studios e Sunset Sound, em Los Angeles, Califórnia. A canção teve seu lançamento oficial em 1984 como a faixa-título e a peça central do nono álbum de estúdio do músico britânico, editado pela RCA Records na Europa e pela Passport Records na América do Norte. A produção foi assinada em conjunto por Al Stewart e Steve Chapman. Musicalmente, a faixa é uma balada épica de Folk Rock e Soft Rock que remonta à ambição narrativa dos grandes sucessos históricos do compositor dos anos 1970. O arranjo é ancorado por violões acústicos nítidos, camadas de teclados e sintetizadores delicados, uma seção rítmica discreta e pontuações de guitarra solo com timbres polidos. A dicção pausada e precisa de Stewart guia a canção com serenidade, sustentada por arranjos de cordas e sopros que conferem um ar de crônica cinematográfica ao desenvolvimento melódico. A lírica é um estudo histórico, psicológico e cultural comparado entre os povos da União Soviética e dos Estados Unidos, traçando paralelos entre a expansão das estepes russas e o desbravamento do Oeste americano, e examinando como duas nações com origens rurais e épicas se tornaram prisioneiras da paranoia nuclear e do impasse ideológico da Guerra Fria (“Looking through the windows of the past / Seeing with the eyes of the present”). O pessoal da gravação conta com Al Stewart (vocais principais, violão acústico), Peter White (guitarras, teclados), Phil Kenzie (saxofone) e músicos de sessão de estúdio de Los Angeles. Nas paradas de sucesso, a faixa não foi projetada como single para as paradas pop comerciais da Billboard Hot 100 ou para a UK Singles Chart britânica, alcançando repercussão qualificada nas rádios universitárias e no formato Adult Contemporary nos Estados Unidos. O álbum homônimo Russians & Americans alcançou repercussão crítica positiva por sua profundidade analítica, destacando-se como um documento lírico do auge das tensões geopolíticas de 1984. Em relação a outras versões e execuções conhecidas, “Russians & Americans” tornou-se um dos pontos altos das turnês acústicas de Al Stewart nos palcos europeus e norte-americanos ao longo das décadas seguintes. A canção foi frequentemente interpretada em arranjos intimistas para dois violões ao lado de Peter White ou de Dave Nachmanoff, com registros ao vivo capturados em transmissões de rádio e álbuns de arquivo do compositor.

A letra:

So here we stand at the edge of 1984, bracing ourselves once again
For the storm approaching as those who long before huddled in caves from the rain
The enemy's face is so hard to see, sometimes it seems that I see him in you
Sometimes in me, who can he be? No use consulting the prophets and leaders they all disagree.

Russians and Americans, here's a song for you
Who carry the weight of the world on your heads
Russians and Americans, tell me if it's true
You really believe all the things that you've said
The red-white-and-blue running into the red.

From the wars of Europe, the pilgrim fathers set off with their hopes and their bond
Some settled down by the coast, others crossed the mountains and into the flatlands beyond
From scramble and dust of Muscovite streets, merchants develop the trade routes and open the door to the East
Pioneer waves choked by the cold breath of winter or baked by the heat of the day.

Russians and Americans, passing through the fire
Of revolution and coming of age
Russians and Americans, driven by desire
Two players push to the front of the stage
The whole world now watches each move that you make.

Two runners caught in the thrill of the race, the finishing line is as far as the stars that the satellites chase
Why quicken the pace? Why does it seem that you choose to lose reason before losing face ?

Russians and Americans, driven by the past
The third world moves in the shadows you cast
Russians and Americans could turn the world to dust
So much to live for, so much undiscussed
So much in common and so little trust.

From the streets of Athens and Rome, the voices still echo to crumbling walls
Look to the past and remember no empire rises that sooner or later won't fall
Forever the changes we still have to face, some people say that a country is more and idea than a place
Though nothing is safe, we still choose the mark that we leave on the open canvas of space.

Russians and Americans
Maybe you should see into the heart of the world, not its head
Russians and Americans
If you want to be the feet of the world, better mind where you tread,
The footprints of history are left where you step.

So here we stand at the edge of 1984.

A versão de Al Stewart:

2449 – David Gilmour – Love on the Air (1984)

 

Composta por David Gilmour (música) e Pete Townshend (letra), “Love on the Air” nasceu da colaboração direta entre o guitarrista do Pink Floyd e o líder do The Who. A canção foi registrada entre o final de 1983 e o início de 1984 no estúdio The Gallery, em Knutsford, Cheshire, com overdubs e mixagem concluídos no Eel Pie Studios, em Londres. A faixa teve seu lançamento oficial em março de 1984 como a terceira canção do álbum solo About Face e, em maio do mesmo ano, foi editada pela Harvest Records e pela Columbia Records como o segundo single comercial do disco. A produção foi assinada em conjunto por Bob Ezrin e David Gilmour. Musicalmente, a faixa transita pelo Pop Rock e Soft Rock refinado dos anos 1980, com uma introdução melodiosa ao piano acústico que logo se expande em uma balada grandiosa e polida. O arranjo conta com uma base rítmica segura e elegante conduzida pela bateria de Jeff Porcaro e o baixo fretless característico de Pino Palladino, complementada por teclados atmosféricos tocados por Ian Kewley e pelo próprio Gilmour. No clímax instrumental, Gilmour entrega um solo de guitarra melódico e expressivo, marcado pelo sustain limpo e pela precisão técnica de seus fraseados. A lírica de Townshend constrói uma metáfora poética entre ondas de rádio, frequências sonoras e a comunicação humana, retratando o amor como um sinal etéreo transmitido pelo ar na tentativa de alcançar um receptor em meio ao isolamento e à distância. O pessoal da gravação conta com David Gilmour (vocais principais, guitarras, piano), Pino Palladino (baixo), Jeff Porcaro (bateria, percussão) e Ian Kewley (órgão Hammond, sintetizadores). Nas paradas de sucesso, “Love on the Air” não alcançou números expressivos no formato pop tradicional, figurando discretamente na UK Singles Chart britânica. No entanto, obteve excelente recepção nas estações de rádio norte-americanas voltadas ao formato Album-Oriented Rock, onde atingiu a 9ª colocação na parada Billboard Mainstream Rock Songs. O álbum About Face obteve sólida circulação comercial, alcançando o 21º lugar no Reino Unido e a 32ª posição na Billboard 200 nos Estados Unidos. Em relação a outras versões e execuções históricas, a canção foi executada regularmente como um dos momentos centrais do repertório da turnê solo de Gilmour em 1984. Gravações ao vivo oficiais foram capturadas nos concertos no Hammersmith Odeon, em Londres, e incluídas no vídeo do concerto David Gilmour Live 1984. Versões demo de estúdio registradas por Pete Townshend em voz e violão circularam posteriormente entre colecionadores e foram incluídas em materiais de arquivo solo do compositor do The Who, evidenciando as raízes melódicas antes do tratamento definitivo em estúdio por Gilmour.

A letra:

Love on the air
I keep transmitting but reception is hazy
I don't get an answer
Keep sending it faster
Always knew it was crazy
To put my love on the air.

No one will hurt me again
No one will cause me to lie
No one will control me by pain
No one will cause me to cry
I was looking for love
In wandering eyes
Like a ship trying to fix on a beacon
I learned how to sigh
On the ribbon and wires
It's a habit that's so hard to weaken

No one will ever manipulate
Make me promise to do or die
No one can make me hesitate
What can I lose if they try
I was looking for love
Like the very first time
Didn't realise love never left me
Contradicted - conspired
I connived and designed
Nothing on earth could arrest me.

Reception is hazy
When you put your love on the air
Always knew it was crazy
To put my love on the air
But I only communicate
When I put my love on the air
You don't have to consummate
Love on the air

A versão de David Gilmour:

A versão de David Gilmour e Pete Towhshend ao vivo:

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2448 – U2 – Promenade (1984)

 

Creditada conjuntamente a Bono, The Edge, Adam Clayton e Larry Mullen Jr., com letra de Bono, “Promenade” foi desenvolvida e gravada entre maio e agosto de 1984 durante as sessões no Slane Castle, no Condado de Meath, e no Windmill Lane Studios, em Dublin. A faixa teve seu lançamento oficial em 1 de outubro de 1984 como a quinta canção (encerrando o Lado A do vinil original) do quarto álbum de estúdio da banda, The Unforgettable Fire, editado internacionalmente pela gravadora Island Records sob a produção de Brian Eno e Daniel Lanois.

Musicalmente, a faixa destaca-se como uma das peças mais etéreas, intimistas e minimalistas de todo o catálogo do U2, funcionando como um divisor de águas entre a primeira metade grandiosa do disco e a densidade de sua continuação. O arranjo é sustentado por dedilhados circulares e esparsos da guitarra com eco de The Edge, acompanhados por uma linha de baixo acústico e elétrico tocada com delicadeza por Adam Clayton, sem qualquer uso convencional de bateria ou pratos por parte de Larry Mullen Jr. As camadas ambientais de sintetizadores e texturas sonoras criadas por Brian Eno formam um pano de fundo quase cinematográfico, sobre o qual Bono sussurra versos impressionistas com grande calor vocal. A letra constrói uma colagem poética de imagens noturnas e domésticas inspiradas na vista de sua residência na torre Martello em Bray, mesclando contemplação romântica, luzes costeiras, referências ao rádio e sensações táteis de proximidade (“Earth sky sea and rain / Is she coming up the wire / Such a daylight face / Fireworks and sparklers / Slide / Slide down”). O pessoal da gravação conta com Bono (vocais principais), The Edge (guitarra), Adam Clayton (baixo) e Brian Eno (sintetizadores, tratamentos atmosféricos).

Nas paradas de sucesso, a canção não foi editada como compacto comercial individual nas tabelas da Billboard nos Estados Unidos nem no Reino Unido, operando como a vinheta e o clímax lírico que fecha a primeira face de The Unforgettable Fire. O álbum consagrou a reinvenção sonora do quarteto, alcançando o 1º lugar na UK Albums Chart britânica e a 12ª posição na Billboard 200 norte-americana.

Em relação a outras versões e execuções históricas, “Promenade” permaneceu quase intocada ao vivo devido ao seu arranjo frágil e estritamente de estúdio, sendo raramente citada em improvisos ou trechos vocais durante concertos de turnês subsequentes. A gravação original de estúdio é frequentemente celebrada por entusiastas e historiadores do grupo como o exemplo mais puro da simbiose criativa entre a banda e a linguagem sonora atmosférica introduzida por Eno e Lanois em 1984.

A letra:

Earth, sky, scenery
Is she coming back again?
Men of straw, snooker hall
Words that build or destroy
Dirt dry, bone, sand and stone
Barbed wire fence cut me down
I'd like to be around in a spiral staircase
To the higher ground

And I, like a firework, and explode
Roman candle, lightning, lights up the sky

In cracked streets, trample underfoot
Side-step, sidewalk
I see you stare into space
Have I got closer now, behind the face?

Oh, tell me, tell me you'll dance with me
Turn me around tonight
Up through the spiral staircase to the higher ground
Slide show, seaside town
Coca-cola, football radio
Radio, radio, radio, radio, radio...

A versão do U2:

A versão de Lemon Chile:

2447 – The Smiths – Pretty Girls Make Graves (1984)

 

Escrita por Morrissey (letra) e Johnny Marr (música), “Pretty Girls Make Graves” foi composta em meados de 1983. Assim como grande parte do material de estreia do grupo, a canção foi registrada primeiramente nas sessões com o produtor Troy Tate no Elephant Studios, em Londres, mas essa tomada foi descartada. O registro definitivo foi gravado no Pluto Studios, em Manchester, entre o final de 1983 e o início de 1984 com o produtor John Porter. A faixa teve seu lançamento oficial em 20 de fevereiro de 1984 como a oitava canção do primeiro álbum de estúdio do grupo, The Smiths, editado pelo selo Rough Trade. Musicalmente, a faixa exemplifica a inventividade harmônica do Indie Pop e do Jangle Pop arquitetado por Johnny Marr. A canção apoia-se em arpejos limpos e ligeiramente dedilhados na guitarra afinada em tons abertos, dialogando com uma linha de baixo melódica e proeminente de Andy Rourke e a marcação contida de Mike Joyce na bateria. O andamento equilibra uma cadência melancólica com pontuações instrumentais alegres e irônicas, sobre as quais Morrissey transita entre o lamento e o tom declamatório. O título da faixa foi emprestado diretamente de uma passagem do romance Os Vagabundos Iluminados (The Dharma Bums), de Jack Kerouac. A letra explora a apatia sexual, o descompasso afetivo entre homem e mulher e a recusa do narrador em render-se aos jogos tradicionais de sedução romântica à beira-mar, culminando na perda de paciência diante das expectativas impostas (“I'm not the man you think I am / Sorrow's native son / He will not smile for anyone”). O pessoal da gravação conta com Morrissey (vocais principais), Johnny Marr (guitarras), Andy Rourke (baixo) e Mike Joyce (bateria). Nas paradas de sucesso, a canção não foi lançada como single comercial avulso para as paradas da Billboard ou no Reino Unido, compondo a sequência densa do Lado B do vinil. O disco de estreia The Smiths tornou-se um fenômeno imediato no cenário musical alternativo, alcançando a 2ª posição na UK Albums Chart britânica e garantindo ampla aclamação crítica pela originalidade lírica e instrumental da banda. Em relação a outras versões e execuções históricas, a versão preliminar gravada com Troy Tate circulou em bootlegs de estúdio até ser disponibilizada em edições raras para colecionadores. A banda também registrou uma tomada enérgica da canção em março de 1983 para as sessões da BBC Radio 1 no programa de John Peel. Nos concertos, “Pretty Girls Make Graves” integrou o repertório de palco do quarteto entre 1983 e 1984, destacando o entrosamento rítmico e a precisão das guitarras ao vivo.

A letra:

Upon the sand, upon the bay
"There is a quick and easy way" you say
Before you illustrate
I'd rather state
I'm not the man you think I am
I'm not the man you think I am

And sorrow's native son
He will not smile for anyone
And pretty girls make graves

Ooh-ooh-oh-ooh, ooh-ooh-oh-ooh-ooh

End of the pier, end of the bay
You tug my arm, and say
"Give in to lust, give up to lust
Oh, heaven knows we'll soon be dust"
Oh, I'm not the man you think I am
I'm not the man you think I am

And sorrow's native son
He will not rise for anyone
And pretty girls make graves
(Oh, really?)

Ooh-ooh-oh-ooh, ooh-ooh-oh-ooh-ooh

I could have been wild and I could have been free
But nature played this trick on me
She wants it now
And she will not wait
But she's too rough
And I'm too delicate
Then, on the sand
Another man, he takes her hand
A smile lights up her stupid face
And well, it would
I lost my faith in womanhood
I lost my faith in womanhood
I lost my faith

Ooh-ooh-oh-ooh, ooh-ooh-oh-ooh-ooh
Hand in glove
The sun shines out of our behinds
Ooh-oh, ooh-oh

A versão do Smiths:

A versão de Adam Barrett:

2446 – R.E.M. – Letter Never Sent (1984)

 

Creditada conjuntamente a Bill Berry, Peter Buck, Mike Mills e Michael Stipe, “Letter Never Sent” foi gravada entre dezembro de 1983 e janeiro de 1984 no Reflection Sound Studios, em Charlotte, Carolina do Norte. A faixa foi lançada oficialmente em 9 de abril de 1984 como a oitava canção do segundo álbum de estúdio do quarteto, Reckoning, distribuído pelo selo independente I.R.S. Records. A produção do registro foi conduzida em parceria pela dupla Mitch Easter e Don Dixon. Musicalmente, a faixa sintetiza o dinamismo clássico do Jangle Pop e do Post-Punk melódico característico do início de carreira da banda. A canção apoia-se no chimbal acelerado e na precisão rítmica de Bill Berry, enquanto Peter Buck conduz a melodia com dedilhados ágeis e brilhantes em sua guitarra Rickenbacker. O arranjo eleva-se ainda mais com a linha de baixo inventiva de Mike Mills, cujas harmonias vocais de apoio no refrão funcionam em contraponto direto à linha principal de Michael Stipe. A letra carrega o tom fragmentado e introspectivo do compositor, sugerindo pensamentos não compartilhados, correspondências guardadas e a hesitação diante da comunicação (“Heaven, letter never sent / Heaven, letter never sent / The water is rising”). O pessoal da gravação conta com Michael Stipe (vocais principais), Peter Buck (guitarras), Mike Mills (baixo, vocais de apoio) e Bill Berry (bateria, vocais de apoio). Nas paradas de sucesso, a canção não foi editada como single comercial independente nas tabelas da Billboard nos Estados Unidos nem no Reino Unido, funcionando como uma das faixas mais representativas da segunda metade de Reckoning. O disco consolidou a reputação do grupo no circuito universitário e na imprensa internacional, alcançando o 27º lugar na Billboard 200 norte-americana e o 91º posto na UK Albums Chart britânica. Em relação a outras versões e execuções conhecidas, “Letter Never Sent” marcou presença habitual nas turnês da banda entre 1984 e 1985, especialmente durante as apresentações da turnê Little America. Versões ao vivo energéticas foram capturadas em gravações de rádio da época e compiladas em relançamentos comemorativos e edições de arquivo do grupo, destacando a rapidez e o entusiasmo coletivo com que os quatro músicos executavam o arranjo nos palcos.

A letra:

It's been pretty simple so far
Vacation in Athens is calling me
And knock, knock, knock on wood
I thought I'd left you behind

Heaven is yours, heaven is yours
Heaven is yours where I live

I followed the catacombs
Left my soul at home
This letter never sent
And it's so far, it's so dark, I'm so lost

Heaven is yours, heaven is yours
Heaven is yours where I live
(Another story, another story for a while, someone show me)
When I'm moving too fast
Here's my new address

The water's receiving me now
The catacombs are filling in
If my soul was made of stone
No, not, not so dark, dark
And it's so far, it's so dark, I'm so lost
And it's so far, it's so far, it's so far

Heaven is yours, heaven is yours
Heaven is yours where I live
(Another story, another story for a while, someone show me)
Heaven is yours, heaven is yours
Heaven is yours where I live
(Another story, another story for a while, someone show me)

A versão R.E.M:

2445 – Leonard Cohen – If It Be Your Will (1984)

 

Escrita inteiramente por Leonard Cohen, “If It Be Your Will” foi gravada no início de 1984 no Larrabee Sound Studios, em Los Angeles, Califórnia. A canção teve seu lançamento oficial em dezembro de 1984 como a nona e última faixa do álbum Various Positions, distribuído internacionalmente pelos selos CBS Records e Columbia Records. A produção musical e os arranjos foram conduzidos pelo maestro John Lissauer. Musicalmente, a faixa apresenta a solenidade de um hino litúrgico e de uma prece silenciosa, figurando entre os momentos mais comoventes do Folk Contemporâneo. A estrutura instrumental é despojada e sutil, construída a partir do dedilhado sereno do violão acústico e das texturas etéreas de sintetizadores programados por John Lissauer, dispensando qualquer peso de percussão tradicional. O registro vocal de Cohen, grave e sussurrado, assume o tom de uma confissão íntima, sendo amparado pelas harmonias vocais femininas de apoio que ecoam como um coro sacro. A temática lírica expressa a submissão total à vontade divina, a aceitação da fragilidade humana e o anseio por misericórdia, paz e redenção em um mundo fraturado pela dor. O pessoal da gravação conta com Leonard Cohen (vocais principais, violão acústico), John Lissauer (teclados, sintetizadores) e vocais de apoio de Jennifer Warnes e cantoras de estúdio. Nas paradas de sucesso, a canção não foi lançada como compacto comercial individual nas tabelas da Billboard ou no Reino Unido, encerrando o percurso espiritual do álbum Various Positions. O disco teve acolhida crítica reverente na Europa e no Canadá, alcançando a 24ª posição na UK Albums Chart britânica, tornando-se com o passar dos anos uma das obras capitais da discografia madura do artista canadense. Em relação a outras versões e execuções históricas, a canção ganhou status lendário nos palcos e no cancioneiro contemporâneo. Durante as turnês mundiais de retorno de Cohen entre 2008 e 2013, a faixa era introduzida por ele como uma oração e entregue comoventemente à interpretação vocal das irmãs Charley e Hattie Webb (The Webb Sisters), registro imortalizado no aclamado álbum Live in London (2009). Entre as regravações notáveis, destaca-se a visceral leitura de Anohni (Antony and the Johnsons) no filme concerto e disco tributo Leonard Cohen: I'm Your Man (2005), além de versões registradas pelo duo The Civil Wars e por cantores do circuito folk internacional.

A letra:

If it be your will
That I speak no more
And my voice be still
As it was before
I will speak no more
I shall abide until
I am spoken for
If it be your will

If it be your will
That a voice be true
From this broken hill
I will sing to you
From this broken hill
All your praises they shall ring
If it be your will
To let me sing

From this broken hill
All your praises they shall ring
If it be your will
To let me sing

If it be your will
If there is a choice
Let the rivers fill
Let the hills rejoice
Let your mercy spill
On all these burning hearts in hell
If it be your will
To make us well

And draw us near
And bind us tight
All your children here
In their rags of light
In our rags of light
All dressed to kill
And end this night
If it be your will
If it be your will

A versão de Leonard Cohen:

A versão de First Aid Kit:

A versão de David Gilmour:

2444 – Al Stewart – Rumours of War (1984)

 

Escrita inteiramente por Al Stewart, “Rumours of War” foi concebida e gravada entre o final de 1983 e o início de 1984 nos estúdios Davlen Sound Studios e Sunset Sound, em Los Angeles, Califórnia. A canção teve seu lançamento oficial em 1984 integrando o nono álbum de estúdio do compositor britânico, Russians & Americans, lançado internacionalmente pela RCA Records na Europa e pela Passport Records nos Estados Unidos. A produção do registro foi assinada em parceria por Al Stewart e Steve Chapman. Musicalmente, a faixa apresenta uma dinâmica marcante de Folk Rock contemporâneo e Pop Rock, combinando o lirismo tradicional de Stewart com a sonoridade polida dos anos 1980. O arranjo constrói-se sobre violões acústicos precisos, guitarras elétricas com timbre cristalino e uma base rítmica pulsante e disciplinada de baixo e bateria, complementada por camadas sutis de sintetizadores que criam uma sensação de suspense contínuo. A interpretação vocal de Stewart é sóbria, serena e pontuada por sua habitual clareza descritiva. No campo lírico, a canção explora a tensão geopolítica, a fragilidade da paz e a atmosfera claustrofóbica da Guerra Fria, retratando o receio constante da população perante manchetes, manobras militares e boatos de conflito global que pairavam sobre aquela década. O pessoal da gravação conta com Al Stewart (vocais principais, violão), Peter White (guitarras, teclados), Phil Kenzie (sopros) e conceituados músicos de sessão da cena de Los Angeles. Nas paradas de sucesso, a canção não foi lançada como single de destaque nas paradas pop comerciais da Billboard Hot 100 nem na UK Singles Chart britânica, alcançando repercussão direcionada nas emissoras de rock universitário e no circuito do formato Adult Contemporary. O álbum Russians & Americans manteve o prestígio autoral de Stewart entre os apreciadores de seu cancioneiro histórico e analítico, refletindo criticamente o embate político e cultural entre as superpotências daquele período. Em relação a outras versões e execuções conhecidas, “Rumours of War” fez parte das apresentações ao vivo de Al Stewart em formato acústico e elétrico durante as turnês dos anos 1980 e 1990, muitas vezes executada em duo ao lado do multi-instrumentista Peter White. Gravações ao vivo em concertos de rádio e fitas de som direto preservaram o vigor analítico da canção, mantendo-a como um dos retratos poéticos mais diretos do clima tenso de 1984.

A letra:

We met on the beach amid rumours of war
Your head in your hand, what you saw you won't say
As the newspapers flew in the wind.

I can see you're one of that kind
Who carry ‘round a time bomb in their mind, no one knows
When you'll slip the pin.

Rumours of war, rumours of war.

I see that your dress is torn at the edge
You were lost, intense, like a man on a ledge, waiting to jump
As the waves break over the shore.

You say there's a storm that can't be delayed
And lately it seems to be comin' this way, you can hear it break
Like the slam of a door.

Rumours of war, rumours of war.

You tell me, just look all around
At the past and the present, the cross and the crescent
The signs and the planets are lining up like before.

There are souls on fire in the day and the night
On the left and the right, in the black and the white
You can see it burn in the eyes of the rich and the poor.

Rumours of war, rumours of war.
Rumours of war, rumours of war.

A versão de Al Stewart:

2443 – David Gilmour – Cruise (1984)

 

Escrita inteiramente por David Gilmour, “Cruise” foi concebida e gravada entre o final de 1983 e o início de 1984 no estúdio The Gallery, em Knutsford, Cheshire, com overdubs adicionais e mixagem realizados no Eel Pie Studios, em Londres. A canção teve seu lançamento oficial em março de 1984 como a sexta faixa (abrindo o Lado B do vinil) do segundo álbum solo do guitarrista e vocalista do Pink Floyd, About Face, editado internacionalmente pela Harvest Records no Reino Unido e pela Columbia Records na América do Norte. A produção foi assinada em parceria por Bob Ezrin e David Gilmour. Musicalmente, a faixa funde a assinatura melódica do Art Rock e do Pop Rock com elementos distintos do reggae e do dub, marcando uma das incursões rítmicas mais singulares de toda a trajetória do músico. A estrutura rítmica assenta-se na levada sincopada e elegante da bateria de Jeff Porcaro (do Toto) e no baixo firme e melódico de Pino Palladino. O arranjo é enriquecido por camadas de sintetizadores atmosféricos, percussão refinada e o violão acústico e a guitarra limpa de Gilmour, que reserva para a ponte e o desfecho um solo lírico, fluido e carregado de sustain com seu característico timbre com delay. A lírica aborda a tensão internacional, a corrida armamentista e a paranoia da Guerra Fria sob o olhar da população comum britânica, refletindo diretamente sobre a polêmica instalação dos mísseis nucleares norte-americanos Tomahawk (conhecidos como mísseis de cruzeiro, ou cruise missiles) na base militar de RAF Greenham Common na Inglaterra. O pessoal da gravação conta com David Gilmour (vocais principais, guitarras), Pino Palladino (baixo), Jeff Porcaro (bateria, percussão), Ian Kewley (sintetizadores, órgão Hammond) e Steve Winwood (órgão adicional). Nas paradas de sucesso, a canção não foi editada como compacto de grande circulação comercial nas paradas pop da Billboard Hot 100 ou no Reino Unido, embora tenha obtido rotação expressiva nas programações de emissoras do formato Album-Oriented Rock nos Estados Unidos. O álbum About Face teve repercussão comercial sólida em ambos os lados do Atlântico, conquistando o 21º lugar na UK Albums Chart britânica e atingindo a 32ª posição na Billboard 200 norte-americana. Em relação a outras versões e execuções históricas, “Cruise” foi integrada ao repertório da turnê solo que percorreu a Europa e a América do Norte entre março e julho de 1984, na qual Gilmour capitaneou uma banda de alto escalão com músicos de estúdio. Registros ao vivo gravados em locais como o Hammersmith Odeon em Londres e o Capital Centre em Landover foram capturados em transmissões de rádio e no vídeo concerto oficial David Gilmour Live 1984, destacando a expansão do solo de guitarra e a riqueza dinâmica da execução de palco.

A letra:

Cruise you are making me sing
Now you have taken me under your wing
Cruise, we both know you're the best
How can they say you're like all the rest

Cruise, we're both travelling so far
Burning out fast like a shooting star
Cruise I feel sure that your song will be sung
And will ring in the ears of everyone

Saving our children, saving our land
Protecting us from things we can't understand
Power and Glory, Justice and Right
I'm sure that you'll help us to see the light
And the love that you radiate will keep us warm
And help us to weather the storm

Cruise, you have taken me in
And just when I've got you under my skin
You start ignoring the fears I have felt
'Cause you know you can always make my poor heart melt

Please don't take what I'm saying amiss
Or misunderstand at a time such as this
Because if such close friends should ever fall out
What would there be left worth fighting about

Power and glory, justice and right
I'm sure that you'll help them to see the light
Will you save our children, will you save our land
And protect us from all the things we can't understand?
Power and glory and justice for all
Who will we turn to when your hard rain falls?

A versão de David Gilmour:

2442 – U2 – Indian Summer Sky (1984)

 

Creditada conjuntamente a Bono, The Edge, Adam Clayton e Larry Mullen Jr., com letra de Bono, “Indian Summer Sky” foi desenvolvida e gravada entre maio e agosto de 1984 durante as sessões históricas no Slane Castle, no Condado de Meath, e concluída no Windmill Lane Studios, em Dublin. A faixa teve seu lançamento oficial em 1 de outubro de 1984 como a oitava canção do quarto álbum de estúdio da banda, The Unforgettable Fire, lançado internacionalmente pela gravadora Island Records sob a produção de Brian Eno e Daniel Lanois. Musicalmente, a faixa destaca-se pelo andamento veloz e urgente de Post-Punk e Rock Alternativo, funcionando como um choque de energia rítmica logo após a densidade atmosférica de “Bad”. O arranjo é impulsionado pela levada rápida e precisa da bateria de Larry Mullen Jr., combinada à linha de baixo galopante e agressiva de Adam Clayton e aos riffs cortantes e cheios de eco da guitarra de The Edge. Bono entrega uma interpretação vocal intensa e direta, enquanto as texturas sonoras manipuladas por Brian Eno criam um pano de fundo elétrico e expansivo. A letra reflete a busca por renovação espiritual, a sensação de confinamento provocada pelo ambiente urbano de concreto e o anseio instintivo por reconciliação com as forças primitivas da natureza e a vastidão do céu aberto. O pessoal da gravação conta com Bono (vocais principais), The Edge (guitarras, vocais de apoio), Adam Clayton (baixo) e Larry Mullen Jr. (bateria). Nas paradas de sucesso, a canção não foi lançada comercialmente como single avulso nas tabelas da Billboard nos Estados Unidos nem no Reino Unido, integrando a sequência de abertura do lado B do vinil original. O álbum The Unforgettable Fire obteve estrondoso êxito de crítica e público, alcançando a 1ª posição na UK Albums Chart britânica e o 12º lugar na Billboard 200 norte-americana. Em relação a outras versões e execuções históricas, a canção foi apresentada ao vivo de forma rara e pontual durante a primeira perna da The Unforgettable Fire Tour no final de 1984, na Europa e na Austrália, sendo gradualmente retirada do repertório fixo em favor de faixas mais conhecidas do grupo. Registros não oficiais capturados por fãs e fitas de som direto da mesa registram a força crua e acelerada com que o quarteto executava a composição nos palcos daquele período.

A letra:

In the ocean cuts ring deep, the sky

Like there, I don't know why

In the forest there's a clearing

I run there toward the light

Sky

It's a blue sky

In the earth the hole deep, deep, decide

If I could, I would

Up for air to swim against the tide

Hey, hey, hey

Up toward the sky

It's a blue sky

To lose along the way the spark that set the flame

To flicker and to fade on this, the longest day

So wind go through to my heart

So wind blow through my soul

So wind go through to my heart

So wind blow through my soul

So wind go through to my heart

(So wind blow through my soul)

You give yourself to this the longest day

You give yourself, you give it all away

Two rivers run too deep, the seasons change and so do I

The light that strikes the tallest trees the light away for I

The light away

Up towards the sky

It's a blue sky

To lose along the way the spark that set the flame

To flicker and to fade on this, the longest day

So wind go through to my heart

So wind blow through my soul

So wind go through to my heart

So wind blow through my soul

So wind go through to my heart

(So wind blow through my soul)

You give yourself to this the longest day

You give yourself, you give it all away

A versão do U2:

A versão do The One:

A versão do Zoo Station: